Después de Hora

TERCER TALLER DE CINE EN HOYTS

2008-02-07T13:57:00.000-03:00

"EL CINE FANTÁSTICO Y DE HORROR"
UNA APROXIMACIÓN SOCIOLÓGICA.

Una aproximación al fascinante mundo del cine que se alimenta de nuestros miedos. Los mecanismos que operan, sus raíces sociológicas. Sus personajes, criaturas, mitos, actores y directores más importantes. Del cine de terror alemán de los años 20, al horror contemporáneo. Frankenstein, Drácula, King Kong, monstruos, marcianos, pájaros, tiburones y Godzilla. James Whale, Tod Browning, Alfred Hitchcock, Roger Corman, George Romero, Wes Craven, Sam Raimi, John Carpenter, David Cronenberg, Guillermo del Toro y Peter Jackson. Y mucho más.

Inicio Curso : Sábado 29 de Marzo de 2008

Horario Taller : de 11:00 a 13:00 hrs.C

antidad de Clases: 8 Sábados.

Desde el 29 de marzo al 17 de mayo.

Información e inscripciones en: www.cinehoyts.cl

EXCLUSIVA!!

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RICHARD MATHESON

2008-01-30T12:08:00.000-03:00

Escritor y guionista, el autor de la novela que da origen a “Soy leyenda” (tercera versión de la misma historia), es un verdadero maestro de la ciencia ficción y está detrás de varias películas y clásicas series de TV. Por Daniel Olave.

Richard Matheson es de esos grandes escritores que la mayoría desconoce. Porque dedicó su trabajo a un género considerado menor de la literatura: la fantasía y la ciencia ficción. Pero a través de su paso por la televisión y el cine, uno puede acercarse a su obra, bastante prolífica y ciertamente inspiradora.

No deja de llamar la atención el alcance de sus historias en muchos y diversos autores. Vaya un ejemplo: su novela “Soy leyenda”, no sólo a tenido tres versiones en el cine (sin contar un cortometraje español y un episodio de Halloween de “Los Simpsons”), sino que además es la fuente de inspiración para películas como “La noche de los muertos vivientes”, de George Romero y hasta para la más reciente cinta del chileno Jorge Olguín: “Solos”.

Nacido en 1926, comenzó a escribir de niño y su carrera en el cine comenzó adaptando su propia novela “The incredible shrinking man” (“El hombre menguante”), que dirigió el maestro del género Jack Arnold (“Tarántula”, “El monstruo de la laguna negra”). Desde ahí comenzó una prolífica carrera en el cine y la TV, paralela a su oficio de escritor con múltiples novelas y cuentos editados.

Escribió capítulos de series clásicas del género como “Star Trek” (el famoso episodio donde el Capitán Kirk tiene un alter ego malvado) y 16 capítulos de la “Dimensión desconocida”, donde destaca “Pesadilla a 20 mil pies”, protagonizado por el mismísimo William Shatner y el cual fue uno de los escogidos para la versión en el cine de la serie, película que en Chile se llamó “Al filo de la realidad”.

Además, colaboró en varios proyectos con el célebre director Roger Corman, donde adaptó varios relatos de Edgar Allan Poe. También como guionista realizó adaptaciones de obras de Julio Verne (“El amo del mundo”), Bram Stoker (“Drácula”, de 1973) y Ray Bradbury (“Crónicas marcianas”). E incluso escribió el telefilme que inició la carrera de Steven Spielberg: “The duel”.

Aquí va una reseña de los títulos más famosos en los que escribió el guión o que estuvieron basados en alguno de sus relatos:

EL HOMBRE MENGUANTE (1957), de Jack Arnold. Adaptó su propia novela sobre un hombre que accidentalmente es contaminado por una niebla radioactiva, lo que provoca que comience a reducirse de tamaño. Así, su propia casa se convierte en un territorio hostil y debe enfrentar gatos y arañas que para él son monstruos gigantes. Pedro Almodóvar se inspiró en esta película para el corto “El amante menguante”, que aparece en “Hable con ella”.

LA CAIDA DE LA CASA USHER (1960). Con este filme inició la colaboración con Roger Corman, adaptando obras del maestro Edgar Allan Poe, todas las cuales fueron protagonizadas por Vincent Price. Luego vinieron “El pozo y el péndulo”, “Cuentos de terror” y “El cuervo”. No sólo son las mejores películas del prolífico e irregular Corman, sino que las mejores cintas de terror de esos años y las mejores adaptaciones de Poe al cine. La ecuación Poe-Matheson-Corman-Price, dio como resultados verdaderas obras maestras del género.

EL ULTIMO HOMBRE EN LA TIERRA (1964). Primera de las adaptaciones de su novela “Soy leyenda”, que narra la historia de un hombre que es el último sobreviviente de la Humanidad. Protagonizada por Vincent Price como el Dr. Robert Morgan, que es inmune a la plaga que ha convertido al resto de la gente en zombies en busca de sangre. Adaptada por él mismo, con el seudónimo de Logan Swanson, fue hecha en Italia, en blanco negro y de producción modesta.

EL DUELO (1971). Realizada como un filme para la televisión por un joven Steven Spielberg, tiene a Dennis Weaver como un conductor perseguido por el sicótico chofer de un camión –al que nunca se ve- que lo ataca en la carretera. En el resto del mundo se exhibió en cines. Algunas secuencias fueron recicladas para un capítulo de la serie “El hombre increíble”, lo que provocó la molestia de Spielberg.

EL HOMBRE OMEGA (1971). Segunda adaptación de “Soy leyenda”, esta vez convertida en súper producción de Hollywood. Charlton Heston es el Dr. Robert Neville, quien alcanza a inyectarse una droga experimental que lo hace el único hombre inmune a los efectos de una guerra apocalíptica con armas biológicas que convierte a la raza humana en mutantes.

PIDELE AL TIEMPO QUE VUELVA (1980) Protagonizada por Christopher Reeves y Jane Seymour, es una cinta romántica con viajes en el tiempo inspirada en la novela “Bid time return”, de Matheson. Es la historia de un escritor que se enamora de la mujer de una fotografía y que a través de la autohipnosis viaja al pasado para encontrase con la joven. Aunque fue un fracaso en el cine, se convirtió en cinta de culto gracias a la TV. También es famosa por la música, de John Barry, complementado por una variación de "Rapsodia de un Tema de Paganini", de Sergei Rachmaninoff.

MAS ALLA DE LOS SUEÑOS (1998). Basada en su novela “What dreams may come”, es la historia de un hombre que muere en un accidente (Robin Williams) y llega al Cielo, donde es guiado por un ángel guardián. El lugar es maravilloso, pero cuando su mujer se suicida a causa de la pena, él se arriesga en viajar al Infierno buscándola para tratar de rescatarla. Con Cuba Gooding Jr., Anabella Sciorra y Max Von Sydow.

ECOS MORTALES (1999). Filme de terror y suspenso sobrenatural escrito a partir de su libro “A stir of echoes”, y protagonizado por Kevin Bacon. Después de ser hipnotizado por su cuñada, un hombre comienza a tener escalofriantes visiones del fantasma de una chica. Así, comienza a investigar macabros hechos ocurridos en su vecindario años atrás, decidido a descubrir el misterio que lo atormenta.

El actual redescubrimiento de Matheson gracias al éxito de “Soy leyenda”, tiene a Hollywood trabajando en otras adaptaciones de su obra. El aclamado director Richard Kelly (“Donnie Darko”), escribe y dirigirá la cinta “The box”, basado en uno de sus cuentos, y que trata sobre un matrimonio que reciben de regalo una caja que traerá terribles consecuencias en sus vidas. Con Cameron Diaz y James Mardsen. Además, se está preparando un remake de su primera película, “The incredible shrinking man”, que será convertida en comedia por los guionistas de “Madagascar”, Mark Burton y Billy Frolick.

TALLER DE CINE EN CINE HOYTS

2007-08-03T18:09:00.000-04:00

Para los que estén interesados, está abierta a público en general la inscripción al 2° Taller de Cine en Cine Hoyts:

CineHoyts tiene el agrado de convocar a un segundo taller de cine, una propuesta que ha tenido una excelente acogida del público en su primera edición (exclusiva para los socios del cine) y que debido al interés que ha suscitado este proyecto CineHoyts quiere continuar con la experiencia que por primera vez se realiza en un complejo de multisalas y ampliar la invitación al público general.

El segundo Taller será “Cine y Violencia”: la violencia en el cine de género; la violencia como estado; el psicópata y el serial killer; el terrorista y el justiciero; la estilización de la violencia: Tarantino y John Woo; el reciclaje de la violencia: Martín Scorsese y Stanley Kubrick.

Las clases comenzarán el 25 de agosto y se desarrollarán durante los días sábados entre las 11:00 y 13:30 hrs. en el Salón VIP de CineHoyts La Reina (5º piso) y será dictado por Daniel Olave, crítico y especialista en cine. Además de las clases expositivas y la exhibición de material audiovisual, se entregarán textos y contará con la presencia de algún invitado especial que complementará los contenidos.

ALGUNAS DE LAS PELÍCULAS A REVISAR:
- El Halcón Maltés, de John Huston
- Harry el Sucio, de Don Siegel
- La Patrulla Salvaje, de Sam Peckinpah
- Caracortada, de Brian de Palma
- La Naranja Mecánica y Nacido para Matar, de Stanley Kubrick
- Taxi Driver y Los Buenos Muchachos, de Martín Scorsese
- Terciopelo Azul y Corazón Salvaje, de David Lynch
- The Killer, de John Woo
- El Perfecto Asesino, de Luc Besson
- Perros de la Calle y Pulp Fiction, de Quentin Tarantino
- Asesinos por Naturaleza, de Oliver Stone
- El Amor y la Furia, de Lee Tamahori
- Old Boy, de Chan-woo Park
- Una Historia Violenta, de David Croneberg.

Dejamos abierta la invitación para que se acerquen a CineHoyts y recorramos juntos, entretenida y educativamente la historia del cine, para así entender y disfrutar mejor del Séptimo Arte.

Para inscribirse, ir al sitio de cine Hoyts: www.cinehoyts.cl

http://www.cinehoyts.cl/inscripcion/inscripcion.html

A PROPOSITO DE ZOMBIES

2007-07-24T23:40:00.000-04:00

Foto: película "Solos"

La entrevista del post anterior salió publicada en The Clinic. Este era un recuadro escrito para la ocasión que no alcanzó a salir....

Aprovecho de ponerlo acá.

CINE Y ZOMBIES: CARNE DE CAÑON

Desde que George Romero reinventó el subgénero de los zombies en 1968 con “La noche de los muertos vivos”, la relación entre estas películas y la temática política se ha hecho mucho más evidente. Si en este film, proponía una crítica sobre Estados Unidos en los 60’s, con Vietnam, el racismo y la Guerra Fría de fondo, en su secuela “”Dawn of the dead” (1971) se adelantó con una crítica despiadada al consumismo con su imagen de zombies rondando un mall, repitiendo en la muerte aquello que regía sus vidas. En la tercera parte, “Day of the dead” (1985), denunciaba de frentón el militarismo de la era Reagan. Incluso la poca valorada “Land of the dead” (2005), hacía una crítica a las corporaciones y mantenía su visión contestataria y sobre “la lucha de clases”.

En “Resident evil”, los zombies son producto del experimento inescrupuloso de grandes corporaciones científicas y los militares y policías, solo peones utilizados en su “contención” y eliminación. Lo mismo ocurre con “Exterminio”, cuya secuela se estrenará próximamente: Danny Boyle pone a los militares –como Olguín en “Solos”-, encargados en despachar a los zombies molestos, sin importar si en el camino se elimina a personas aún no infectadas. Como en “La noche de los muertos vivientes”, en “Exterminio” se muestra que a veces los humanos –encarnados en soldados- pueden ser aún más monstruosos que los propios zombies.

En 1988, Wes Craven (“Pesadilla”, “Scream”) realizó la cinta “The serpent and the rainbow”, sobre un científico que viaja a Haití para investigar sobre el origen de la leyenda de los zombies. Allí descubre que la dictadura de “Baby Doc” Duvalier usaba los zombies para su beneficio.

Incluso una misma película puede tener versiones con distinto planteamiento. En 1956, Don Siegel hizo “The body snatchers” para mostrar la amenaza comunista en plena Guerra Fría. Pero en 1993, otro inconformista, Abel Ferrara, hizo un remake donde la gente era convertida en zombie como parte de una invasión que partía desde una base militar.

JORGE OLGUIN: “A LAS DICTADURAS LES CONVIENE TENER ZOMBIES”

2007-07-24T23:18:00.000-04:00

Mientras espera dirigir la súper producción “Caleuche” y su primer filme en Hollywood, el realizador chileno Jorge Olguín filmó su tercer largometraje de terror en un par de semanas y en absoluto secreto. Una película acerca de sobrevivientes perseguidos por militares asesinos en una ciudad bombardeada y con cadáveres flotando en el río. Fantasía pura.

Por Daniel Olave M.

Un niño mira desde la periferia de una ciudad en ruinas, un avión que pasa rasante y bombardea los edificios allá a lo lejos. Se parece a una escena de “Machuca”, pero se trata de “Solos”, la nueva película de Jorge Olguín, el primer director chileno de cine de terror que con esta cinta apocalíptica con virus que transforman a las personas en zombies, ha hecho su film más político a la fecha.

Las imágenes del film muestran a niños huyendo en zonas descampadas, ocultándose en ruinas, mientras son perseguidos por militares que asesinan a quienes están contaminados. En un lugar y tiempo no definidos, se suceden violenta imágenes color sepia, mutantes que recuerden el look y movimientos de la niña fantasma de “El aro” y reminiscencias a otros filmes de género como “Exterminio” y “Los niños del hombre”, pero que también recuerdan a la ya citada “Machuca” o a “La Lista de Schindler”.

Director de “Angel Negro” y “Sangre eterna”, el primer film de terror y la primera cinta de vampiros, hechas en Chile; Olguín prepara además el millonario proyecto de “Caleuche” con Leonor Varela y Sergio Cabrera, para lo cual cerró un trato con Disney. Y como si fuera poco, lo espera su debut en Hollywood con “Clock tower”, con actores gringos y basada en un video juego de horror. Además, planea una versión para el cine de las aventuras del “Dr. Mortis”, creación del recientmente fallecido Juan Marino.

¿Siempre fuiste el raro del grupo?
Sí, y tengo que aceptarlo, soy un "freak" y aunque ahora está moda
serlo, no me gusta para nada que me lo digan, pero sin duda que lo
soy. Incluso soy un "freak" dentro de los "freak", ¡ja!..., en el colegio
era un caso especial, para que voy a entrar en detalles. En la
universidad mientras todos estaban pegados con el neorrealismo italiano,
yo estaba coleccionando los filmes de Mario Bava. Cuando me presentaba
en los festivales de cine latinoamericano, era el único freak
presentando pelis de terror, cuando estaba en Gringolandia y Europa
presentado mis filmes en los festivales de cine fantástico era el
único latinoamericano... Además, con esta película caché que estaba loco. Filmar en 7 días, con niños de 9 años, casi en blanco y negro, con un tema político y sin mirar el contexto local...que más te puedo decir.

¿Cómo surgió "Solos"?
-Solos era una idea que tenia en mente para un proyecto futuro, pero
cuando tuvimos correr la filmación de “Caleuche” para el segundo
semestre, pensé que podía existir una posibilidad de realizar este
filme antes. Hable con mis contactos en gringolandia y el proyecto lo
tomó un productor, Dave Brown, hablé con mis socios de “Caleuche”,
Chilefilms y se involucraron como coproductores, lo cual fue muy
importante porque justo en Chilefilms estaban inaugurando los nuevos
avances tecnológicos para la industria del cine local, que eran
indispensables para un filme de este tipo que está lleno de efectos
digitales y de postproducción de imagen y sonido. Así de un día para
otro durante el mes de mayo comenzamos con la filmación en HD (alta
definición) de “Solos”.

¿De qué trata?
-Es la historia de una niña de 9 años que despierta sola en medio de un
paraje desolador, junto con ella vamos siendo testigos de como ha
quedado nuestro mundo y ve actos de violencia irracional de parte de
gente armada con uniformes y máscaras antigases. Ella solo quiere
vivir, alimentarse y escapar del peligro. No va ser fácil. Y encuentra
a otro grupo de niños que la acompañan entre la ruinas de lo que fue
una gran ciudad.

¿Cómo nació la idea de la película? ¿Qué temas te la inspiraron?
-Yo quería hacer mi visión personal del Apocalipsis basándome en un imaginario local como la violencia sufrida por nosotros durante 1973. Si bien yo nací por esos
años, ese imaginario de violencia está plasmada en mi retina e incluso
inconscientemente, como un fantasma que me persigue y esto no es
coincidencia. El cine fantástico puede ser un buen elemento catalizador de energías, puede servir como un exorcismo de nuestros propios demonios.

El cine fantástico, como género, siempre ha servido para hacer denuncias.
-Yo creo que sí. El cine fantástico ha sido una herramienta fundamental para contar situaciones complicadas que quizás no pueden contarse de forma directa. Por ejemplo el personaje de Drácula, es una metáfora sobre el abuso de la aristocracia sobre el pueblo. No es gratuito que sea un conde el que le chupe la sangre a los aldeanos. Es una critica social de la época, y fue el propio Bram Stoker quien dijo que había usado a propósito la figura del aristócrata.

Y hace rato que las películas del género tienen ese componente político.
-Sí. Para hablar de las guerras, por ejemplo, cuando hay conflictos grandes de la sociedad, el cine fantástico ha servido como forma de proyección de los horrores, como la guerra fría, la propaganda política o para despertar la inquietud sobre esas posibles guerras. No es gratuito que a fines de los 60, un cineasta universitario como George Romero haga una película como “La noche de los muertos vivos”, sobre personas comiéndose a otras personas. Que deben encerrarse y sólo vean noticias que hablan de causas ilógicas y que terminen matándose entre ellos. Estaba hablando de la sociedad norteamericana y de la Guerra de Vietnam.

Los zombies son perfectos para tocar esos temas...
-El tema de los zombies es una excelente metáfora para hablar de las personas sin alma que son manipuladas, que son parte de un rebaño. De hecho a las dictaduras les conviene tener zombies y tratan de crear una situación comunicacional que convierte a la gente en almas en pena, que caminan sin pensar, sin derechos, como zombies vivientes.

Y ahora los zombies han vuelto a estar de moda.
-Yo creo que el tema de los zombies vuelve a retomarse ahora debido a las guerras que están pasando y el tema de EEUU; y a eso se suma la paranoia sobre los temas ambientales y la conciencia ecológica. Está quedando claro que las guerras además de los problemas sociales y políticos, afectan al planeta entero y las proyecciones para el futuro son bastante fuertes. Ahí está el caso de Danny Boyle y “Exterminio” . Si volvieron los zombies al ataque es porque se necesita exorcizar esos temores. Es cosa de ver esas imágenes de los soldados gringos entrando a las casas en Irak, matando personas como si no fueran humanos, sino objetos, como zombies. Es tanta la disociación, sino, como puede haber milicos de 19 años matando y torturando gente. Cuando vi esa imagen en la TV, me recordó la escena final de “La noche de los muertos vivientes”, donde juegan con los cuerpos, los balacean. Eso me interesó para hacer una película. Esa imagen tan fuerte.

¿Y las cosas que pasaron acá durante la dictadura también?
-A nosotros se nos olvida que estuvimos muchos años en una situación así. Fuimos zombies dentro de un sistema y obviamente eso tuvo un efecto. Por eso quise hacer unan película basado en los que está pasando, la violencia sin sentido. Una película de horror que hablara de nuestros miedos, utilizar el imaginario de nuestra dictadura para una película futurista que de alguna manera sirviera para exorcizar lesa violencia que quedó marcada en nuestro país. Es nuestro propio imaginario de violencia, de horror.

¿Es esta tu película más política?
-Yo creo que mis filmes por estar enmarcados dentro de un género, han
sido un poco subvalorados en sus intenciones en Chile, y muchos
"teóricos" creen que sus logros son cosas del azar, pero nada es
casualidad. Es lo que yo veo en mi entorno. Por ejemplo en "Angel
Negro" no fue casual mostrar un Santiago frío, lleno de personajes que
deambulan como fantasmas, ineficiencia policial, jueces inútiles,
mujeres arribistas y bulímicas, un héroe esquizoide, compañeros de
colegio violentos, etc. Y un médico forense en busca respuestas de
su amor desaparecido, para calmar su alma atormentada. Y como no hay
justicia, el toma lugar de su amada para hacerlo a su manera. Es mi
visión de como veo Chile y eso es político. En “Solos” está mi
encuentro ficcionado con lo mas aterrador que puede ocurrir, y recurrí
al imaginario de la violencia del golpe, todo su aspecto de
tratamiento visual, en el color de los antiguos documentales y
antiguas fotografiás de la época. Es extraño, pero hice un filme
acerca de un futuro pesimista pero con la visualidad del pasado.

¿Cómo se relaciona con tus demás películas?
-En realidad en todo, yo no veo muchas diferencias, mas que en el
aspecto formal, es casi como una trilogía, todos mi héroes están
perdidos y solitarios, atrapados por sus propias pesadillas. Pero con
“Solos” fui mas allá, es literal como el titulo y mi pequeña heroína
está viviendo dentro su pesadilla. La diferencia es que ella está
dentro del horror mismo, necesita de los sueños para escapar de su
realidad. Y eso es muy similar a “Sangre Eterna” y yo, de repente
prefiero las pesadillas de los sueños, que la realidad misma.

MIS DOS CHICAS (CUANTO LAS AMO)

2007-07-24T21:23:00.000-04:00

"Calvin & Hobbes" es una de mis tiras cómicas favoritas. Grande Bill Waterson. Y cuando Calvin y su amigo-imaginario-tigre- de peluche se ponen a jugar a hacer caras es uno de mis momentos favoritos. Aquí, cual monos animados, Tati y Mara hacen de las suyas.

BUZIOS (Ahhhhhhhhhhhhhhhhhhhh...)

2007-07-24T21:12:00.001-04:00

DE REGRESO

2007-07-24T18:02:00.000-04:00

Uf. Fue mucho tiempo. Pasaron meses con este blog botado. Ya no recordaba ni como entrar.

Pero estoy de vuelta. Después de un año que ha estado bien movido. Pesado a ratos. Una que otra crisis. En fin. Lo típico. Pero después de 3 semanas de vacaciones -una en Brasil entremedio- y luego de que pasó "Papelucho" -la película- que me tuvo muy ocupado muchos meses, vuelvo a apersonarme.

Por último pa no dejar las cosas botadas.

En la foto: Mara, yo y Papelucho (puta que has dado que hacer cabro chico).

Bueno, esto es una prueba...ya vendrán novedades.

Stay tuned

RODRIGO SEPULVEDA Y PADRE NUESTRO

2006-10-02T12:36:00.000-04:00

Lleva varios meses esperando su turno. Diversas vicisitudes la han hecho postergar su estreno cuando ya está lista hace casi un años. Pero por fin, “Padre nuestro”, el segundo largometraje del realizador nacional Rodrigo Sepúlveda (“El ladrón y su mujer”) tiene fecha definitiva de estreno: este 5 de octubre. Aunque antes fue exhibido en festivales como el de Viña del mar y Sanfic.

Protagonizada por la actriz argentina Cecilia Roth, junto a Jaime Vadell (mejor actor en el Festival de Valdivia), Amparo Noguera, Luis Gnecco y Francisco Pérez Bannen, la película es un drama entremezclado con comedia, y fuertes dosis de humor negro, que parte de una historia fuertemente autobiográfica de su director, para convertirse en un relato profundo, certero y divertido de la familia y la clase media chilena.

-¿Cómo surgió la idea de este proyecto?
“Fue cuando nos avisaron que nuestro padre estaba en un hospital en Viña del Mar y que posiblemente iba a morir. Nos subimos en un auto con mis hermanos y una cuñada y se produjo una situación muy familiar y muy chilena. Todos hablábamos de muchas cosas y no hablábamos de nada”.

Según Sepúlveda, en ese viaje se produjo un regreso a la infancia, “nos acordamos de muchas cosas, nos reímos mucho, lloramos un poquito, pero todo esto tenía una cosa divertida, un carácter de comedia. Y cuando volvimos, empecé a escribir”.

PURO HUMOR NEGRO
Es ese tono el que se palpa en toda la película. Una suerte de homenaje pero sincero en su crudeza, donde el padre es un vividor, un irresponsable, pero un gran tipo. Una historia retratada con emotividad y humor, en situaciones muy chilenas a partir de la tragicomedia de un hombre de 72 años que encuentra la oportunidad para reencontrarse con su familia cuando está a punto de morir.

-¿Cómo surge el humor en una situación que es dramática?
-“Es que la situación de ir a ver a mi padre era tragicómica. Se iba a morir y nos trataba de hacer reír y nosotros a el también. Eso es muy chileno. Están los chistes de funerales, siempre se hacen chistes de cosas trágicas. El humor negro es una característica muy nuestra. Además, es una película sobre la clase media, a la cual pertenezco. Y los cineasta chilenos tenemos una deuda con la clase media”.

Jaime Vadell es Caco, quien no sorprenderá a los que saben de su potencial, pero saben que aún no había la oportunidad de lucirlo en el cine, salvo en “Tres tristes tigres”, de Raúl Ruiz y sólo la habíamos visto asomar por ahí en la mejor escena de “Coronación”. Vadell tiene una actuación de lujo, que ganará más de un premio y que sacará frases del tipo “La actuación que el cine chileno le estaba debiendo”.

Caco recibe a sus hijos a punta de tallas, aunque poco a poco van apareciendo tanto los recuerdos que duelen como los que los unen. Según Sepúlveda, es un personaje clásico de la fauna criolla. “Hay uno en todas las familias”, dice el director, ese que según un dicho de su propio padre: “Es feo, ladrón y borracho, pero buen muchacho”.

FANTASEANDO CON CECILIA ROTH
Previo al estreno oficial de “Padre nuestro”, en octubre, Rodrigo Sepúlveda trabaja en el Area Dramática de Canal 13 en una serie de proyectos. Estas incluyen los detalles de la segunda temporada de “Los simuladores”, las grabaciones del telefilm sobre Diego Portales que prepara para la serie “Héroes” que es parte del proyecto Bicentenario del canal y el desarrollo de una sitcom sobre los personajes de la familia “Sa-Sa”, aparecidos en la teleserie “Brujas”.

“Padre nuestro” incluye una galería de personajes bastante realistas y llenos de humanidad, entre los que destacan Coca Guazzini como la amante convertida en su última pareja y Gloria Munchmayer como la regenta de un mítico prostíbulo del puerto, donde trabaja su propia hija (en el film y la vida real), Catalina Guerra.

Aunque sin duda, una de las apuestas claves de la película fue tener en su reparto nada menos que a la actriz argentina y musa de Aristaraín y Almodóvar, Cecilia Roth (“Todo sobre mi madre”).

-¿Cómo surgió la posibilidad de contar con Cecilia Roth?
“Originalmente el papel de esposa del personaje de Luis Gnecco estaba pensado María Izquierdo (“Sexo con amor”, “Mujeres infieles”), pero por diversos motivos, la no pudo estar en la cinta. Entonces me empecé a dar muchas vueltas, y un referente que tenía era el personaje de Cecilia Roth en “Martín H”. Pensé podría ser así, con esa chispa y esa profundidad, y empecé a fantasear. Necesitaba a una actriz que fuera muy extravertida e introvertida a la vez, sin transiciones”.

Fue entonces que, según confiesa, “sin conocerla me mande un gran carril, que fue mandarle el guión a su representante. El me dijo que no tenía ninguna posibilidad por problemas de agenda, pero que igual le iba a entregar el guión. Dos días después me llama y me dice que lo leyó y que lo quería hacer, pero primero me quería conocer”.

Así, con el elenco perfecto, Sepúlveda pudo llevar a la pantalla esta historia que de tan personal, se convierte en un relato que conmueve e identifica a todo el que tenga conflictos familiares no resueltos. Y también a cualquiera que pueda descubrir esa cosa tan chilena de reírse de la desgracia. De mezclar la risa y el dolor.

- ¿Qué importancia tiene el humor?
“Yo creo que el humor es una forma de mantenernos sanos. Por un lado, es una forma de sanidad, pero también una forma de ocultamiento. A mí lo que me pasó al escribir el guión, era ver que había detrás de los chistes. Ahí apareció la relación con mi papá, con mis hermanos, lo que nos habíamos dicho y lo que no. La película me sirvió para tener la gran conversación que a todos nos queda pendiente cuando se muere el padre”.

SVEN NYKVIST EN CHILE

2006-09-21T12:33:00.000-04:00

Se nos fue Sven. Sven Nyksvit, uno de los grands directores de fotografía de todos los tiempos. El colaborador clave de Ingmar Bergman, y también de Woody Allen. Uf!. Recuerdo una escena de "Crímenes y pecados" con Martin landau enfrentandose a la culpa y a Dios, que es puro trabajo de luz. Hizo alrededor de 100 películas. La última es de 1999, una de Peter Yates con James Spader, "The courtain call". Y antes de esa, "Celebrity", de Allen, en blanco y negro.
Entre sus otros films, además de los de Bergman y Allen, están "Huracán", "El amor de Swann", "La insportable levedad del ser", "El inquilino", de Roman Polanski; "El cartero llama dos veces" , de Bob Rafelson; "Chaplin", de Attenborough y"Sintonía de amor" de Nora Ephron.
Ganó dos Oscar (por "Gritos y susurros" y "Fanny y Alexander") y dirigió "The ox", por la cual estuvo nominado al Oscar a mejor película extranjera.
Lo que pocos saben es que estuvo en Chile. Fue a principios de los años 90, grabando un comercial casi en secreto. La productora que lo trajo no quiso hacer publicidad, sólo le contó a la revista Enfoque para que lo entrevistara. Yo en esa época trabajaba en esa revista y en La Nación. La directora de la Enfoque me trató de ubicar para que lo entrevistara. Yo trabajaba en el turno de noche en el diario y no me podía ubicar y este señor ya se iba. Finalmente, fue a hacer la nota otra periodista de La Nación, Carolina Aránguiz, junto a otro amigo de la Enfoque, Víctor Briceño. Le tomaron una foto grabando en unas calles del centro de Santiago y se fueron conversando con él en el auto camino al aeropuerto. Acabo de contarles esta historia a los de La Nación para que pongan algo y rescaten esa entrevista y la foto. En Enfoque nunca salió, así que es el único registro de esa visita. Ojalá la pongan mañana en el diario. Ese fue el día en que me perdí la oportunidad de entrevistar a un grande.

CINE CHILENO FOR EXPORT

2006-09-15T14:44:00.000-04:00

Uno de los pasos pendientes del actual proceso que vive en cine chileno, es poder vender nuestras historias al exterior. El mercado interno no alcanza. Las películas no se financian en su exhibición en Chile. Menos las películas de más 500 mil dólares, cifra que según dice el productor Adrián Solar, es “el umbral del dolor del cine chileno”.
La cosa es clara: hay que poder exportar cine chileno. Un primer paso es salir a los festivales, que por se logran contactos de distribución. En especial en los mercados internacionales que se hacen en forma simultánea. En el último festival de Cannes, Chile por primera vez iba con comitiva oficial. A buscar negocios. Veremos si fructifican.
Pero para muchos el tema de exportar nuestro cine, más allá de los festivales, los contactos, las políticas gubernamentales, el nivel de calidad (que técnicamente está a la par con la mayoría de las cinematografías emergentes), tiene que ver con la temática. Qué películas son las que se pueden vender afuera.
Hay algunos que todavía creen que haciendo películas como los gringos se les van a abrir las puertas de Hollywood. Un caso reciente grafica lo errado de esa concepción de las cosas
Gonzalo Lira, escritor, se hizo famoso cuando consiguió un millón de dólares con una editorial norteamericana por su novela “Counterparts”. Tras volver de EE.UU., donde decía haber conocido desde dentro la industria del cine norteamericano (trabajando en revisar guiones, etc.), quiso hacer un experimento local al que llamó Películas Metropolitanas. Hacer films comerciales, a lo gringo, romper la taquilla acá y salir al extranjero. Consiguió varios millones de empresarios nacionales a través de una oficina de inversionistas. Se gastó más de un millón de dólares en su primer proyecto: “Secuestro”, dirigida por él mismo. Y fue un sonado fracaso. Hizo poco más de 40 mil espectadores cuando proyectaba más de un millón. Y su idea de usar un lenguaje neutro, situaciones “universales” reconocibles (una historia de un secuestro express) y esquema de película estadounidense (thriller con personajes esquemáticos, supuesto glamour, acción y persecuciones), demostró ser un fiasco. El proyecto entero se cayó a pedazos.
Es que por ahí no va la cosa. No se puede competir tratando de copiar lo que no somos y sin tener los medios para hacerlo. Quizás la cosa vaya por otro lado. Por contar historias simples, nuestras, pero de una manera tal y logrando la emoción suficiente para hacerlas de interés internacional. O quizás no haya nada que hacer, porque simplemente el monopolio de Holywood no nos deja espacio en el mercado.
El espacio se hace corto y el tema da para largo. Habrá que seguir reflexionando entre todos, para que nos sigamos pegando más “lirazos”.

Daniel Olave M.

"QUEREMOS QUE SANTIAGO VIVA UNA FIESTA DEL CINE"

2006-08-04T16:58:00.000-04:00

Entrevista a CARLOS NÚÑEZ, DIRECTOR DEL SANFIC. La segunda edición del Santiago Festival Internacional de Cine parte el 8 de agosto. Serán más de 100 películas y unos 50 invitados internacionales en una semana. Luego de recibir portazos en la cara, su principal encargado analiza la evolución del certamen.

publicado en La Nación, 1° de agosto de 2006

Daniel Olave M.

Les cerraron puertas. Les dijeron que “¿de a dónde?”, “¿que qué se creían?”. Que muchas veces se había intentado hacer un festival de cine importante en Santiago, pero que no había resultado. Por eso nadie creía que un par de jóvenes desconocidos en el “medio” del cine local iban a poder concretar el ambicioso proyecto de darle a la ciudad de Santiago el Festival de Cine que le estaba faltando.
Pero lo hicieron. Con Carlos Núñez como director y Gabriela Sandoval como productora general, el año pasado se llevó a cabo el Primer Santiago Festival Internacional de Cine, el cual congregó cerca de 12 mil personas en torno a una destacada muestra de películas y actividades paralelas muy bien recibidas por el público, la prensa y la Comunidad cinematográfica.

MAS PELÍCULAS, MAS INVITADOS
Para su segunda edición, a realizarse entre el 8 y el 14 de agosto, aumentan las películas, la competencia se hace internacional y los invitados se duplican. De la misma manera, los lugares de exhibición se expanden del cine Hoyts La Reina a sus complejos del centro (San Agustín y Huérfanos), Valparaíso y se agrega también la flamante Cineteca del centro Cultural La Moneda.
Con el apoyo de la Fundación Corpartes además de otros colaboradores, Núñez y su equipo han logrado reunir cerca de un millón de dólares para el Sanfic, que ha diferencia de festivales como Valdivia o Viña del Mar, no cuenta con apoyo de fondos estatales.
Será una semana con más de 100 películas presentadas en 12 secciones. Habrá 15 largometrajes en competencia oficial, 20 películas en el Panorama Internacional, 19 trabajos locales en la sección competitiva “Talento nacional”, además de muestras de cine francés, cubano, de Estados Unidos, Argentina, Oriente y Chile. Entre ellas se incluyen películas de Eric Rohmer, Jean Luc Godard, Volver Schlondorff, Michael Haneke, Lars Von Trier, Arturo Ripstein y Eliseo Subiela, así como documentales, cintas chilenas casi perdidas y animación.
Carlos Núñez, periodista y director del Sanfic, cuenta que: “Al principio mucha gente no creía que se podía hacer. Nos cerraron muchas puertas hubo mucha gente que nos dijo en la cara que no, que se había tratado muchas veces de hacer un festival en Santiago y que no había resultado. Pero también tuvimos, por otra parte, un apoyo increíble de un montón de personas”.

SEMILLERO NACIONAL
“Para nosotros”, comenta, “el primer Sanfic fue un éxito, en términos de audiencia y de poder exhibir películas que están actualmente en los festivales más importantes del mundo. Que todos pudieran ver de qué manera están trabajando en otros países, cómo se está produciendo cine en otros lugares, el tipo de película que se esta haciendo. Y por otro lado, que fuera una plataforma para el cine chileno en general. Jóvenes directores, realizadores antiguos, que puedan tomar contacto con distribuidores de todo el mundo”.
Dentro de los nuevos objetivos a partir de esta segunda edición, el director del Sanfic destaca: “Estamos tratando de impulsar y generar nuevos espacios para realizadores jóvenes. Es muy importante
rescatar el trabajo que hacen los jóvenes directores desde el cortometraje. Es casi como un semillero, una escuela, que implica tomar a la gente joven y seguirla. Trabajar con ellos, para que un momento determinado se puedan potenciar y proyectar en otros lugares, para financiar óperas primas y segundas película, y de esa manera generar un marco de producción de cine chileno”.
Pero Núñez aclara que el gran objetivo del Sanfic: “Que Santiago viva una fiesta del cine, desde el punto de vista de la audiencia. Que el público sepa disfrutar, reconocer y actualizarse con lo que está pasando en el cine, en el mundo. Con otro tipo de cine, que nosotros definimos como un cine de directores de prestigio y de jóvenes talentos. El publico tiene que entender que este tipo de cine no es aburrido, ni extraño, ni feo. Es un cine tan interesante, entretenido y apasionante, como el cine que habitualmente se exhibe en las salas. Sería una pérdida muy, muy fuerte para la cultura nacional, para la gente y para la industria, no introducirse dentro de lo que está pasando en los cambios que genera el cine a todo nivel. Esa es la esencia del Sanfic”.

CINE CHILENO: ¿INDUSTRIA ME DIJO?

2006-07-31T15:51:00.000-04:00

Publicado en revista "City" N°1

Los excesos de entusiasmo son tan nocivos como el fatalismo autodestructivo que a veces parece asaltar a distintos actores del medio audiovisual chileno. Mientras algunos prefieren adoptar el cliché del nuevo “boom” del cine chileno a riesgo de volver a pegarnos un guatazo como tantas veces antes; otros, simplemente descreen de cada nuevo paso, sintiéndose responsables de alertar sobre los falsos profetas y dejar en claro que aún en Chile, en lo que a cine se refiere, no le hemos ganado a nadie.

Y bueno, hay que ser claro en una cosa: no tenemos una industria de cine en Chile. Quizás nunca la tengamos. Simplemente porque desde nuestra condición de país tercermundista jamás tendremos la posibilidad real de desarrollar una. No somos Estados Unidos –por suerte-, ni tampoco la India, con esa industria local enorme o Hong Kong con un enorme mercado cautivo. Y es prácticamente imposible tener una real industria del cine (con grandes estudios y compañías productoras, con grandes recursos para producciones comerciales), por la misma razón que Chile nunca será una potencia atómica o desarrollará su propio programa espacial.

Lo que hemos estado presenciando en el último tiempo no es el nacimiento de esa industria, pero sí la creciente profesionalización del área audiovisual. Y eso no es nada de malo. Esto incluye desde la ley del cine (que vela por contratos, imposiciones y reglamente horarios para los trabajadores del área), hasta el surgimiento de especializaciones que son de primera necesidad: como la producción ejecutiva o el guión.

Hace poco un conocido actor me comentaba –a raíz de la polémica por las críticas a “Fuga”- que nadie habla de aquellas producciones que respetan los horarios, pagan a tiempo y funcionan correctamente en lo laboral. “Eso también es un aporte al avance del cine chileno”, decía.

El cine es arte. Identidad nacional. Es bonito. Etcétera. Pero también hay que pagarle a la gente. Hacer las cosas bien. Y hacerlas con las personas adecuadas. Que sea el productor el que se encargue de conseguir el financiamiento, mientras el director dirige. Y que sea un guionista el que escriba. Ya está quedando atrás, por suerte, esos proyectos que por necesidad, urgencia, circunstancias –y a veces también por ego- eran pensados, escritos, producidos y dirigidos por una misma persona. Y muchas veces, esa persona era la única que lo apreciaba.

Y claro, falta mucho, los boom son pasajeros, hay que andarse con cuidado, no creerse el cuento, no soñar a lo Hollywood style y avanzar de acuerdo a nuestras reales posibilidades. Sin olvidar tampoco que el cine aún trata de historias. De cuentos y sueños. Pero que si se profesionalizan, estos puedes salir mucho mejor.

NO ES UN PAJARO, NO ES UN AVION...

2006-07-26T13:14:00.000-04:00

Ilustración: Curt Swan (DC COMICS)

Pese a las parodias de Fontanarrosa y Don Ramón, el chico de la capa sigue siendo el máximo exponente de una nueva mitología de la cultura pop. El intento de Bryan Singer puede ser visto como un sentido homenaje al que por tantas décadas ha sido el héroe de millones.

por Daniel Olave

Publicado en el diario La Nación el 14-07-06

¿Alguien puede no conocer a Superman? La letra “S” roja en el escudo de fondo amarillo, es junto con el logo de Disney y el de Coca Cola, una de las marcas más reconocidas en el mundo. Y su popularidad se mantiene a pesar de que para muchos es una suerte de boy scout -lejos del realismo sucio de otros héroes más cool, como por ejemplo Batman-, un defensor del capitalismo y del fascismo más pro yanqui.
Su identificación con lo más kitsch del patriotismo gringo lo ha convertido en una caricatura de sí mismo, en una figura denostada y muchas veces ridiculizada. ¿Algunas de las mejores parodias? El “Sperman” de Fontanarrosa y el “Super Sam”, encarnado por Ramón Valdés en los programas de Chespirito.
Pero mal que mal, sigue siendo el máximo exponente de una nueva mitología de la cultura pop. Desde que fue concebido hace casi 7 décadas por dos chicos de 18 años que soñaban con publicar sus historietas, Superman nunca ha dejado de estar presente. Lo que Jerry Siegel y Joe Shuster publicaron por primera vez en 1938, no sólo fue el primer súper héroe de la historia del cómic, sino el fundador y molde de un verdadero arquetipo de la cultura contemporánea.
Como sus fuentes de inspiración -Hércules y Sansón, entre otros-, lo que habían creado era un ser mítico, que desde las páginas de una revista pasó a convertirse en un ícono a nivel mundial y en el origen de un nuevo género. El de los superhéroes, una forma de mitología moderna, un fenómeno sociocultural y un tremendo negocio para la industria editorial.
Desde entonces nunca ha dejado de estar presente en las revistas de comics. Y como dibujo animado, serial para el cine (en los 50), películas de largometraje (en los 50, los 70 y el 2006), series de TV (en los 50, el 88, el 93 y el 2001) y hasta una comedia musical en los 60 (“It’s a bird, it’s a plane, it’s Superman”).
Aquellos que crecieron viendo los cómics que dibujaba Curt Swan (y que llegaban a Chile vía la vieja Editorial Novaro) o disfrutaron de la puesta al día que le dio John Byrne, los aportes de Alan Moore (como la bella historia “¿Qué ocurrió con el hombre del mañana?”) o el arte de Alex Ross, saben que el manido personaje ha tenido sus momentos. Como en el cine, con la insuperable “Superman 2” luchando cuerpo a cuerpo con el mejor súper villano de todos los tiempos, encarnado en Terence Stamp. Por lo que el intento de Bryan Singer de hacer un compacto sincrético de su larga leyenda en la más reciente película para el cine, puede ser visto como un sentido homenaje al que por tantas décadas ha sido el héroe de millones. La encarnación de las fantasías de cambiar una existencia común y corriente por aventuras ilimitadas y que entre menos parece un extraterrestre y más un ser humano, se hace más interesante.

MI DISCO IDEAL

2006-06-14T12:15:00.000-04:00

Entrevista aparecida en el suplemento "Wikén" de El Mercurio el viernes 2 de junio. La sección semanal es sobre las canciones que formarían el disco ideal del entrevistado. Yo ofrecí hacerlas sólo con canciones de películas, para reforzar la idea de mi programa en la Horizonte que es sólo de música de películas. Esta versión tiene algunas palabras más que la que salió publicada, debido a la edición. El espacio es muy corto, así que se hace más difícil aún justificar preferencias tan subjetivas...Y claro, hay varias más que me habría gustado poner:

Mi Disco Ideal: Daniel Olave

El periodista acaba de estrenar un programa en la radio Horizonte: Zoom, dedicado al cine. Y en su disco ideal sólo hay canciones de películas.

1) “(I’ll love you) Till the end of the world”/ Nick Cave, del soundtrack de “Until The End Of The World”. El film de Wenders, es malito, pero su banda sonora –completa- es alucinante. Mi disco favorito. Y este tema en especial transporta y emociona.

2) “This is one from the heart”/ Tom Waits y Cristal Gayle, del soundtrack de “One from the heart”. Romántica, lúcida, realista y mágica a la vez. "Golpe al corazón", la película maldita de Coppola tiene unas canciones desgarradas, como la voz de Waits.

3).- "City girl" / Kevin Shields, soundtrack de 'Lost in translation' (2003)."La de 'Perdidos en Tokio', podría ser la banda sonora de la década. El ex líder de 'My Bloody Valentine' entrega imágenes melancólicas. Provoca nostalgia de lo que nunca tuvimos".

4.- "Modern boy" / David Bowie, soundtrack de 'Moulin rouge' (2002)."Todo el disco, como la película, revisa la música pop con una mirada lúdica y vibrante. Un goce. Casi ningún tema sobra.".

5.- "Be-Bop-a-Lula" / Gene Vincent & the Blue Caps, soundtrack de "Wild at heart" (1990)."Como todas las bandas sonoras de David Lynch, la de 'Corazón salvaje' es ecléctica y perturbadora. Aquí rescata al chico malo del rock".

http://www.lamusica.emol.com/tiempolibre/musica/segundos/_portada/player/player.asp?media=rtsp://stream.emol.cl:554/2006/6/nickcave.rm

http://www.lamusica.emol.com/tiempolibre/musica/segundos/_portada/player/player.asp?media=rtsp://stream.emol.cl:554/2006/6/tomwaits.rm

Escuche "City girl", de Kevin Shields

http://www.lamusica.emol.com/tiempolibre/musica/segundos/_portada/player/player.asp?media=rtsp://stream.emol.cl:554/2006/6/bowie.rm

http://www.lamusica.emol.com/tiempolibre/musica/segundos/_portada/player/player.asp?media=rtsp://stream.emol.cl:554/2006/6/bebop.rm

ENTRE BORGES Y COELHO

2006-05-05T01:21:00.000-04:00

Hasta el 8 de mayos se realiza en la capital trasandina la 32ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, donde largas filas de personas esperan para poder recorrer el enorme recinto que alberga la tradicional exposición literaria. Aunque estudios digan que en Argentina se está leyendo menos. Y aunque el autor de “El Aleph” pelee los primeros puestos con el brasileño amigo de Cecilia Bolocco.

Daniel Olave/ Buenos Aires

La Rural, un espacio similar a lo que era la FISA, es el lugar donde se realiza la 32ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires y donde la fila para ingresar en el primer fin de semana es larguísima aunque avanza con bastante fluidez. El público colma la calle varias cuadras prácticamente hasta la avenida Santa Fe, en su mayoría familias y con gran presencia de niños.

Con el slogan “Los libros hacen historia”, se realiza esta versión del encuentro cultural más grande de Sudamérica, que se lleva a cabo en la capital argentina entre el 20 de abril y hasta el 8 de mayo. En más de 360 mil metros cuadrados y varios pabellones se encuentran los más de mil 400 expositores, una verdadero laberinto de libros donde la sobreoferta llega a ser apuballante. La rutina suele ser más o menos la misma, darse una vuelta, ojear más o menos rápido, donde la multitud lo permite y continuar el recorrido fugaz, para luego detenerse y revisar algún título.

El primer fin de semana de feria, el público por excelencia eran niños, para quienes hay una serie de stands y múltiple oferta de actividades. Aunque claro, hay para todos los gustos. Un mismo día, se suceden charlas y/o firma de libros de autores top tan diversos como Hanif Kureishi, Laura Esquivel o Tomás Eloy Martínez. En total, durante lo que dure el evento, habrá más de 1.300 actos, 5 cursos, 4 ciclos, además de videoconferencias, una maratón de lectura, un festival de poesía y numerosos actos con invitados locales y extranjeros (entre ellos, Alejandro Jodorowski, Maitena, Rosa Montero, Jorge Edwards, Arturo Pérez Reverte, Enrique Vilas Mata, Marcelo Birmajer, Ricardo Piglia). Números que superan ampliamente los del año pasado y que hablan del dinamismo de la industria cultural trasandina.

Claro, para los que se quejan de que nuestra Feria de la Estación Mapocho es siempre más de lo mismo, la de Buenos Aires parece una realidad paralela. Apoteósica. Aunque siempre encontrará algún argentino que diga lo mismo de la suya, y se lamente por la poca renovación.

Pero la verdad es que la cantidad de librerías, el precio de los libros y la oferta que hay permanentemente en Buenos Aires hace la delicia de los bibliófilos locales que suelen arrancarse al otro lado de la cordillera para darse un banquete y que incluso para estas fechas se van de turismo literario.

En todo caso, en Argentina hay estudios recientes que dicen que casi el 30% de los argentinos ni leyó ningún libro en los últimos 6 meses. Que el 54,1% lee menos que hace diez años atrás, que el 13% lee lo mismo que en 1996 y que sólo un 32,2 % lee más. Y si bien nueve de cada diez personas dice tener libros en su casa, el 47,2% no ha comprado un solo volumen en los últimos seis meses.

Más de 8 de casi diez personas de las que dicen no leer, argumentan que no lo hacen por falta de tiempo. Y como en todas partes se cuecen habas, uno de cada diez dice que leería más si los libros fueran más baratos. Ya los quisiéramos ver en Chile.

QUE LEEN LOS ARGENTINOS

Al igual que en Chile, las mujeres leen más que los hombres, y también resultan más entusiastas los lectores menores de 24 años y los mayores de 50 años. Pero, ¿qué leen los argentinos?
Los más leídos: Borges y Coelho. Así de contradictorio o complementario, según se quiera.
Los autores locales preferidos en orden de preferencia: Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato y Julio Cortázar. Los mismos que hace décadas, lo que habla de la bien ganada reputación de clásicos de estos monumentos literarios, pero devela la poca renovación o la poca capacidad de los autores más nuevos de conquistar mayoritariamente al lector nacional.

Los autores extranjeros de mayor preferencia por parte de los lectores argentinos son: Gabriel García Márquez, Paulo Coelho y Pablo Neruda. Y más adelante se entrecruzan nombres que van desde Benedetti a Edgar Allan Poe, pasando por Agatha Christie y Mario Vargas Llosa. Y si bien, lo de Neruda es un dato significativo, no deja de llamar la atención que el Premio Nobel chileno también aparezca muchas veces nombrado en las preferencias de autores argentinos.

Y bueno, esas cosas pasan. El famoso dibujante satírico Roberto Fontanarrosa, cuenta con mucho humor, que ya está experto en dibujar los monos de otros colegas cada vez que se sienta a firmar libros y se llena de fans que luego de hacer la fila le extienden una hoja en blanco y le piden con entusiasmo que por favor, les dibuje una Mafalda.

HISTORIAS ADOLESCENTES EN MEDIO DE LA NADA

2006-05-01T23:46:00.000-04:00

FOTO: Escena de "Glue"

Esto escribí para el Diario Siete el lunes 24 de abril, llegando desde Buenos Aires tras una pasada por el BAFICI, lo posteo tarde, pero aquí queda:

En medio de la vorágine de un festival con más de 300 títulos en 13 días, donde es imposible verlo todo y menos sacar conclusiones (salvo que hay vida más allá de Hollywood), aventuramos una pequeña selección de cierta temática común: cine sobre jóvenes y su angustia existencial. No es nuevo, pero se hace recurrente.

La abismante oferta de películas que ofrecía el 8° Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), cuya clausura fue la noche del sábado, hace difícil poder constatar alguna temática común entre los más de 300 títulos que poblaron las casi mil agotadoras funciones realizadas en los 13 días que duró este importante encuentro cinéfilo.

Ayer domingo continuaba la exhibición de films en el enorme complejo de Hoyts Abasto, cuartel general de este evento que es pura entropía y que este año convocó a 234.200 espectadores, un 27% más que el año pasado. Entre organizadores, periodistas, críticos, realizadores, productores e invitados en general, estaba el público que repleta la sala hasta de la película con menos información previa. Jóvenes la mayoría, que hacen malabares para poder ver tal o cual título entre la marea abrumadora de estrenos.

Y son los jóvenes precisamente, quizás, el mayor nexo que se puede apreciar en algunas de las muchas películas (insisto, demasiadas para generalizar o aventurar grandes teorías), ya que en cintas muy diferentes de origen aún más diverso, se alcanza a apreciar cierta sintonía común, una brisa al menos, que huele a espíritu adolescente.

Ya sea de Oriente o Europa, incluso de Argentina y por qué no, de Chile, las películas que muestran jóvenes flotando en la nada, a la deriva en un mundo hostil y ajeno y que parecen solo motivarse –a veces, y no por mucho tiempo- por el sexo o la droga, son un pequeño núcleo que se pudo advertir en el Bafici. No por nada, quizás, la representante chilena en el Selección Oficial, sea una ópera prima sobre un grupo de jóvenes confundidos, sexo y drogas (“La sagrada familia”).

A eso se suma que la gran ganadora de este octavo capítulo del Bafici sea la argentina “Glue”. Si bien el documental “En el hoyo”, del mexicano Juan Carlos Rulfo (hijo del famoso escritor), ganó la competencia internacional, la cinta del realizador Alexis Dos Santos (34 años) obtuvo el premio en el rubro local.

“GLUE”, que tiene como subtítulo: “Historia adolescente en medio de la nada” es una historia sobre un adolescente llamado Lucas (Nahuel Pérez), hijo de una familia disfuncional que pasa el verano en un pueblo casi desierto con unos amigos, con los que tiene una banda de rock. Dos chicos y una chica, besos con lengua, calor y angustia existencial

“LINDA LINDA LINDA“ de Nobuhiro Yamashita: Tres chicas japonesas y una coreana forman una banda de rock en su colegio para competir en un festival musical. Actitud y templanza juvenil oriental en una típica, pero encantadora, historia de crecimiento. El título en español del film, es por la canción que interpretan: cover del hit de la legendaria banda de punk japonés, The Blue Hearts.

“LE DOUX AMOUR DES HOMMES”, de Jean Paul Civeyrac. Un joven a aspirante a escritor algo perdido en la vida, va de cama en cama, hasta que se enamora de la que no debe: chica guapa, drogadicta y que se muere de repente dejándolo sumido en una aún más profunda duda existencial.

“LA PERRERA”, de Manuel Nieto. El asistente de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll (los de “25 Watts” y “Whisky”), cuenta la historia de David, un joven uruguayo que no logra encontrar su lugar en el mundo. Para eso busca edificar su casa con sus propias manos. Verano, sol, y las cosas que no avanzan.

“BLACK BRUSH”, de Roland Vranik. Desde hungría llega otra visión de la juventud desperanzada vida de un grupo de adolescentes ociosos y drogos en plan de comedia que se limita a presentar los acontecimientos en un tono eso sí, algo alucinógeno.

“LOVE & HAPINESS”, de Kristina Humle. ¿Adivinen qué? Más angustia existencial juvenil, esta vez producto de vivir en un pueblo sueco de 5 mil habitantes y tener a la madre muerta. Minna ya sufre los rigores de la adultez, pero aún no puede disfrutar sus beneficios.

“EROTIC CHAOS BOYS”, de Choi Jin-Sung. Un joven cineasta coreano enamorado de una documentalista japonesa y sus tribulaciones. Hecho con un costo irrisorio y en plan diario de vida sobre las dificultades del amor.

“LO MAS BONITO Y MIS MEJORES AÑOS”, de Martín Boulocq. Una ópera prima sobre un triángulo post adolescente y urbano en Cochabamba. Y según los programadores tiene algo de Dogma “y tanto sentimiento como modernidad”.

SOBREDOSIS DE BAFICI

Más de mil funciones, 300 títulos, 13 días, 40 secciones, 234 mil 200 espectadores y un agote para todo el que haya querido tratar de ver todo lo que valía la pena ver. Secciones enteras dedicadas sólo a Rossellini, Jan Svankmajer, junto a lo ultimo de Lars Von Trier y Terry Gilliam por ejemplo. Y todo el cine que aún está por descubrirse. El Bafici trata de estar a la vanguardia. Y muchas veces lo consigue.

Funciones agotadas y largas filas que hicieron reclamar a algunos. También se echaba de menos más instancias de encuentro con algunos de los invitados célebres.

Otra tendencia que se confirma. El documental la lleva. Además de ganar el de Juan Carlos Rulfo, hubo gran cantidad de material de excepción. Y a ratos, daba la sensación que había más y mejores documentales, que cintas de ficción.

KILTRO

2006-04-25T12:53:00.000-04:00

Una de las características que trae consigo la mayor cantidad de producciones locales, es que se amplía la oferta, aumentando la variedad temática, estilística y de género. Poco tienen que ver entre sí, películas como “Fuga” y “La sagrada familia”. Y menos aún, entre ambas y “Kiltro”, el tercer estreno nacional en lo que va del año.

Publicitada como la primera película de artes marciales hecha en Chile, está película se entronca en un subgénero que mezcla la acción y la aventura, con códigos súper reconocibles entre los cultores de este tipo de películas. Historias que giran en torno a algún héroe que logra vencer un desafío –que se supone de tipo filosófico interior- , pero que suele ser a punta de patadas y contra un malo bien malo.

Markos Zaror, experto en artes marciales, con un par de películas en el cuerpo (“Chinango”) y una experiencia hollywoodense como doble de riesgo de La Roca, es el gran motor de este proyecto, dirigido por el debutante Ernesto Díaz. Zaror interpreta a Zamir, un joven de origen árabe, obsesionado con Kim (Caterina Jadresic), una chica de padre coreano, y que viven en barrio de Patronato, reconocido como un lugar donde hay una gran cantidad de personas de ambas colonias. Con este elemento, “realista”, se arma una historia del todo extemporánea a cualquier realidad reconocible en nuestro país, y que está sacada a modo de pastiche de múltiples historias relacionadas al género al que pertenece la película.

La chica es hija de un maestro de artes marciales que enseña en su propia academia, y que se ve envuelto en una violenta venganza que arrastra a Kim y por ende, también a su enamorado. Así comienzan a sucederse las escenas de combate, bien coreografiadas y que no desmerecen en su estilo. El personaje enfrenta la supuesta evolución de peleador callejero a un luchador reflexivo, en el camino conquistará el corazón de su enamorada y vivirá un proceso que le hará conocer su origen.

Todos esto elementos responden a los clichés de este tipo de película, que logran aparecer como exóticas en el panorama fílmico local, y que evade cualquier otra pretensión que cumplir con los códigos pre establecidos, y no decepcionar en cuanto a la factura y visualidad de las escenas de combate. Su correcta ejecución técnica es el fuerte, en un tipo de película que no suele destacar ni en las actuaciones ni en la historia. Ni el héroe, la chica (Jadresic) ni el antagonista (Migel Angel de Luca), son actores, y eso se nota. La participación de actores reconocidos en papeles de apoyo (Ximena Rivas, Luis Alarcón, Alejandro Castillo) intenta darle mayor credibilidad y un toque más local, pero finalmente los hace verse algo fuera de lugar entre asesinos tipo ninja y un enano suerte de remedo del maestro Yoda.

Aunque hay elementos de humor, y en algún momento la película intentara reírse de sí misma, prevalece un tono seudo trascendente que hace más patente su excentricidad. Un producto tan legítimo como cualquier otro, pero dirigido a un público que conoce y acepta las convenciones de un género que se funda en el trazo grueso y la patada certera.

KILTRO. Chile, 2006. Dirección Ernesto Díaz. Elenco: Marko Zaror (Zamir), Caterina Jadresic(Kim), Luis Alarcón (Farah), Migel Angel de Luca (Max Kalba), Ximena Rivas (Sara), Alejandro Castillo (Soto), Daniela Lhorente (Romina), Man Soo Yoon (Terán), Roberto Avendaño (Nik Nak), Pablo Cerda (Max Kalba joven)
Calificación: Mayores de 14 años

MARKO ZAROR: “ME ACUERDO CUANDO IBA AL CENTRO, A LAS FUNCIONES DOBLES DE PELÍCULAS DE BRUCE LEE. ERA FANÁTICO Y SALÍA TIRANDO PATADAS”.

2006-04-25T12:35:00.000-04:00

En un enorme galpón abandonado que fuera antes una fábrica textil, un solo hombre se enfrenta a golpes con cientos de luchadores vestidos de negro. Esta es una de las imágenes de la película Kiltro, el tercer estreno del año y que inaugura un nuevo capítulo en la historia del cine chileno: es la primera película de acción y artes marciales que se filma en nuestro país.
Marko Zaror, de 27 años, es el protagonista y productor de este proyecto, un sueño largamente acariciado y que se gestó de forma inconsciente cuando vivía en Chile e iba a ver películas de Jackie Chan y Jean Claude Van Damme. “Me acuerdo cuando iba al centro, a las funciones dobles de películas de Bruce Lee. Era fanático y salía tirando patadas”. Con Boris Quercia (“Sexo con amor”) de coproductor, cerca de un millón de dólares de presupuesto, actores como Luis Alarcón, Alejandro Castillo, Ximena Rivas y una gran cantidad de extras chilenos con experiencia en artes marciales, Zaror usó su experiencia en México y Hollywood para sacar adelante la primera cinta de combos y patadas voladoras que se haya hecho por estos lados.
-¿Cómo terminaste haciendo una película de artes marciales?
-“Kiltro es el proyecto que yo siempre quise hacer incluso antes de salir de Chile. Traer el género a mi país y hacer una película de artes marciales en Chile. Las artes marciales yo las practiqué desde chico (su madre era instructora). Primero me fui a México de vacaciones, pero se me fueron dando las oportunidades de a poco. Televisa me ofreció una beca para estudiar actuación, y yo después de hacerlo, y aunque lo encontré interesante, no era lo que yo quería, o sea, mi idea era todo relacionado con las artes marciales".
-¿Cómo fuiste entrando al mundo del cine?
- “En México me ofrecieron hacer algunas películas de acción donde hice papeles secundarios y me dando cuenta que era posible este cuento. Ahí me dije: me la voy a jugar de verdad y me voy a ir a Los Angeles. Mande unos demos y me llamaron.. Lo primero que hice fue un video de tipo Taebo, enseñar gimnasia con artes marciales, y esa cuestión me salvo por un tiempo. Después trabajé con Roger Corman en una película que se llama Hard as Nails, ahí era el guardaespaldas del malo. No tenía ni un diálogo, pero tenía unas escenas de pelea y yo estaba fascinado. Eso me sirvió como demo. Después hice juegos de computador, me pusieron de esas cosas que capturan movimientos y después lo ocupan para juegos interactivos”.
-¿Y en qué momento entraste a las ligas mayores?
- “Bueno, en ese momento me llamaron de nuevo de México, donde hice Chinango que fue una película que coproducí y todo. Y ya con esa película y lo demás, como que ya tenía un currículum más formado y empecé a mandarlo para postular a proyectos que se estaban produciendo. Ahí conseguí otro papel en un drama que se llama Entre llamas, y bueno, de repente estaba entrenando en un gimnasio donde entrenan todos los acróbatas y la gente que esta metida en el medio de acción, la gente de Jackie Chan, los que hicieron Matrix, los Power Rangers, Las Tortugas Ninja. Todo el mundo entrenaba ahí, en muy buena onda, y de repente me ofrecieron el trabajo de doble. Ahí fue cuando se me acerco Andy Cheng, que es el brazo derecho de Jackie Chan y que ahora se independizó y esta haciendo sus propias películas, para que trabajáramos en el filme con la Roca (Fuego en el Amazonas). Eso fue como un seminario de lo que es el cine con artes marciales. Porque una cosa es hacer artes marciales y otra saber hacer películas”.
-¿Y por qué te viniste a Chile?
-“Como después de ese trabajo me alcanzo un poquito de presupuesto, abrimos una compañía. Hicimos unas películas de bajo presupuesto en México, de clase B, directo al video, y eso me dio la credibilidad y la confianza de poder venirnos a Chile. Me dije: “ahora sí, hagamos el proyecto que siempre quisimos”. Nos asociamos con Ernesto Díaz, que es el director también chileno y con Derek Rundell , que es la parte americana, con quien abrimos la productora Mandrill Films en Estados Unidos.
- ¿De qué trata Kiltro?
- “Esta película es primero un romance, un gran drama. Una película de venganza y con escenas de acción y artes marciales que no se han hecho nunca en Chile. Hicimos un casting al que llegaron más de 300 personas, artistas marciales de todo chile y yo elegí e hice un equipo de 20 personas que es el equipo de stunts, y con ellos yo trabajé por meses, de lunes a viernes, 4 horas al día”.
- ¿Qué papel encarnas tú? ¿Dónde transcurre la acción?
- “Yo soy Zamir, un joven de origen árabe que se enamora de una chica que es hija de árabe y coreana. Esto ocurre en Patronato donde se ve esta mezcla de culturas que lo hace súper interesante. Y por eso también las artes marciales porque hay que hacer una historia que esté basada en algo real, para que la gente se pueda conectar con la historia. Patronato era el lugar más indicado, porque esta la comunidad coreana, los árabes, y los coreanos, el tae kwon do, las artes marciales, por ahí se conectan todos los temas. Es súper importante eso. Que yo como artista marcial pueda expresarme como tal a través de la película, pero también que este incluida la cultura de mi país”.
- ¿Hay el rollo filosófico de las artes marciales en el filme?
- “Sí, el personaje tiene una evolución a lo largo de la película. El comienza como un pandillero, un tipo peleador y a lo largo de la historia, con las cosas que le pasan, él evoluciona y sigue el camino de las artes marciales más espiritual y al final queda claro que la violencia no es el camino”.
- Después de matar a cien tipos y patear a todo el mundo...
- Ja, ja. Claro...

ZOOM EN HORIZONTE

2006-04-24T12:47:00.000-04:00

Desde la semana pasada tengo un nuevo programa en radio Horizonte. Se llama "Zoom". Y va todos los martes de 20 a 21 horas. Hay muy buena música, en la onda de la radio, pero además música de película, canciones de bandas sonoras elegidas con pinzas o relacionadas con los temas del espacio.
La idea es hablar de cine. Con estrenos, noticias, adelantos, recuerdos, entrevistas. Pero no desde una perspectiva "de la industria" o muy "cinéfila", sino partiendo de la base que el cine es un fenómeno masivo, que está metido en nuestra cotidaneidad y que impregna nuestra memoria colectiva.
la invitación está hecha.
Se pueden conectar a la radio acá:
www.horizonte.cl
El dibujo es una caricatura para el sitio web de la radio. A todos los conductores los ponen en esta suerte de mezvla entre mono de playmobil y South Park. Lo peor de todo, es que parece que hasta me favorece el mono...será po.

LA SAGRADA FAMILIA

2006-04-13T13:31:00.000-04:00

Durante tres días, el feriado de Semana Santa, una familia se dispone a pasarlo juntos en su casa en la playa. Además del padre, la madre y el hijo, está la novia del chico, a la que esperan con cierta ansiedad, ya que es la primera vez que sus progenitores la conocerán.
Con esta simple premisa y el contexto de una fecha cargada de simbolismo en una sociedad que se dice católica, pero llena de contradicciones, el director Sebastián Campos ha realizado su primera película, que se estrena en la misma fecha en que está situada la acción, después de un recorrido por varios festivales –nacionales y extranjeros- donde ha logrado premios y una importante presencia.
Cinta modesta en su producción y pretensiones, destaca por su formato libre y de apuesta a la improvisación, donde más allá de las ideas, se la juega por el trabajo actoral y la fuerza interpretativa de un elenco que logra momentos cargados de verdad.
El hijo (Néstor Cantillana) tiene cuentas pendientes con su padre (Sergio Hernández), un destacado arquitecto, al que el joven parece achacar muchas de sus frustraciones por sentirse disminuido ante su éxito y su personalidad. La madre (Coca Guazzini) cumple el rol de la típica madre abnegada que por una parte parece preocupada de sus propios asuntos y no alcanza a dimensionar el desastre inminente, pero que lucha por mantener a flote una familia que, como suele pasar, vive más de las apariencias que de la realidad.
La llegada de la joven (Patricia Lopez), marca el inicio de un conflicto que develará las grietas en la estructura familiar. Su desenfado, su abierta sensualidad y el uso de las drogas, creará un clima donde florecerán surgirán los desencuentros, las dudas, las confusiones y las crisis que se arrastran en ese núcleo, desembocarán en actos que tienen mucho de condenación y a la vez de esperanza.
La presencia de otros personajes, como la misteriosa chica con voto de silencio (Macarena Teke) y dos amigos que también sufrirán las consecuencias de las pasiones desatadas durante el calvario de ese fin de semana, completan el panorama de esta historia íntima, que a la vez tiene mucho de metáfora del Chile actual.
La apuesta de realización de Campos y su equipo, toma cuerpo gracias al compromiso de los actores en un arriesgado ejercicio donde las conversaciones surgen espontáneas y llenas de fuerza, alcanzando momentos cargados de ternura (la relación entre los personajes de Cantillana y Teke) y otros de un realismo sorprendente y muy verdaderos (el speech de Coca Guazzini en la mesa).
A pesar de trabajar con ciertos tópicos que pueden caer en los clichés (la familia que no es lo que aparenta, el simbolismo cristológico), la película sale airosa en su apuesta, precisamente debido a la fórmula elegida para su puesta en escena. Las ideas que rondan, y que tiene que ver con situaciones altamente reconocibles en una gran cantidad de familias chilenas, propias de una sociedad que muta y se debate en la contradicción con sus valores tradicionales, son expuestas desde el interior de los personajes-actores, que buscan en sus propios referentes y experiencias.
La ausencia de guión, el uso de la improvisación, los diálogos espontáneos, el pie forzado de una convivencia real, intensa, con un rodaje en orden cronológico, sin pausa, donde los actores nunca abandonan a sus personajes, da como resultado una experiencia a ratos alucinante, muy potente y que sin duda aporta con frescura al panorama cinematográfico actual.

LA SAGRADA FAMILIA. Chile, 2005. Dirección: Sebastián Campos. Elenco: Néstor Cantillana, Patricia López, Sergio Hernández, Coca Guazzini, Macarena Teke, Juan Pablo Miranda, Mauricio Diocares.

“AL CINE CHILENO LE HACÍA FALTA SIMPATÍA POR EL DEMONIO”

2006-04-10T23:47:00.000-04:00

El realizador de "La sagrada familia", el segundo estreno chileno del año, cita a Mick Jagger para explicar las intenciones de su película, la que define como una “travesura” en un ambiente de demasiadas buenas intenciones. La historia de un fin de semana de sexo, drogas y conflictos familiares en Semana Santa, que se estrenará justamente en esa fecha.

Sebastián Campos es de familia católica, pero él no lo es. Como muchos chilenos, su infancia se remite a una serie de códigos que tienen que ver con un país que se declara mayoritariamente católico. Pero, como se ha revelado en encuestas recientes, es un católico alejado de los dogmas, que por ejemplo, no condena las relaciones prematrimoniales y que muchas veces acepta el aborto.

Es más para ellos que está dirigida su primer largometraje, “La sagrada familia”, la historia de los conflictos que le ocurren a un grupo de personajes durante un fin de semana santo y que se estrenará precisamente el próximo jueves, en medio del tradicional feriado religioso.

No es la intención escandalizar a nadie. Aunque el film trate de drogas, presente un triángulo entre un joven, su novia y el padre del muchacho, y que en una de sus subtramas muestre escenas de sexo hetero y homosexual, que más de algún periodista impresionable ha descrito como explícitas.

“Lo que yo sentía es que al cine chileno, citando a Mick Jagger, le hacía falta simpatía por el demonio”, dice Campos. “Un mayor nivel de rebeldía. Sentí que había demasiadas buenas intenciones. Me parecía que hacía falta una cierta energía desafiante, si se quiere. Por otro lado “La sagrada familia” es una especie de recolección de temas delicados, puntudos, que se abordan en un contexto de un feriado santo, y uno no se puede hacer el leso con eso... pero hay algo como de travesura, no lo veo como algo tan grave”.

La película se hizo sin guión. Sólo una docena de páginas que describían la historia. El equipo y los actores se fueron a una casa en la playa, y filmaron de corrido, sin parar, durante todo un fin de semana, en el tiempo real que ocurre la historia, dando pie a la improvisación.

“Este proyecto es como mi solución natural en términos de mi forma de hacer las cosas. Yo tenia muy claro que quería hacer un largo de cierta manera, primero tenia la forma y no el tema. Y cuando me contaron la anécdota central de la película padre-hijo-novia, que es una historia real, ahí me di cuenta que podía construir el universo alrededor de esa anécdota para hacer la película como yo quería”.

¿Cual es esa manera o solución que encontraste?

“Es una mezcla entre las limitaciones y las posibilidades. Tu defines tus limitaciones y al mismo tiempo eso te da un marco de posibilidades. Yo hice un corto que se llama “Carga vital” y ahí trabajé con la improvisación”.

¿La clave entonces seria la improvisación?

“Es una mezcla entre guiones cortos, en los que esta solamente descrita la estructura narrativa y que en general son historias bastante clásicas y simples. Pero donde no esta especificado ni el diálogo ni el detalle de las cosas. Y un rodaje que es el espacio en el que se da la posibilidad de improvisar y donde aparezca lo azaroso. La verdadera escritura se da ya con imagen y sonido. Hay que confiar que en el rodaje ocurrirán algunos pequeños milagros o situaciones que serán la materia prima de la película. Pero la verdadera narrativa está en el montaje, y por eso lo hago yo mismo”.

Sobre la temática misma de la película, Campos insiste en que no hay ninguna intención de provocar por provocar. “Creo que la película se sostiene más allá de eso, no creo que necesite de eso. Cuando la hemos mostrado afuera en países donde no hay el imperio de la moral católica que hay acá, la película funciona perfectamente y es universal”.

“Lo que “La sagrada familia” tiene es el comentario sobre las cosas, una cierta densidad moral”, asegura el realizador. “Para mucha gente, ver la película resulta una experiencia a ratos desafiante en un sentido moral. Tienes que estar tomando posiciones morales frente a todo y la película tiene demasiado contradicciones en sí misma, en términos de lo que ocurre y de los personajes. En ese sentido, situada en el contexto de Semana Santa, al contar los temas que se tocan puede sonar mucho más una bomba de lo que realmente es. Lo que me gusta de la película es tiene una cierta ternura y momentos muy luminosos”.

“TODO FUE BASTANTE REAL”

Protagonizada por Néstor Cantillana, Patricia López, Sergio Hernández, Coca Guazzini, Macarena Teke, Juan Pablo Miranda y Mauricio Diocares, la película alcanza momentos de mucha verdad y gran realismo, en gran parte debido a la forma de su realización.

“Comenzamos a filmar un viernes y terminamos un domingo”, explica su director. “Empezamos por el principio y terminamos por el final. Los personajes se preparaban su propia comida. No había un afuera del set. Quisimos construir esa familia lo más de carne y hueso posible. El mismo hecho de no poder parar de actuar hace que rápidamente el límite entre persona o personaje se vuelva difuso. Papá dormía con mamá, gay con gay, el hijo con la novia. Todos aceptamos jugar ese juego en pos de estar preparados para vivir la experiencia como algo real”.

¿Y la escena del éxtasis por ejemplo...ya te lo habrán preguntado?

“Me lo han preguntado y yo siempre digo: “Mira, en la película todo fue bastante real...”

FUGA

2006-04-03T14:19:00.000-04:00

El año pasado, para el cine chileno, fue de películas pequeñas. Muchas llevaban años tratando de terminarse, realizadas en digital, con origen televisivo o de trabajo académico. No hablamos de calidad, sino de recursos...y resultados. Una taquilla baja, poco interés o conexión con el público.

En cambio, el 2006 se viene en grande. Mucha película de “alto”presupuesto para los estándares chilenos. En 35 mmm. De gran producción. Cine de género: comedia (“El rey de los huevones”), terror (“Caleuche”), artes marciales (“Kiltro”) y hasta un film con viaje espacial incluido (“Chile puede”). Con figuras extranjeras. Hay más plata y ambiciones en estos proyectos.

“Fuga” abre los fuegos con una producción de cerca de 1 millón 200 mil dólares, con un elenco estelar, una gran campaña comunicacional y una alta expectativa mediática. Para ser la primera película de un joven director, Pablo Larraín (29), viene con la potencia y el anhelo de un sector que necesita reponerse de la mala temporada anterior.

Y el material está a la altura. “Fuga” tiene imágenes potentes y momentos notables. Un elenco llamativo con una actuación descollante de Alfredo Castro y dos protagonistas talentosos y atractivos (en el amplio sentido de la palabra): Benjamín Vicuña, como Eliseo Montalbán y Gastón Pauls, como Ricardo Coppa. Vicuña se entrega por entero para personificar un individuo complejo, un joven genio maldito de la música que enloquece por sus obsesiones y tragedias del pasado.

Hay un guión trabajado, que está al servicio de una búsqueda visual, de poner imágenes en la pantalla que tengan fuerza y sentido. Un trabajo de excepción en la ecuación música e imágenes y un trabajo que consagra -si alguien no lo tenía claro- a Joan Littin (“Machuca”) como un director de fotografía brillante, que consolida un trabajo ya de primera calidad. Larraín trabaja diversos temas, como la obsesión, los instintos autodestructivos tras la creación, la locura; e incursiona en territorios difíciles que han sido pasto de clichés en muchas películas (los locos, el manicomio). Y sale bien parado.

A un inicio algo lento, donde no siempre es fácil enganchar con el conflicto principal la: caída del joven genio, cuyo exceso de gravedad le quita fuerza a la historia, le sigue una segunda parte –la vida en el sanatorio- que despega y crece gracias a la presencia cautivante de Alfredo Castro como Claudio, el homosexual delirante que se roba la cinta y le imprime un humor que le otorga ricos matices.

La sensación general es que tamaña empresa a ratos parece demasiado calculada. Que para ser una historia sobre la pasión y el desborde, está muy controlada, debido a una trama y una estructura compleja. Seguir atento el devenir del guión y la apuesta formal, resta identificación con los personajes y sus avatares. Quizás por eso, los momentos que rompen esa rigidez, como el arranque de Claudio (Castro) insultando a Montalbán o la inolvidable escena de la discusión entre un pescador (Luis Dubo) y Coppa, son tan inspiradas como verdaderas. Unos de esos grandes momentos del que se va armando el imaginario del cine chileno.

FUGA. 2006, Chile. Director: Pablo Larraín. Elenco: Benjamín Vicuña, Gastón Pauls, Alfredo Castro, Francisca Imboden, María Izquierdo, Willy Semler, Alejandro Trejo, Paulina Urrutia, Mateo Iribarren, Marcial Tagle, Luis Dubó.
Mayores de 14 años.

MARA TIENE 4

2006-03-27T15:42:00.000-04:00

Y está más grande. Más rica. Más despierta...
Te amo, hija. Te veías tan contenta jugando, corriendo y bailando con tus amigos.
En esos momentos, nada más importa.

ENFRENTANDO LOS PREJUICIOS

2006-03-21T23:33:00.000-04:00

Foto:
Pablo Larraín, Joan Littin (dir. de fotografía), Gastón Pauls, Benjamín Vicuña.
Crédito: FABULA PROD.

PABLO LARRAIN, DIRECTOR DE "FUGA"
Hijo del senador de la UDI, debuta en el cine con el que será también el primer estreno nacional del año. Protagonizado por Benjamín Vicuña y Gastón Pauls, la película es un drama sobre la música, y la creación como algo oscuro y doloroso.

Resulta curioso, pero Pablo Larraín (29), director de “Fuga”, primera película chilena del año tiene más de algo en común con Nicolás López, el joven realizador de “Promedio rojo”. Aunque el primero estrenará el 30 de marzo una drama ambientado en el mundo de la música docta y el segundo prepara una comedia de súper héroes, ambos tienen entre sus referentes que los hizo convertirse en cineastas la película “Volver al futuro”.

Claro, después vendría el descubrimiento del cine alemán, de los delirios de Werner Herzog, específicamente y el impulso de no seguir la tradición familiar de estudiar leyes. Pero los típicos prejuicios chilenos no asocian a un director que hace una tragedia sobre la pasión y la locura, en un contexto de música clásica y el Teatro Municipal, con películas de adolescentes que viajan por el tiempo.

Pablo Larraín es hijo del senador de la UDI, Hernán Larraín, y sabe de prejuicios. “Lo que más molesta personalmente, es que tu de entrada eres momio. Y yo, la verdad, es que no lo soy. Es un estigma, pero al final uno aprende a tener cuero de chancho y esas cosas te dan lo mismo”, dice.

“Hay que enfrentarse a los prejuicios, pero pasa que uno termina concentrándose en el trabajo”, agrega. “Te das cuenta que todo es completamente realizable, que los prejuicios existen pero a la hora de hacerse realidad, son bastante menores”.

- Siendo Larraín, e hijo de una figura política de derecha, un prejuicio sería pensar que eso te puede ayudar a encontrar inversionistas, pero te puede cerrar puertas en el mundo de la cultura...
- Esa huevada es un prejuicio enorme. La película cuenta con un equipo de artistas bastante interesante, y es súper transversal. Yo descubrí que un buen contacto te puede ayudar en muchas cosas. Pero de ahí en adelante no sirve de nada. Porque un buen contacto te permite llegar a ciertos lugares, pero eso no te garantiza que vas a obtener el resultado que quieres”.

Larraín también estudió periodismo, trabajó de fotógrafo, fue asistente de Miguel Littin en “Tierra del Fuego” y recorrió Europa como asistente de un fotógrafo italiano. Trabajó en un programa de documentales en ABTV y desde hace 3 años se dedica duro a la publicidad.

-¿De dónde salió el tema? ¿Esa pasión por la música que hay en la película es por que tú eres un melómano?
- “Entre melómano y frustrado, de haber sido músico yo. Uno mete en los personajes, frustraciones, ambiciones, rollos. De alguna manera la idea fue conectar la música estéticamente no solamente desde lo sonoro. Y por otro lado, está la idea de conectar la música como un elemento narrativo, como un objeto de deseo, en este caso. Y en tercer lugar, conectar la música con un espacio de creación, pero la creación como un lugar oscuro, doloroso”.

“Comencé a escribir un guión y después trabajé con Mateo Iribarren , lo presentamos al Fondart, y lo ganamos, después obtuvimos el apoyo de Ibermedia, y le presenté el proyecto a mis hermanos. Nos demoramos 2 años en conseguir la plata”, cuenta el realizador. “De repente pasó, era real. El cine tiene eso, partí solo, muy solo, y de repente se va sumando gente y más gente”.

-A propósito de tus hermanos. Ellos son abogados, ¿cómo entraron en el proyecto?
- “Hernán es abogado de la Escuela de Gobierno de la Universidad Adolfo Ibáñez y Juan, abogado pero no ejerce, y es empresario, tiene restaurantes como el Opera Catedral, y tenía experiencia en producción. Pero más que nada se interesaron en la aventura de hacer esto, y también les gustaba el guión. Tuve la suerte de hacer un guión que convocara gente. Y digo suerte, porque resultó ser un tema que produjo atracción por lo menos al realizarlo –ya veremos si produce a la hora verlo-, pero sí al hacerlo, porque la gente se calentaba”.

LA MINISTRA EN PANTALLA

Protagonizada por Benjamín Vicuña y el argentino Gastón Pauls (“Nueve reinas”), también tiene en su elenco a Alfredo Castro, Francisca Imboden, Héctor Noguera, María Izquierdo, Willy Semler, Alejandro Trejo, Luis Dubbó, Mateo Iribarren y Paulina Urrutia, quien ha tenido pequeños roles en filmes como “Johnny cien pesos” (y su ya clásico “Le cortó tóa la mano a mi papi”), “Cachimba” y “Play”.

La ahora ministra de Cultura está excelente como parte de un grupo de músicos decadentes, y en un momento del film, aparece “jalando” cocaína, en una escena ya ha llamado la atención de más de alguien.

“Cuando salió la nómina de ministros, la película ya estaba en el laboratorio”, dice Larraín. “Yo estudié periodismo y sé que hay una noticia allí, evidentemente. Algo va a pasar, pero no sé qué”.

“Lo único que hay que decir sobre esto, por lo menos de mi parte, es que la considero una gran artista, que además sea una gran política, maravilloso. Pero ella es un actriz de tremenda trayectoria y está actuando. No he hablado con ella del tema, pero hay una sola forma de afrontarlo: es un trabajo profesional”.

MUTANTE DE MENTE

2006-03-17T21:40:00.000-04:00

Uno de los cineastas más originales e inquietantes, vuelve a la pantalla con “Una historia de violencia”, a estrenarse el 16 de marzo, una de las mejores películas del último tiempo y casi ignorada para los Oscar. Encasillado como director de films de horror, lo suyo es el escudriñar las zonas oscuras de la mente, el alma y el cuerpo humano.

Para David Cronenberg, todos somos mutantes. La especia humana parece estar en constante transformación o quizás, degeneración, a causa de una serie de estímulos y contextos que afligen al hombre contemporáneo. El sexo y la violencia, la corrupción del cuerpo como somatización de la degradación espiritual o la enajenación mental, han sido algunos de los motivos que han inspirado su cine.

Por eso se ha convertido en un cineasta de culto. Encasillado como director de films de horror, lo suyo va más por escudriñar las zonas más oscuras de la mente, el alma y el cuerpo humano. Claro, que a veces lo haya hecho en películas donde a los protagonistas le estallan las cabezas o se metamorfosean en insecto, ha contribuido a su fama de maestro del cine fantástico.

Pero los horrores que le interesan a Cronenberg son más profundos. Y la mayoría de las veces, vienen desde el interior de nosotros mismos. En su más reciente película, estrenada con éxito en el pasado Festival de Cannes, el realizador de “Scanners” y “La mosca”, vuelve a dejar de lado el cine fantástico para contarnos “Una historia de violencia”, que se estrena el jueves 16 de marzo.

Quizás una de las mejores películas del año pasado, merecía estar en la nómina de mejor película y mejor director, pero claro, no es sorpresa que haya sido ninguneada por los Oscar (sólo postula a guión adaptado y actor de reparto por William Hurt). El film eEstá protagonizado por Viggo Mortensen (“El señor de los anillos”), quien encarna al dueño de una fuente de soda de un pequeño pueblo que parece tener una vida de los más integrada y tranquila. Todo hasta que un par criminales entra a su local y pon en riesgo a lo suyos. Entonces, este padre de familia empujado por el instinto de la defensa propia, elimina diestramente a los dos tipos.

Esto lo convierte en una suerte de héroe de la comunidad y rápidamente en una celebridad no sólo local. Y ahí empiezan los problemas de verdad, porque esta notoriedad trae de vuelta un pasado que no quiere revivir. La cinta, en que también actúan Maria Bello y Ed Harris, está basada en un comic de John Wagner y Vince Locke.

"Detrás del tema principal del robo que acaba en heroica defensa, hay cosas inquietantes. Es un "thriller" interesante porque tiene mucho de atípico. Admite diferentes lecturas, y la trama principal es sólo una de ellas", ha dicho Cronenberg.

SEXO Y VIOLENCIA
De origen canadiense, Croneberg pasó de la bioquímica al la literatura y de ahí al cine, comenzando en la realización de cortos que ya develaban sus intereses y obsesiones. La fantasía, las mutaciones, el sexo y la violencia, además de una postura no muy optimista que digamos sobre la condición humana, marcaron desde el inicio la temática de sus trabajos.

Tras sus dos primeros largometrajes, “Shivers” y “Rabia”, que tenían en común el tema del contagio biológico de pulsiones básicas, con un tono de película de terror de cine B y con la ya habitual mezcla de sexo y sangre, Cronenberg realizó su primera gran película “El engendro del diablo” (“The brood”, 1979), donde una mujer somatiza su rabia en pequeñas criaturas que asesinan a quienes la rodean.

La escena final, donde se ve como gesta a uno de estos seres desde una placenta adherida a su piel y corta con sus dientes un remedio de cordón umbilical, y que remata con el estrangulamiento de la mujer enloquecida a manos de su ex marido, es de antología. Más aún si se tiene el antecedente que el director la filmó como terapia para su propio divorcio. “Es mi guión más autobiográfico, su escritura fue muy compulsiva y es mi versión personal de “Kramer vs Kramer”, aunque mucho más realista”, ha comentado su realizador.

Luego vendría la consagración internacional con “Scanners” (1980), uno de sus mayores éxitos, seguida de dos de sus películas más inquietantes. “Videodrome” (1982), con James Wood como un ejecutivo de televisión que se ve envuelto en una asfixiante trama de películas snuff y realidad virtual. Y “La zona muerta” (1983), adaptación de una novela de Stepehen Kina, con Christopher Walken –excelente- como un hombre con la maldición de predecir el futuro.

En 1986 entra al establishment hollywoodense con un film por encargo de Mel Brooks: un remake del clásico de terror de los años 50, “La mosca”, que Cronenberg supo hacer suyo y convertir en una metáfora del envejecimiento a través de la historia de un científico y su paulatina transformación en insecto. Esta película fue su mayor éxito de taquilla, ganó un Oscar por el. Pero Cronenberg seguía fiel a sus obsesiones y rechazó la secuela así como había rechazado varios proyectos ofrecidos no muy afines a sus intereses (dentro del anecdotario figura desde “El regreso del Jedi” a “Alien IV”, pasando por “Top gun”, “Testigo en peligro”, “Flashdance, “El Vengador del futuro”, “Un detective suelto en Hollywood” y una versión de Frankenstein).

SALVAJE Y COMPASIVO
Fue entonces que tras un par de años de muchos problemas y varios intentos, logró realizar la que sería su obra maestra. “Mortalmente parecidos” (“Dead ringers”, 1988), con Jeremy Irons en el doble papel de los gemelos Beverly y Elliot Mantle. Basada en un caso real, contaba la historia de estos dos hermanos ginecólogos, obsesionados con el sexo desde pequeños pero de personalidades muy distintas, y que al enamorarse de una misma mujer hacen estallar los conflictos que han arrastrado toda su vida.

Posteriormente, ha continuado explorando con perseverancia aquellos rincones oscuros que nadie más desea ver. Algunas veces con más éxito que otras. Pero consecuente con su línea artística de experimentación. Haciendo adaptaciones de obras inadaptables como “El almuerzo desnudo”, de William Burroghs (1991) o “Crash” (1996), de Ballard. Y aunque en el último tiempo sus películas no han tenido gran repercusión y ni siquiera se han estrenado en Chile (como “eXistenZ” y “Spider”), “Una historia de violencia” lo vuelve al sitial que le corresponde, con su mayor logro desde “Mortalmente parecidos”.

“Hay una belleza verdadera en lo que algunos consideran repulsivo”, ha dicho Cronenberg, en una suerte de declaración de principios. “Es mi forma de verlo, y a veces se me hace difícil expresarlo. Por encima de todo, quiero ser honesto (...) Yo no me mantengo firme ante ninguna regla o principio, tomo las cosas tal y como van llegando”.

Admirado por muchos de sus colegas, entre ellos John Carpenter que ha dicho que Cronenberg es mejor que toda su generación de cineastas junta, incluso ha actuado en pequeños roles para otros directores que son parte de su fan club, como Clive Barker y John Landis.

Martin Scorsese, nada menos, ha dicho de él: “Las mejores películas de Cronenberg aún conservan la capacidad de causar una especie de shock cultural jungiano, como las de Buñuel, o las obras de Francis Bacon. Son ingeniosas y traumáticas, salvajes y compasivas. Dentro de un género que mucha gente considera limitado, él ha sabido florecer con una visión genuinamente original: metáforas internas y horror externo. Pienso mucho sobre sus películas. Y desearía no hacerlo”. Somos dos.

OBSESIONES FUTURAS
A punto de cumplir 63 David Cronenberg está más activo que nunca, y tiene varios proyectos en carpeta. Su próxima película parece ser "Eastern Promises", un thriller ambientado en Londres, sobre una joven mujer casada que inicia una investigación acerca de una misteriosa chica rusa, que falleció al dar a luz en vísperas de la Navidad en el lugar donde trabaja como enfermera. Las cosas se tornarán trágicas cuando descubra la conexión entre la muchacha y una mafia que trafica mujeres para utilizarlas como esclavas sexuales.

Además, el realizador tiene en carpeta "Maps to the Stars", sobre la vida de una joven estrella de la televisión estadounidense, que es adicto a la heroína y "London Fields" una postergada adaptación del libro de Martin Amis.

Esta historia se centra en la promiscua vida una joven, quien presiente que puede ser asesinada por uno de los hombres que conoció en un bar londinense; por ello decide humillar a ambos, haciéndolos caer en una red de auto-destrucción.

En el camino quedó otro proyecto que trabajó algún tiempo: el thriller de ciencia-ficción "Painkillers", que narraba una historia futurista sobre un detective que debía salvar a la humanidad, sumergida en un mundo donde la cirugía es la nueva forma de sexo y el dolor, un placer prohibido. Sonaba bien.

SE NOS FUE JACK WILD

2006-03-06T14:58:00.000-03:00

Quizás algunos ni lo recuerden.
Era el chico con cara de pillo de "Oliver!", y fue incluso nominado al Oscar por su papel en la versión musical de la obra de Dickens.
Ahí aparecía con su compadre Mark Lester (el rubio) otro que fue estrella adolescente y nunca más se supo. Ambos trabjaron en esa cinta de culto con música de los Bee Gees que es "Melody", por la que tantas veces me han preguntado. Sé de gente que ha buscado una copia por cielo, mar y tierra.
Jack también fue el protagonista de "La flauta mágica", serue freak de culto para niños con personas disfrazadas de muñecos conocida como "Pufnstuf". Esa del dragón cabezón que vivía en una isla mágica y una bruja los perseguía. Es muuy vieja.
Que más. Jack estuvo en una versión del "Flautista de Hamelin" , y poco más hizo. A lo más estuvo por ahí en un papel chico en "Robin Hood", la de Kevin Costner. De adulto casi no actuó, debido a una de esas típicas vidas de exceso y copete que caga a tantos actores. El año pasado dijo en una entrevista a la BBC: ""What I learned very quickly was that my lifestyle had made me a walking time bomb. I was a heavy smoker and an even heavier drinker and apparently together they are a deadly mixture."
Falleció la semana pasada de un cáncer a la boca. Vaya el recuerdo entonces...

MONOS EN CELO

2006-02-22T23:42:00.000-03:00

Mujeres exuberantes y potentes ejemplares masculinos, delineados por el magistral uso del aerógrafo, hacen fantasear a millones de seguidores del Noveno Arte. De vocación intransigentemente contestataria, los autores del cómic erótico defienden sus trazos y se oponen a la tijera y a la censura. Aquí proponemos una pequeña guía para no perderse en este laberinto de viñetas rebosantes de sensualidad.

Aunque para muchos sigue siendo cosa de niños, hace rato ya que la historieta ganó la mayoría de edad, entregando a la posteridad grandes obras de destacados maestros. Aun así, el mal llamado “cómic para adultos” suele ser identificado en forma simplista con pura pornografía, cuando entre sus diversas manifestaciones incluye desde el género policial al histórico, pasando por la ciencia ficción, el cómic de autor, el experimental, las adaptaciones literarias y un sinfín de expresiones creativas.

El erotismo, omnipresente en todas las artes, no podía quedar fuera del cómic. Y es que el cómic erótico existe y tiene a su haber artistas y trabajos importantes, alejados de la poco creativa pornografía, entendida como aquellas historietas sin contenido o audacia formal, que -al igual que su bastarda parienta cinematográfica-, se dedican solamente a la exhibición de miembros erectos, vulvas hambrientas y coitos constantes sin ninguna justificación narrativa.

Mujeres exuberantes y potentes ejemplares masculinos han desfilado en los cuadritos de múltiples historietas, llenándolas de sensualidad, pero, a la vez, de un aporte a la madurez del llamado Noveno Arte. Ya en los años ‘40, cuando la aventura comenzó a proliferar en el trabajo editorial, aparecieron gallardos galanes y audaces heroínas que sugerían la vieja e inevitable atracción entre los sexos. Pero el férreo control impuesto por los syndicates (las empresas que distribuían las historietas en los periódicos) mantenía a Eros a raya. A lo más se insinuaban curvas turgentes bajo los trapos selváticos o los ropajes futuristas. Jane, la compañera de Tarzán, o Dale Arden, la pareja de Flash Gordon, eran las bellas en peligro que los héroes debían rescatar, pero también podían aparecer como mujeres de armas tomar, que luchaban por sus hombres. Claro que en algunos países, debido a la férrea fiscalización de la moral a cargo de gobiernos opresivos, estas voluptuosas chicas de las historietas eran censuradas y simple y llanamente, se les “borraban” –literalmente- las curvas, para dejarlas planas y castas.

BARBARELLA Y VALENTINA

No fue hasta los años ’60, gracias a los vientos renovadores de la contracultura, la revolución sexual y los aires libertarios que recorrieron la sociedad entera, que el cómic también se destapó. Fue el tiempo en que recién el cómic era tomado en serio y se veía como un arte incipiente del gusto del público adulto. Uno de los primeros en demostrarlo fue el francés Jean Claude Forrest, el autor de la ya mítica “Barbarella”.

Heroína feminista intergaláctica (encarnada en el cine por Jane Fonda), Barbarella vivía peligrosas aventuras en el espacio a la vez que desprejuiciadas odiseas sexuales con los más diversos y extraños personajes. Inspirada en Briggite Bardot, fue “una puesta al día de la ingenua libertina, de Colette”, al decir del destacado especialista Roman Gubern, “con su desenvuelta y desinhibida sexualidad fruto de una candorosa moral más allá del bien y el mal, acorde con las propuestas mitológicas del arquetipo femme-enfant en la cultura de masas”.

La vanguardia del cómic europeo, donde primero se consolidó la idea de autor, dio cabida a grandes guionistas y dibujantes, como el español Enric Sió con “Mara” y el italiano Guido Crepax y su creación “Valentona”. Según el cineasta Carlos Saura, gran seguidor del trabajo de Enric Sió, “Mara es la plasmación de algo soñado donde un erotismo sadomasoquista campea respetuosamente sobre el limpio diseño y las tenebrosas oscuridades”.

En el libro “Guido Crepax”, suerte de autobiografía del autor francés, se describe así a su magnético personaje: “La encarnación de Louise Brooks, la soñadora masoquista, la fotógrafa dominante, la exhibicionista romántica, la bellísima andrógena, la dulce muchacha con el culo más bello del mundo (como “Justine”). La incomparable Valentina había nacido”.

En Estados Unidos, al calor del movimiento contracultural, avalado a la vez por el surgimiento del Pop Art, surgió un importante movimiento de cómic desprejuiciado, adulto y alejado de las grandes empresas editoriales. Su máximo exponente es el genial Robert Crumb, autor de vocación intransigentemente contestataria, y el creador de todo un símbolo de la lucha contra la hipocresía de su sociedad: “El Gato Fritz”. Felino jaranero, promiscuo y vividor, Fritz vivía aventuras urbanas cargadas de sexo, drogas y alcohol. El gato y sus demás personajes, además de una serie de divertidas y corrosivas historias -muchas de carácter autobiográfico- ilustraron con un estilo satírico y grotesco el fetichismo, las fantasías y frustraciones sexuales de toda una generación.

UNDERGROUND

Cobijados en un principio en el mismo movimiento marginal, surgieron otros dibujantes que se inclinaron por el género de la fantasía heroica, con héroes llenos de músculos y testosterona y heroínas de una sexualidad exagerada que vivían desencantadas aventuras en mundos lejanos y exóticos. Con poca ropa y espada en mano, los caracteres de Fran Frazetta y Richard Corben, por ejemplo, dieron origen a un vasto imaginario que mezclaba el erotismo y la épica. En especial Corben, que con una técnica que privilegiaba el volumen a través del magistral uso del aerógrafo se ha impuesto como todo un maestro, lo que se puede apreciar en sus mejores obras llenas de mutantes, en especial la serie de Den.

Gaetano Liberatore, creador del personaje Ranxerox, describe así los personajes femeninos dibujados por su colega Corben: “Sus mujeres jamás son figuras de diosas abstractas... Son muy reales y encarnan el deseo más primario de todo hombre con sangre en las venas”.

Como explica Dennis Wepman en “Richard V. Corben y el Arte de la Fantasía” (“Historia de los Cómics”, Toutain Ed.), “su obra siempre ha mostrado la figura humana de una forma franca y voluptuosa, pero Corben nunca ha sido pornógrafo; en 1981, cuando le preguntaron si creía que su obra era erótica, se puso pensativo y contestó que “puede que sensual”.

Dentro del auge del manga o cómic japonés, se encuentra una serie de artistas que hacen un magistral uso del sexo para la realización de historietas de diversos géneros. Autores como Wataru Watanabe, Shiyoji Tomo, Kaori Asano y otros muchos, han podido dar cuenta de una irónica libertad en un medio algo restrictivo. Con la única salvedad de no mostrar genitales, hay millones de páginas con las escenas de sexo más duro en las que un espacio en blanco o, al revés, una franja oscura, tapan lo justo y necesario. En enero un juez nipón, invocando un artículo del Código Penal, sentenció a un año de cárcel al editor de una publicación de manga, aduciendo que estas ilustraciones producen influencias nocivas para la moral sexual.

En Europa, son muchos los que han hecho del erotismo uno de los temas clave de su trabajo, llegando a experimentar en zonas más límites del género: el sadomasoquismo, la homosexualidad y el sexo duro. Es el caso de los italianos Eleuteri Serpieri y su saga de ciencia ficción “Druuna”, o Tanino Liberatore y su héroe cyberpunk “Ranxerox”, un androide en que la brutalidad es característica, ya sea en la violencia o el sexo. En Francia, se puede encontrar desde las rotundas mujeres del picaresco Georges Pichard, hasta el sexo como arma intelectual que desarrolló Gerard Lauzier en sus obras llenas de cinismo y desvelamiento social.

En Estados Unidos, la refrescante sexualidad de “Little Annie Fany”, de Harvey Kutzman, convertida en un clásico de Playboy, o los experimentos límites de Howard Chaykin en “Black Kiss”, mezcla de sexo explícito, aventura policial y vampirismo, son dos exponentes del cómic erótico contemporáneo.

Dos de los más destacados artistas del cómic erótico se pueden encontrar a ambos lados del Atlántico. Sacando la cara por el continente sudamericano está el sin par Horacio Altuna, dibujante de mujeres perfectas en su sensualidad y de historias llenas de humor y situaciones donde la libertad sexual y el absurdo van de la mano. Es autor, en conjunto con el guionista Carlos Trillo, de historietas de gran calidad y contenido, donde el humor y el erotismo son una herramienta más de una lograda crítica social, desencantada y certera, como se puede apreciar en “El Loco Chávez” y “El Último Recreo”, entre otras. En el plano intrínsecamente erótico, Altuna tiene un serie de relatos cortos realizados para la revista Playboy y compilados en un par de libros con su lúbrica batería de mujeres despampanantes, activas y desprejuiciadas.

¡CLIC!

Otro de los grandes exponentes del cómic erótico es italiano, y ha logrado componer un universo propio, rico en lecturas y expresividad, donde la aventura interior se mezcla con la exterior. Las protagonistas de sus historietas son casi siempre mujeres, bellas hasta la exasperación, de cuerpos perfectos, cargadas de una sexualidad explosiva y a veces fatalista. Como Claudia, que sólo puede expresar su arrebatador erotismo a través de un aparatito que controla a distancia sus impulsos en las cuatro partes de “¡Clic!”. O la inolvidable Miel, la protagonista de “El Perfume del Invisible” y otras historias, dueña de una sexualidad perturbadora, y que debe su nombre, como ella bien sabe demostrarlo, al peculiar sabor de su sexo.

“El erotismo alevoso, ornamental, juguetón, de Manara, tiene mucho de burla y nada de perversión, como un cuento del Decamerón o las exaltadas hazañas eróticas de Henry Miller”, escribió Juan Sasturain, eminente cómicólogo argentino. Y agrega sobre una de sus obras más exitosas y controvertidas, “¡Clic!”: “Una socarrona ironía recorre el relato lineal, aparatosamente explícito en su intención, disparatado en su mecanismo narrativo -el mágico aparatito- y mucho menos disparatado en su abierto e inteligente final. Reflexión jugosa, directa y divertida sin vueltas sobre la hipocresía y la represión sociales y los oscuros recovecos de la mente frente a la majestad del deseo”.

En el mismo texto, Sasturain agrega una reflexión que se hace extensiva a toda la obra de Manara, y de alguna manera, al cómic erótico en general: “Es claro que el objeto estético privilegiado de Manara, es el hermoso cuerpo femenino en celo, que la intención básica es la reivindicación soberana del deseo y sus derechos tan postergados (...) En ¡Clic! Hace una fiesta blanca con el cuerpo de Claudia, un espectáculo con su hermosa calentura. A su alrededor se escandalizan -nos escandalizamos- los verdaderos monstruos, la aparentemente saludable legión de voyeurs y perversos que conviven dentro de la historieta o vacilan en su lectura”.

EL ETERNO BURDEL DEL CINE CHILENO

2006-02-20T22:34:00.000-03:00

Prácticamente no hay película chilena donde no aparezca una prostituta. Desde “Julio Comienza en Julio” hasta "Padre nuestro”, de próximo estreno, las trabajadoras sexuales son protagonistas y una suerte de icono de nuestra cultura audiovisual. Striptiseras, topleteras, cabareteras, chicas de la calle, de saunas o casas de masaje, desfilan asiduamente en las cintas rodadas en nuestro país.

“¿Creí que esto es un paseo? Este es un trabajo como cualquier otro. ¡Y te vai a tener que esmerar por la chucha!...”
(María Izquierdo, “Leila”, en “La Fiebre del Loco”)

por Daniel Olave M.

En 1925 fue creado el primer organismo de censura cinematográfica en Chile bajo el gobierno de Arturo Alessandri, cuya misión era prohibir aquellas películas “contrarias a la moral, a las buenas costumbres y a la seguridad y tranquilidad del Estado”. Al año siguiente, cayó la primera película nacional bajo sus garras. En 1926, el Consejo de Censura se espantó al revisar “La última trasnochada”, el último trabajo de Pedro Sienna (el mismo de “El Húsar de la Muerte”).

En el film, Pablo (Sienna), el protagonista, es un hombre de buena familia dedicado a la bohemia. A pesar de estar enamorado, pierde a la joven por no poder dejar su vida licenciosa. Ella se casa con otro y Pablo cae aún más bajo. En una de las primeras escenas de la película, el protagonista estaba en un cabaret con una bailarina sentada en sus rodillas. Le quitaba a la chica uno de sus zapatos y lo usaba para beber champaña de él. Esa escena tuvo que ser cortada.

Bailarinas de cabaret, putas callejeras y marginales, stripstiseras, topleteras, copetineras, chicas de compañía, sauna o casa de masajes, prostitutas en general han existido siempre en el cine chileno. Y si uno se atiene a las películas de los últimos 30 años, pareciera ser el personaje más recurrente y representativo. Desde “Julio comienza en Julio” a "Padre nuestro", uno de los primeros estrenos del 2006, las trabajadoras sexuales son protagonistas y una suerte de icono de nuestra cultura audiovisual. Una imagen recurrente y que parece ineludible a la hora de mostrar la represión, el abuso de poder y el tan mentado doble estándar, la hipocresía nacional.

No deja de ser curioso que, en los filmes chilenos, la encarnación de la posibilidad de liberación sexual de sus personajes esté representada muchas veces por prostitutas. En un cine plagado de personajes reprimidos o frustrados, la vía de escape preferida e incluso la oportunidad de perder la virginidad, siguen siendo “las mujeres de la vida”. Ya sea en el caso de adolescente hijo de un dueño de fundo en Julio Comienza en Julio de 1976 o el joven de provincia que es llevado por su propio hermano a descartucharse con una profesional en Los Debutantes de casi tres décadas más tarde.

BURDEL, BOITE Y SAUNA

En “El roto”, de Alberto Daiber, estrenada el año pasado, un prostíbulo ocupa un rol principal en la historia. Según la adaptación de la novela de Joaquín Edwards Bello, en esta “casa de putas” típica del Santiago de la primera mitad del siglo pasado, vive la protagonista, Clorinda (María Izquierdo), viuda del hermano de la dueña del burdel, encarnado por la cantante Carmen Prieto. Además, una de las niñas del lugar, Patricia López, es el amor del hijo de la protagonista, en este drama sobre personajes marginales que luchan sin éxito para superar las desgracias de su condición.

En los tiempos del cine mudo, dos años después de la ya citada “La última trasnochada”, una nueva película fue pasto de la censura nacional. En “Vergüenza” de Juan Pérez Berrocal, un pionero del cine chileno con sede en la bullente capital cinematográfica de Antofagasta, el protagonista era un minero que se volvía loco por culpa de la sífilis que contraía en un prostíbulo. Para más remate, su noble esposa, al quedar abandonada, debía trabajar en un burdel para poder sobrevivir. La cinta finalmente fue aprobada, pero no sin la obligación de poner un cartel con la advertencia: “inconveniente para señoritas”.

El cine chileno de los años 40 y 50 con sus comedias ingenuas y populistas no registran este tipo de personajes, que reaparecen merced a los registros con intención realista de fines de los años 60, en trabajos como “Largo Viaje” (1967), de Patricio Kaulen o “Valparaíso Mi amor” (1969), de Aldo Francia.

Pero es en “Julio comienza en Julio” (1976), de Silvio Caiozzi, donde reaparecen en un rol protagónico. Esta es la historia de la poderosa familia de latifundistas los García del Castaño, donde Don Julio (Felipe Rabat) es el autoritario patrón de la comarca y que cuando su hijo Julito (Juan Cristóbal Meza) cumple los 15 años organiza una enorme fiesta donde la atracción principal son las meretrices del pueblo. Julito conoce y se enamora de María (Shlomit Baytelman), la más joven de las prostitutas, sólo para sufrir una dura lección sobre el orden impuesto por la clase a la que pertenece y que le deja claro que hay mujeres de las cuales gente como ellos no se pueden enamorar.

Estrenada en 1979, “Julio...” es prácticamente la única película estrenada en esa década. En los años siguientes tampoco hubo muchos estrenos, pero uno de los pocos y el más exitoso de los años 80 es “Como aman los chilenos”, de Alejo Alvarez. Estrenada en 1984, está basada en un best seller de Jorge Sasía y pretende, de modo torpe, ingenuo y con un estilo sacado del sketche, revelar la hipocresía nacional y las costumbres sexuales de nuestro país. Entre sus innumerables y ridículas secuencias, desfilan gran cantidad de prostitutas que rebelan el licencioso comportamiento del chileno medio.

"Sussi”, de Gonzalo Justiniano (1988) otro gran éxito de taquilla de esos días, también pretendía mostrar algunas características del ser nacional a través de la fábula de Azucena (Marcela Osorio), la ingenua y sensual niña de provincia que llegaba a Santiago en busca de una mejor vida y que terminaba siendo usada por los hombres, pasando de objeto sexual a símbolo nacional a través de una facistoide campaña del gobierno. Sussi encuentra trabajo en un cabaret entre sórdido y existencialista, que da inicio al recurrente escenario que estará en tantas películas chilenas: el cabaret o la boite, con copetineras y bailarinas semidesnudas.

Desde entonces son múltiples las películas donde aparece este tipo de lugar. Como en “¡Viva el novio!”, de Gerardo Cáceres (1990), en que Cristián García Huidobro encarna al Pelao Infante, que tras un escándalo el día de su matrimonio, comienza un pícaro deambular que, por supuesto, incluye el paso por uno de estos infaltables cabarets con sus amistosas acompañantes.

Al año siguiente, nuevamente García Huidobro es uno de los actores de una comedia, donde reaparecen las prostitutas como personajes protagónicos. En “Los Agentes de la KGB también se enamoran”, de Sebastián Alarcón, Sergei Gazarov es Misha, un inútil espía ruso que aterriza en una casa de masajes regentada por Gloria Munchmayer, y donde trabajan varias “niñas”, encarnadas entre otras, por Catalina Guerra y Elvira López. El protagonista se enamora de una de ellas, Paola (Luz Croxatto), que es una buena chica que se prostituye para pagar su departamento. Pareja de un tipo fresco y explotador (García Huidobro), ella será "salvada" por el amor del bonachón un agente ruso.

DE ORNELLA MUTTI A ANITA ALVARADO

Ya en los últimos años, el desfile de prostitutas se hace recurrente y prácticamente inevitable. Las hay en cintas tan disímiles como "Horcón" (2005), de Rodrigo Goncalez; “Hay algo allá afuera” (1990), de Pepe Maldonado ; “El Hombre que Imaginaba” (1998), de Claudio Sapiaín, con Aline Kuppenheim como una rubia prostituta intelectual o “Monos con Navaja” (2000), de Stanley, donde están encarnadas por las únicas mujeres del film, Berta Lasala y Carolina Fadic, como Josefina, que al ser encañonada por unos mafiosos susurra entre lágrimas una frase inolvidable: “Somos putas, pero somos buenas”.

En “Tierra del Fuego” (2000), de Miguel Littin, Ornella Mutti es Armenia, quien encabeza una troupe ambulante de prostitutas que llega a las tierras australes para divertir a colonos y aventureros. Al año siguiente, en “La fiebre del loco”, de Andrés Wood, una vez más aparecen las prostitutas ambulantes que llegan hasta los rincones del sur de Chile para ofrecer sus servicios entre los hombres de una caleta que vive días de abundancia.

El grupo, entre las que se encuentran Patricia López y Mariana Loyola tienen de líder a Leila (María Izquierdo), que se luce con algunos de los mejores textos del film (como el genial: “¡Y te vai a tener que esmerar por la chucha!”), incluyendo un monólogo donde analiza cínicamente las relaciones de pareja, para terminar reivindicando, a pesar de todo, el amor.

Las cortesanas desfilan, entre otras, en cintas como “Last Call”, de Christine Lucas, en la que el estadounidense Peter Coyote realiza una incursión nocturna en el mítico Nautilus, donde las chicas nadan desnudas al interior de unos acuarios. Y también aparecen en “Historias de Sexo”, “Coronación”, “Gringuito” (Alejandra Fosalba) “Paraíso B”, “Subterra” (Berta Lasala) y “Negocio redondo”, de Ricardo Carrasco, donde son personajes protagónicos. Parte importante de la acción transcurre en un prostíbulo, donde uno de los protagonistas, Luis Dubbó, tiene a su novia: Mariana Loyola.

Recientemente, Viviana Rodríguez encarnó a Gloria, una prostituta VIP en “Gente decente”, de Edgardo Viereck. El film gira en torno a Andrés (Luciano Cruz Coke), un abogado exitoso que en su despedida de soltero se enreda con Gloria, quien al ser asesinada, envuelve al protagonista en una turbia aventura criminal. Y en “Be-Happy”, de Gonzalo Justiniano, Cathy (Manuela Martelli), es una adolescente que sufre todo tipo de desgracias, y que finalmente, termina prostituyéndose en las calles de Valparaíso.

De entre las películas de los últimos años destaca “Los debutantes” (2003), de Andrés Waissbluth, cuya trama principal está ambientada en el sórdido mundo de la prostitución. La vida de los protagonistas, dos hermanos, se complica cuando visitan una boite donde baila Gracia (Antonella Ríos) la amante del regente del lugar. El espectáculo de la protagonista totalmente desnuda y sólo cubierta de espuma – además motivo central del afiche del film- se convirtió en un clásico automático del imaginario audiovisual.

Supuestamente inspirado en un show de verdad, se convirtió en un número ofrecido en varios locales santiaguinos y más de una trabajadora sexual se publicita en internet con fotos donde aparece desnuda con espuma, al igual que en la película. Además, en la cinta aparece actuando nada menos que Anita Alvarado, famosa por un pasado de prostitución en Japón y hasta vinculada en una investigación de trata de blancas. La “Geisha chilena” es Solange, la puta encargada de desvirgar a Víctor (Juan Pablo Miranda) en una breve escena donde hace gala de su diestro manejo en estos menesteres, poniéndole un condón con la boca al protagonista. Y de paso, se convirtió en la primera ex prostituta que encarna un personaje similar en la historia del cine chileno.

CHILE VS HOLLYWOOD

2006-02-12T22:42:00.000-03:00

Lucio Villegas, haciendo de químico en "Red dragon" (1945), un film de la serie de Charlie Chan.

Evelyn Ankers junto a Lon Chaney Jr., en una escena de la clásica cinta de horror "El hombre lobo".

Malú Gatica junto a Alex Nicol, en la película de espionaje "Target Unknow".

Leonor Varela con Wesley Snipes, su coprotagonista en "Blade 2".

Siempre será tema, el que modestos chilenitos terminen conquistando la capital del mundo del cine. Desde los tiempos de Malú Gatica, esa fantasía colectiva de poder llegar a la ciudad de los sueños, ha sido pasto de todo tipo de comentarios, alabanzas y, por supuesto, "chaqueteo". Faltaba más.

De Malú Gatica (que hizo tres películas en Estados Unidos) a Leonor Varela. De José Bohr a Cristián de la Fuente. Siempre ha habido algún pionero que desafiando la ley de las probabilidades, ha terminado consiguiendo una meta que para muchos, no es más que un sueño.

Han sido más de los que se piensa. Algo sé del tema. Me di la lata de trabajar un par de años en un libro sobre el tema (“Chile vs Hollywood”, 1997. Ed. Grijalbo, a le venta en las mejores librerías... aunque parece que ya no se encuentra). Las historias de Claudio Guzmán, Álvaro Arce o la del señor que dirigió la Profecía IV.

Como mi amigo Alexander Witt, que luego de años de ser el director de segunda unidad de películas más que top (“Máxima Velocidad”, “Twister”, “Gladiador”, “Daredevil” y “La Maldición de la Perla Negra” ...la lista es interminable, chequéenla en http://www.imdb.com), pudo dirigir su primer film: 2Resident Evil: Apocalipsis”, con Milla Jovovich.

En su última visita para adelantar detalles de “Caleuche” de Jorge Olguín, donde será productora ejecutiva Leonor Varela nos contaba de algunos de sus proyectos. Como la secuela de “Gol!”, donde hace de periodista y una cinta donde hará de esposa de John Leguizamo.

Pero de todas las historias insólitas sobre el tema, una que dscubrí (y que lamentablemente quedó fuera de mi libro) es la de Evelyn Ankers, de la cual poco o nada se sabía por aquí. Una descendiente de ingleses nacida en Valparaíso y que comenzó su carrera modelando, luego actuando en Inglaterra, para pasar más tarde a Hollywood, donde hizo más de 50 películas en los años 30 y 40's.

Fue una de las protagonistas de “El Hombre Lobo”, junto a Lon Chaney Jr. Hizo “El Hijo de Drácula”, “El Fantasma de Frankenstein”, “La Venganza del Hombre Invisible”. Actuó junto a Abbot y Costello, hizo filmes de Sherlock Holmes, otro de Tarzán y una serie de filmes de terror, aventuras y hasta westerns.

Es considerada una de las principales Scream Queen's, o sea una de las "reinas del grito", como se llama a las divas del cine clásico de horror. Fue novia de Glenn Ford y luego se casó con el actor Richard Denning (habitual de la serie “Hawai 5-0”). Se retiró junto a él a Hawai, donde murió de cáncer a mediados de los 80.

Casos como el de Mrs. Ankers, desconocidos para la mayoría del público, hay varios. Como José Bohr, famoso director de filmes como “Uno que ha sido Marino” y “El Gran Circo Chamorro”. Pero también fue protagonista de “Sombras de Gloria”, primer filme hecho en español en Hollywood, cuando la llegada del cine sonoro hizo a la industria filmar una misma película en varios idiomas. Él hizo varias allá y también tuvo un papel protagónico en “Rogue of the Rio Grande” (1930), junto a Myrna Loy.

Christina Montt, era una señorita de la sociedad chilena nacida en 1895, que emigró a Los Ángeles y se hizo amiga de grandes figuras de esos tiempos en Hollywood. Apareció en unos 10 filmes, entre 1924 y 1938, la mayoría en papelitos muy pequeños. Fue la Infanta de España en “The Sea Hawk”, de Frank Lloyd; hizo de "la señorita González" en “The Rose of the Golden West”, con Mary Astor; fue "Suzie" en “Madam X”, de Sam Wood y apareció en “Suez”, con Tyrone Power y Loretta Young.

Un caso parecido es el de Lucio Villegas, nacido en la ahora cinematográfica ciudad de Lota, el 25 de febrero, de 1883; y fallecido el 20 de julio de 1968, en Los Ángeles, Estados Unidos. Apareció en más de 40 películas hechas en Estados Unidos.

Al igual que Christina Montt, tuvo también roles breves (la mayoría no acreditados), en producciones en inglés, algunas tan famosas como “La Novia de Frankenstein”, de James Whale, protagonizada por Boris Karloff; “Solo los Ángeles tienen Ala”s, de Howard Hawks, protagonizada por Cary Grant; “La Marca del Zorro”, con Tyrone Power y en la comedia musical “The Devil on Horseback”, donde tenía un papel mucho más protagónico, un señor que aparece en los créditos como Del Campo, que no es otro que el chileno Francisco Flores del Campo, el mismo de”La Pérgola de las Flores”.

Ah, y el señor de la “Profecía IV” se llama Jorge Montesi. Este filme no tiene mucho que ver con la trilogía original, se hizo como telefilme, pero en Chile se dio en cine. Montesi ha hecho una larga carrera en Estados Unidos, dirigiendo sobre todo series de TV, como “Comando Especial”, “Highlander”, “Martes 13”, “Kung Fu: el Regreso”, “Policía de Nueva York”, “Relic Hunter”, “Andrómeda y “Mutant X”, entre muchas otras. También dirigió “Queen of Swords” (inédita en Chile), una serie tipo “El Zorro”, pero femenina, donde Paulina Gálvez (la misma de “Sub-Terra”) era la ayudante de la protagonista.

Y DALE CON LOS FANTASMAS

2006-02-07T23:47:00.000-03:00

Nadie puede. Acaban de poner en el sitio de "Terra" una galería con supuestas fotos de fantasmas. Todo bien, igual el tema es divertido. Pero dan por verdaderas un montón de fotos, de las cuales no vale la pena ponerse a averiguar si es verdad que fueron analizadas, etc. Es típico de los sitios de internet poner galerías con fotos de sucesos extraños, como extraterrestres, etc.

Pero lo que nadie puede, es seguir insistiendo con la historia del supuesto "fantasma" de la película "Tres hombres y un bebé". Aparte de vieja, la historia es archi conocida como uno de los inventos más chantas de historias de supuestos fantasmas. Bueno, hay que reconocer que en su momento hasta en "El Mercurio" picaron con el mito urbano.

Se hablaba, mínimo, de algo extraordinario e inexplicable. La imagen de un niño que nadie habría visto en el momento del rodaje, aparecía misteriosamente en una escena. Se echó a correr la leyenda de que era el hijo de los dueños de la casa arrendada para la filmación. Un niño que se habría suicidado. Y que los padres se dieron cuenta años después al ver la película (que no habían visto al tiempo de su estreno por que aparecía su casa y eso era muy doloroso) y bla bla bla...

Y en Terra en febrero del 2006, siguen poniendo la misma lesera. No hay salud. La película NO se filmó en ninguna casa ni nada. Fue en un estudio en Canadá. Y no hay nada sobrenatural, ni siquiera misterioso. Por favor. Simplemente se trata de un subplot de la trama que quedó fuera de la edición final. Según recordarán los que hayan visto la película, el personaje de Ted Danson era actor. En una parte de la historia (que después se sacó del montaje final), el hacía un comercial de comida para perros vestido de frac. Y es una figura de cartón con ese anuncio lo que tiene en su casa al lado de la ventana. Y eso es todo. Todo lo otro es cuento. Lo fantástico es la cantidad de gente que agarró papa y que tantos años después se siga con la misma lesera.

En las fotos aparece la típica imágen del supuesto "fantasma". Pero además hay otros fotos más de la secuencia descartada, donde se ve con detalle la figura de cartón de tamaño natural de Ted Danson en traje de etiqueta.

Para más detalles:
http://www.snopes.com/movies/films/3menbaby.htm
http://charlatanes.blogspot.com/2004/04/ocultistas-necios-nubes-lenticulares-y.html

Eso sería.

AMOR A LA MALA

2006-02-06T23:19:00.000-03:00

Si el cine nos dice cosas sobre nosotros mismos, ¿qué nos dice sobre nuestra vida sexual? El cine chileno da cuenta un erotismo oculto, oscuro, problemático, poco gozoso, ilegítimo y marginal. Siempre interesará a los realizadores y atraerá al público, pero lo que refleja de nosotros mismos deja mucho que desear.

"Amor a la mala: Sexo en el cine chileno" es el título del trabajo resultante de una idea que me ronda desde hace años. Pasó de artícul o periodístico a capítulo de un libro que nunca escribí y que derivó en este documental realizado en conjunto a Alfredo Silva y los amigos de Urbanart (www.urbanart.cl).

A través de más de una veintena de entrevistas a realizadores y actores, y una selección de escenas de diversas películas nacionales, este trabajo pretende dar cuenta de cómo el imaginario del audiovisual chileno ha abordado el tema del erotismo y la sexualidad.

No se trata de las anécdotas del rodaje, que se han vuelto un lugar común en los medios al tratar el tema (¿fue difícil rodar tal escena? ¿fue complicado desnudarse en tal otra?), sino de acercarse desde una perspectiva sociológica a las motivaciones detrás de una determinada forma de mostrar la sexualidad en las películas chilenas. Y si esto tiene o no, relación con la conducta erótica de nuestra sociedad.

Desde la mirada ingenua del romanticismo del cine mudo chileno hasta los años sesenta. La creciente aparición del tema en el cine de los últimos treinta años, terminando con el “boom” del último periodo, con hitos como "El chacotero sentomental" y las dos películas del año 2003 anunciadas como “eróticas” (“Sexo con Amor” y “Los Debutantes”), hasta la más reciente "En la cama".

Este documental pretende, por una parte, acercarse de una manera diferente al cine chileno, en especial al más reciente, y al trabajo de sus realizadores. Y además, a través de una temática de interés general, dar cuenta del creciente progreso del cine chileno actual y al mismo tiempo, propiciar la discusión de un tema que sigue siendo tabú en ciertos ámbitos de nuestra sociedad.

En el documental aparecen Marcela Osorio, Gloria Laso, Shlomit Baytelman, Leonor Varela, Lorene Prieto, Tamara Acosta, Mariana Loyola, Patricia López, Blanca Lewin, Antonella Ríos, Adela Secall, Manuela Martelli, Daniel Muñoz, Benjamín Vicuña, Néstor Cantillana, Boris Quercia, Cristián Galaz, Silvio Caiozzi, Gonzalo Justiniano, Ricardo Larraín, Andrés Wood, Pepe Maldonado, entre otros. Todos ellos hablan de sus películas, del erotismo en el cine nacional y de los rollos de los chilenos con el sexo.

Pronto. En algún cine por ahí.

LEBU FILM FESTIVAL

2006-02-06T14:27:00.000-03:00

Lebu. A dos horas de Conce. Ahí se realiza uno de los festivales de cines más locos del mundo. Sin duda. Más de mil personas dentro de una caverna natural viendo películas chilenas a la orilla del mar. La cagó. La experiencia es loquísima. Lebu es una localidad pequeña, minera, no tiene cine por supuesto. Así que es la gran oportunidad para la gente de ver películas chilenas del último año.
Me habían hablado del festival. Jorge Olguín, por ejemplo, que mostró "Sangre eterna" con murciélagos de verdad rondando. Todo se debe al esfuerzo y la locura de Claudia Pino, que es de allá, estudió cine y concretó un sueño creando este festival que va en su sexta versión y ya tiene carácter latinoamericano e invitados internacionales.
Claro, yo que ando con mala racha sufrí un robo bajándome del tren en Conce. En fin. Estoy chato con el tema, pero perdí muchas cosas. Pero gané otras también con el viaje. La gente: la raja. Eramos un lote en una cabaña junto al mar. Asados hasta tarde, buena conversa y hasta proyectos.
Bonita experiencia.
Grande Lebu.

FELIZ NAVIDAD Y AÑO NUEVO

2005-12-29T22:55:00.000-03:00

SE VIENE MARTIN

2005-12-26T12:50:00.000-03:00

MARTIN es un proyecto.
Ronda desde hace tiempo. Pero ahora, gracias a la colaboración de mi socia y el gentil auspicio del Fondo de Fomento Audiovisual, el guión se hará realidad.
Así es. Sacamos un Fondo para el desarrollo de un guión de largometraje de ficción.

La idea parece simple. Va más o menos así: Adaptar el clásico de Alberto Blest Gana, "Martín Rivas", que debe ser una de las obras de ficción más populares y más presentes en la memoria colectiva nacional, y ambientarlo en los años 80.

MARTIN es un joven del norte, que luego de perder a su padre, se viene a vivir a Santiago para estudiar Derecho y hacer poder sacar adelante a su familia. Corren mediados de los 80, y sus intenciones de dedicarse sólo a estudiar, se verán alteradas.
Primero, por conocer a Leonor, una joven estudiante de periodismo, hija de un viejo amigo de su padre que lo ayudó a entrar a la Universidad.
Y luego, por su amistad con Rafael, un joven algo mayor, que está metido en el movimiento estudiantil, y que terminará involucrando a Martín mucho más de lo que nunca imaginó.

Hay una adaptación que mantiene las ideas centrales de la novela. Me gusta la idea de que hay cosas que no han cambiado. Que existían en 1850, en 1985 y ahora también. El arribismo, las diferencias sociales, las dificultades de un amor entre clases sociales distintas (sí, claes sociales, que susto, todavía existen), la necesidad o inevitabilidad del compromiso, la adaptación, el idealismo. En fin.

Eso es. Hay mucho que hacer todavía.

MARTIN : "Hay cosas por las que vale la pena luchar"...

EL VERDADERO KING KONG

2005-12-19T13:32:00.000-03:00

Puede que el mito tenga algo de verdad. Quizás las leyendas de gorilas gigantes que inspiraron el mono más famoso del cine, tengan relación con un ser que midió casi 4 metros de lato y pesaba media tonelada. Se trata del Gigantophithecus, que convivió con los primero habitantes de la actual China hace casi un millón de años.

Aunque las primeras pruebas de su existencia datan de 1935 (cuando el paleontólogo holandés G.H. Von Koenigswald descubrió una muela amarillenta entre los “huesos del dragón” que se vendían en una farmacia de Hong Kong), hace poco se pudo determinar la fecha de los fósiles según informó el doctor Jack Rink, de la Universidad McMaster, de Ontario (Canadá).

"Era la pieza que faltaba en el puzzle, determinar que estos primates realmente coexistieron con humanos en una época en la que éstos estaban viviendo cambios gigantescos", dijo Rink. Los estudios revelan que el Gigantopithecus era un herbívoro, que consumía principalmente bambú. Su ciclo biológico era de entre 20 y 70 años y se habría extinguido hace 500 mil años.

Al probarse la existencia del Gigantopitehcus, han surgido diversas teorías que dice que estos enormes simios del sur de China serían la explicación de mitos como el Yeti (o “Abominable Hombre de las Nieves”) del Himalaya y –tras emigrar a América vía el estrecho de Bering-, también del Sasquatch o “Pie Grande”.

KING KONG

2005-12-19T13:29:00.000-03:00

KING KONG

El “King Kong” original es una de las grandes películas de todos los tiempos. Hacer un remake (después de la horrorosa versión de Dino De Laurentis), era una empresa arriesgada. En especial para un director como Peter Jackson que viene de hacer esa epopeya fantástica que consiguió fanatismos, éxito de taquilla, el aplauso de la crítica y premios Oscar a montones. Tras la trilogía de El Señor de los Anillos, parecía difícil lograr mantener el nivel. Y lo hace adaptando una obra mítica del cine fantástico, un icono del cine. Jackson se supera a sí mismo, realizando una película monumental en el amplio sentido de la palabra.

Jackson logra lo más difícil, mantener el halo de romanticismo y magia onírica del film original al que rinde tributo respetuosamente (este es la película que lo convirtió en cineasta), y hacerlo crecer en todas direcciones, profundizando los personajes, magnificando la historia y poniendo además toda la espectacularidad de la técnica actual, sin hacerle perder consistencia.

“King Kong” es un gigante. Un ejemplo de lo grandioso que puede ser el cine como aventura, como espectáculo, como pieza artística y de entretenimiento. No hay desperdicio en las tres horas que dura la saga. Jackson se toma su tiempo y espera más de una hora en hacer aparecer al gorila. Y no molesta. No aburre.

Manteniendo la línea argumental del film original (realizado en 1933 por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack), la cinta esytá ambientada en los años 30, en plena era la Depresión. La cinta abre con un fresco de la época, con la gente durmiendo en la calle y con la protagonista, Ann Darrow (Naomi Watts), como una actriz que queda cesante como una víctima más de la dura crisis económica. El azar hará que sea elegida por el megalómano cineasta Carl Denham (Jack Black) para protagonizar una delirante empresa cinematográfica. Mezcla de Merian C. Cooper y Orson Welles, Denham está obsesionado con ir a filmar a una misteriosa isla de la que tiene un mapa, y lo hace a pesar de la negativa del estudio.
El director aprovecha de desarrollar detenidamente a sus personajes, que incluyen además al guionista Jack Driscoll (Adrian Brody), otro participante forzado de esta aventura, que debe escribir un guión sobre la marcha. Al llegar a la isla Calavera, se toparán con un mundo perdido en el tiempo, donde son atacados por una fiera raza de aborígenes caníbales (en una de las secuencias terroríficas del film) y luego Ann raptada para ser ofrecida como víctima ritual al poderoso rey Kong.
Al igual que en film original, tanto el grupo de rescate como el propio simio, deben enfrentar a una serie de dinosaurios, en un derroche de efectos visuales que dejan a Jurassic Park como circo pobre. En este segundo tercio del film, la acción no tiene respiro, las secuencias son espectaculares, vibrantes y tiene emoción, en especial cuando comienza a desarrollarse la especial conexión entre Ann y Kong, ambos unos sobrevivientes.
La tercera parte, con Kong suelto en Maniatan, no pierde tensión, y aunque no hay la montaña rusa que logra en la isla (la secuencia de la estampida de brontosaurios llega a ser excesiva), tiene momentos poéticos (Kong y Ann en las aguas congeladas de la laguna de Central Park) y un clímax sencillamente sobrecogedor.
En las escenas de Kong siendo atacado sobre la cima del Empire State, el director hace gala de todo su talento al recrear una escena que forma parte del inconsciente colectivo, en un momento único. Y donde a pesar de tener en la pantalla solo elementos creados por computadora (Kong, los biplanos, Nueva York de los años 30), es capaz de mantener el suspenso, el dramatismo y la emoción en todo momento.
Peter Jackson ha realizado una obra maestra del cine espectáculo. Una poderosa pieza visual, inspiradísima, que trasciende más allá de sus referentes originales o de género, de su contexto comercial y de los elementos de marketing que nos tendrán saturados con tanto gorila. Y que lo sitúa a la cabeza de los grandes contadores de historias del cine actual.

KING KONG. Estados Unidos, 2005. Dir: Peter Jackson. Con: Naomi watts, Adrian Brody, Jack Black, Jamie Bell, Andy Serkis.

PAPA MONO

2005-12-19T13:11:00.000-03:00

King Kong, hoy resucitado en plan de titánica súper producción por Peter Jackson, es uno de los mitos más poderosos del cine. La bestia que rapta a la bella y huye por los rascacielos de Nueva York es uno de esos momentos epifánicos de la pantalla grande. Y aunque todos saben que el gorila gigante muere tirado en pleno Manhattan, está más vivo que nunca.

Son muchos los teóricos del cine que a lo largo de la historia del Séptimo Arte han destacado la analogía entre el cine y los sueños. Y el estudioso de la cultura de masas, Roman Gubern hace hincapié que de ahí que en la pantalla, como en la experiencia onírica, lo insólito, lo ilógico y la violación de las leyes naturales resulten perfectamente aceptables. Sólo por eso, “nadie cuestiona en una sala de cine la aberración zoológica llamada King Kong ni el que, entre millones de ventanas que hay en Nueva York, el gorila gigante acierte sin esfuerzo a localizar aquélla de la habitación en que se haya su amada”.

Y el crítico argentino Diego Curubeto en su libro “Cine Bizarro” dice que “la imagen de la diminuta Fay Wray siendo atrapada, desvestida y olfateada por el simio gigante es una de las más bizarras pasiones jamás imaginada: la idea del mono monstruoso enamorado de la rubia gigante es absolutamente absurda, pero evidentemente logró tocar algún resorte oculto en la mente de millones de espectadores, convirtiendo a King Kong en una de las películas más famosas de la historia del cine”.

Como sea. Aquella película de 1933, que hoy recrea fastuosamente Peter Jackson, como si hacer la trilogía de “El señor de los anillos” no fuera suficiente, es uno de los grandes iconos del cine mundial. Un clásico convertido en pedazo de cultura pop. En un mito que trasciende la pantalla y se posiciona en recónditos terrenos entre el sueño, el inconsciente y la memoria colectiva, provocando temor, excitación y otros múltiples estímulos sicológicos.

LA BESTIA SUELTA

Algo hay en la presencia de estos animales fascinantes, tan semejantes al ser humano. Antes de su descubrimiento (relativamente reciente para la zoología, en 1902), cundían los terribles relatos y las leyendas sobre un ser medio hombre y medio simio que raptaba mujeres en la profundidades de Africa. Y otros mitos orientales hablan de un mono gigante que habría dado origen a la historia de King Kong y que han resultado tener un origen científico (ver recuadro). Como sea, la fascinación y el temor del animal más parecido al hombre, están conectados a la idea del salvajismo que hace tan poco abandonamos (¿lo hicimos?), cuando definitivamente nos bajamos de los árboles y comenzamos a caminar erguidos hace unos cuantos millones de años.

El escritor cubano Guillermo Cabrera Infante dice que Kina Kong es “una de las películas más fascinantes, inolvidables y bellas de la historia del cine”, y que junto con el cuento de Edgar Allan Poe “Los crímenes de la calle Morgue”, es la “creadora del mito del animal poderoso y cercano al hombre que viene de la selva a poblar las pesadillas de una gran ciudad”.

Esas conexiones son las que debe haber tocado el film realizado en 1933 por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedesack, que en plena Gran Depresión hizo al público aterrorizarse y encantarse, en una aventura colosal, llena de acción y hoy inolvidable gracias a la criatura que cobró vida merced al genio de Willis O’Brien. Merian C. Cooper, era un documentalista que aprovechó un viaje al África como consultor en el rodaje de una película, para dedicarse a la observación de la vida de estos grandes simios en 1929. Cuando es llamado por su amigo, el poderoso productor de Hollywood, David O. Selznick a los estudios RKO, Cooper comenzó a desarrollar su máximo proyecto.

La idea de Cooper fue desarrollada a nivel visual por una serie de ilustraciones de Willis O’Brien, un experto en animaciones que ya había hecho en 1925 los dinosaurios del filme “The Lost World”. O’Brien, junto al escultor Marcel Delgado, realizó los complejos modelos a escala, con estructura de alambre y forro de piel, que dieron vida al Rey Kong a través del sistema de animación cuadro a cuadro o stop motion. En mayo de 1932 comenzó el rodaje de la cinta “King Kong”, realizada por Cooper junto a Ernest B. Schoedesack, con guión de James Creelman y Ruth Rose, la mujer de Schoedesack.

Un año duró la realización y costó unos 650 mil dólares, pero el resultado fue esa gran película que aún perdura. Un equipo de cineastas viaja hasta Skull Island (Isla Calavera) para rodar una película. Allí hay una tribu de nativos que ofrendan una doncella a un gigantesco gorila que se prenda de la actriz del filme, Fray Wray. Sus compañeros parten al rescate, y en el camino, deben enfrentar a un serie de animales prehistóricos. Una de las escenas más impactantes es la lucha de Kong contra un tiranosaurio en defensa de su bello trofeo. El galán (Bruce Cabot) salva a la chica, y la expedición logra capturar a King y llevarlo a Nueva York para su exhibición. El amor del monstruo por la joven es fuerte, porque escapa, la vuelve a raptar y escapa con ella hasta lo alto del Empire State, donde, en una secuencia inolvidable, es abatido por unos aviones. Los efectos de O’Brien y la música de Max Steiner, han contribuido para convertir a King Kong en una de las mayores expresiones del cine fantástico.

EL MONO PROMORDIAL

La identificación que provoca el cine fantástico y que algunos expertos han determinado corre en dos direcciones: con la víctima y con el monstruo, acá están poderosamente representadas. Porque si bien se sufre por la pobre joven en manos del mino, también se goza con el poder del simio que viene de la selva (lo salvaje, lo antiguo), a destruir la ciudad (lo moderno, lo civilizado). A todos nos gustaría poder rebelarnos contra quienes quieren controlarnos y romper las cadenas como este gorila enojado para romper lo que se le cruce por delante. Sino, ¿por qué su caída desde lo alto del Empire State provoca compasión?

Según Gubern, “la cuestión de la monstruosidad animal requiere cierta atención, porque la relación entre el hombre y el animal ha sido siempre una relación de miedo o de poder (es decir, de violencia), en la cual o el hombre a dominado al animal (por domesticación o amaestramiento), o bien el hombre ha sido presa y víctima potencial de animales en estado salvaje. (...) El género terrorífico ha preferido contemplar la animalidad como pérdida de identidad, o bien como amenazadora monstruosidad de la naturaleza”.

El productor Dino De Laurentis, aprovechó la nueva ola de películas de animales y catástrofes de fines de la década del 70, para lanzarse en la producción de una versión moderna de “King Kong”. En 1976 John Guillermin firmó esta adaptación, en la que Carlo Rambaldi, creador de “ET “entre otros trabajos, realizó un enorme modelo de un gorila mecánico para algunas secuencias, aunque el personaje principal fue nada menos que el especialista en maquillaje y efectos especiales Rick Baker enfundado en un traje de mono. Jeff Bridges y Jessica Lange fueron la nueva pareja protagónica. Desaparecieron los dinosaurios, aunque se mantuvo una escena de lucha entre Kong y una serpiente gigante y en vez de un clímax en el Empire State, Kong sucumbió arriba de las ya extintas Torres Gemelas.

La versión actual, protagonizada por Jack Black, Naomi Watts y Adrian Brody, se apega bastante fielmente a la historia original. Mantiene la época y la isla llena de dinosaurios. Pero es un trabajo fastuosos, de técnica impecable, de brillante desempeño audiovisual y con una carga romántica de otra época, a pesar de los espectaculares efectos especiales. Además, agrega nuevo material en sus más de 3 horas de duración, pero sobre todo, le otorga un nuevo ángulo a la relación entre la bella y la bestia. Ya no hay aquí las pulsiones zoofílicas de la versiones anteriores. Se trata de una conexión más espiritual entre Naomi Watts y un Kong viejo, lleno de cicatrices, el último de su especie.

Quizás, como anota Gubern en su libro “Las raíces del miedo”, la clave esté en el mismísimo padre de la sicología moderna. “Freud buceó también acerca de la supuesta paternidad animal de la tribu y acerca de las zoofobias infantiles, neurosis edípicas en las que se asimila en animal velludo, feroz y potente (hipervirilizado) a la imagen del padre. Bajo esta luz King Kong se convierte en la más bella alegoría edípica de la historia del cine”. Resulta que después de todo, King Kong, vendría siendo como un padre. Qué tal. Papá mono.

EN LA CAMA Y EL BAÑO

2005-11-18T12:19:00.000-03:00

EN LA CAMA

En un año con cerca de una decena de estrenos, ésta película, la segunda del joven realizador Matías Bize, es la mejor. Por varias razones, pero principalmente porque es capaz de alzarse con una voz original, diferente, en un ejercicio dramático difícil de enfrentar, pero que sale airoso por un guión redondo y atrapante a pesar de las limitaciones autoimpuestas, y porque en su puesta en escena potente y naturalista, queda de manifiesto la voz y la mirada de una generación consciente de las dificultades de las relaciones humanas, y que tiene la valentía y la madurez de expresarlas audiovisualmente.

Si en “Sábado”, la dupla del director bisoño (Bize) y el guionista que fue su profesor (Julio Rojas), enfrentaron el desafío experimental de armar una historia en tiempo real, en su segundo trabajo conjunto cambian las coordenadas pero mantienen el espíritu: sólo dos personajes y una pura locación, para un relato que transcurre durante las horas de una noche en que una pareja mantiene sexo casual en la pieza de un motel.

Lo importante es que la intención de crear un escenario espacio-temporal forzado en ambos proyectos no se queda en lo puramente formal, en el ejercicio técnico o en el experimento. Es el marco que permite concentrarse en armar un relato contenido en sí mismo, donde la estructura del guión, el diálogo (y los silencios), los personajes y sus emociones, tengan el espacio adecuado para desarrollarse.

Lo que parte como una limitación es, en definitiva, lo que permite el desarrollo libre y dinámico de las ideas que se quieren exponer. Bruno y Daniela se han topado pocas horas antes en una fiesta y se han ido casi sin conocerse a un motel a pasar unas horas de sexo desprejuiciado. Pero eso lo sabemos después. La película parte con la pareja teniendo sexo bajo las sábanas, y es después, cuando el silencio post coito los obliga a hablar, que empiezan a aparecer nuevos elementos en esta relación que se supone, debía ser circunstancial.

¿Se puede tener sexo sin comprometer emociones o sentimientos? Esa sencilla premisa basta para armar una película que partiendo de una situación específica logra captar el ánimo de una generación. Esa premisa, más actuaciones sólidas y frescas (Lewin está estupenda, Valenzuela sorprende). Un guión que se las ingenia para mantener la tensión, poner humor, ideas interesantes, guiños y clichés inevitables y que es capaz incluso de crear suspenso con sorpresas finales incluidas. Y por supuesto, la sensibilidad del más talentoso director de la actual escena nacional.

EN LA CAMA. Chile, 2005. Dir: Matías Bize. Con Blanca Lewin, Gonzalo Valenzuela. Mayores de 14 años.

EL BAÑO

Imposible no consignar el hecho de que se junten dos cintas chilenas el mismo día, y que además, cada una ocurra –como sus títulos lo indican- en una habitación de la casa. Si “En la cama” es la metáfora de una generación joven que mira al futuro con sus trancas y esperanzas (como dice su tagline: “el lugar donde sueñas, amas, engañas”), “El baño” es el símbolo del lugar que ha ido guardando la mierda de todo un país.
El escritor, actor, dramaturgo y guionista Gregory Cohen debuta en la dirección con un proyecto que lleva años tratando de llevar a la pantalla. El pertenece a otra generación, la que sufrió el Golpe Militar en pleno, la que vio sus sueños truncados por la dictadura, y la que no concibe el futuro sin el ajuste de cuentas con un pasado que cada vez son menos los que quieren admitir, asumir, revisar y exorcizar.
La película además también usa un pie forzado. Una sola locación y un único punto de vista, como una cámara espía, que muestra lo que ocurre en el baño de una casa durante 20 años, entre 1969 y 1988. Por allí desfilan decenas de personajes, desde hippies a torturadores, pasando por miristas y maestros chasquillas, distintos ocupantes de una misma casa (país) que van depositando sus amores, frustraciones, temores, odios y venganzas. Llenando las cañerías con aquello que no queremos ver hasta que la mierda acumulada amenaza con reventar y mancharnos a todos.
Dueño de una mirada aguda, irónica y llena de humor negro, entremezcla la ternura y el horror en una serie de piezas que van armando como un rompecabezas su mirada sobre la realidad chilena y su historia reciente.
Una película inteligente, un experimento radical, una película a ratos fallida, pero sin duda una propuesta audaz y necesaria.

EL BAÑO. Chile, 2002-2005. Dir: Gregory Cohen. Con: Pablo Macaya, Faryde Kaid, Alex Zisis, Ramón Llao y Aline Kuppenheim.Mayores de 14 años.

HAPPY MARA

2005-11-14T00:01:00.000-03:00

Andaba tan contenta. Lo pasamos super. Subimos por el funicular hasta el Zoológico. Lo recorrimos todo. Después bajamos a Bellavista y descubrió que el Zoo queda en el barrio de su jardín. El Crucero, "que está a los pies del cerro", como dice la canción que inventamos. Después a almorzar al Off the Record. Y previo coqueteo con el barman, se sentó y le sirvieron especialmente su primer "trago". ¡Salud! Happy Hour para una niña feliz...

BETTY PAGE: LEYENDA SEXUAL

2005-10-27T21:55:00.000-03:00

Antes de Marlen Olivari. Antes de Monica Bellucci. Antes incluso de Cindy Crawford o de Madonna, estaba ella.
Bettie Page. Más sensual que todas las otras juntas. Aquellos que la conocen, celebran su sonrisa permanente en ese cuerpo de hembra generosa, repleto de una sensualidad en estado natural. Sin subterfugios, falsedades, rellenos o cirugías. Sin hipocresía. La bomba sexual de un tiempo más inocente.
Una mujer que, a pesar de no ser estrella ni de hacer películas famosas, tuvo su imagen llenando cientos de páginas de revistas y colgó de las paredes de miles de piezas de hombres en Estados Unidos durante los años cincuenta. Hoy, a más de 40 años de desaparecer misteriosamente y dejar su carrera en el momento de mayor fama, sigue siendo un mito erótico, un símbolo sexual rescatado por varias generaciones que la siguen venerando, imitando y homenajeando.
Fue algo así como el reverso de Marilyn Monroe. Su lado moreno. Aunque tuvo un similar inicio como pin-up, posando desnuda o semidesnuda para revistas de hombres, no llegó a Hollywood no alcanzó su nivel de fama y fortuna, pero la verdad, terminó bastante mejor.
Y oportunidades no le faltaron. Pero ella nunca se quiso teñir rubia. Ni aceptar las invitaciones de gordos ejecutivos de los grandes estudios. Ni las proposiciones matrimoniales de tipos de mucho dinero y vidas aburridas. Esta escultural morena, voluptuosa y reina del encaje negro a lo más alcanzó a hacer un par de películas de strippers y apareció en algunos números de Playboy, pero quizás sea debido a su propia reticencia a sucumbir a los falsos brillos de star system, que a la larga se convirtió en un personaje mítico, en una mujer misteriosa. En una poderosa leyenda sexual.

DIOSA DE PAPEL
Hija de una madre con sangre cherokee y de un padre mecánico y mujeriego, nació en Nashville -la capital de la música country- el 22 de abril de 1923. Cuando tenía diez años su madre, Edna, se aburrió de las infidelidades de Roy y se quedó sola con seis hijos. En 1939 tuvo que meter a Bettie y a sus dos hermanas, Joyce y Goldie al orfanato. “Fuimos muy desdichadas, pero sobrevivimos”, contó Bettie. “Mamá venía a vernos todos los domingos. Compraba para nosotros galletas, golosinas o frutas; siempre traía algo”.
Su infancia fue algo dura, sí, y al principio no tuvo muchos éxitos escolares. Pero con el tiempo fue demostrando sus habilidades, participó en una serie de actividades académicas en forma destacada. Escribía para la revista y el diario escolar, sacaba excelentes notas y entró al club de teatro. Se graduó, consiguió una beca y se tituló de profesora de inglés. Nunca ejercería.
Su biografía se enreda un poco aquí: hay varias versiones que hablan de que vivió con su hermana, que se casó muy joven y su marido se fue a la guerra. Que ella ganaba algo como secretaria, hasta que comenzó a posar para fotografías y se fue a Los Angeles.
“Hice una prueba para el cine, pero ellos estaban empeñados en cambiar mi maquillaje y mi pelo, para que me pareciera a Joan Crawford, y no me gustaba imaginarme con la raya en medio y los labios como ella. Sólo quería parecerme a mí misma. También dijeron que tenía un acento sureño demasiado fuerte, y no quisieron intentar nada más”.
Volvió a Nashville. Se reunió con su marido que había vuelto de la guerra. Se divorciaron. Se fue a Haití. Volvió a Estados Unidos y se instaló en Nueva York. Seguía con la idea de ser actriz. Trabajaba como secretaria y estudiaba actuación y danza. “Nunca decidí ser modelo profesional”, ha dicho. Eso fue una casualidad. Fue en el verano de 1950 cuando se topó en la playa de Conney Island con un negro de musculoso cuerpo que hacía ejercicios. Jerry Tibbs era fotógrafo aficionado y policía. No sólo le tomó sus primeras fotos que aparecieron publicadas en revistas, sino que además fue quien le dio un consejo que sería clave en el estilo de Betty Page, el cual es imitado hasta nuestros días: “Me dijo que tenía una frente muy alta y que estaría mucho mejor con un flequillo. Así que me fui a mi casa y me lo corté, y lo he estado llevando desde entonces”.
Siguieron las sesiones fotográficas y algunos concursos de belleza. Conoció a Robert Harrison, editor de revistas como Wink, Eyeful y Tittler. Eran los años en que comenzaba el furor de las girlie-magazines, producto típico de la post guerra: revistas de pin-ups, sólo con fotos de mujeres jóvenes en poses insinuantes, aunque sin llegar al desnudo total. Eso vendría después, con Hugh Hefner y su famoso conejo.
Aunque hay que aclararlo desde ya. A Bettie nunca le molestó posar desnuda. “La primera vez que posé desnuda no me sentí avergonzada. Fue para un club de fotógrafos aficionados. Recuerdo que me sentí como si estuviera trabajando con ropa. Nunca lo vi mal. Después de todo, cuando Dios creó a Adán y Eva, los puso desnudos en el paraíso. Si Eva no hubiera probado la manzana prohibida, seguramente habrían pasado el resto de sus vidas desnudos”.

"NUNCA ME SENTI EXPLOTADA"
Se hizo cada vez más conocida entre el público de aquella revistillas de chicas con poca ropa. Poco a poco comenzaba a convertirse en un símbolo sexual. Y finalmente lo consiguió de la mano de Irving Klaw, quien por esos días ya era conocido como el Rey de las pin-up. Vendía fotos, hacía catálogos y envíos por correo. Bettie aparecería en un montón de ellas.
Irving, que trabajaba junto a su hermana Paula, terminaron de convertir a Bettie en el mito erótico que hoy se venera en todo el mundo. Paula aún comercializa aquellas fotos y ha declarado: “me alegro mucho de que se le reconozca, aunque sea después de tantos años. Tiene gracia que ahora todas las fotos de Bettie Page sean objeto de culto. Nosotros las vendemos a cientos, las enviamos a todos los rincones del país, a todas las partes del mundo. Creo que los más completos son los coleccionistas alemanes y japoneses”.
La particularidad de las fotos de Klaw eran el fetichismo y el bondage, aunque en una variante primigenia, casi inocente, antes que la estética sadomasoquista se explotara desde la pornografía a la fotografía de moda y publicitaria. Aquellas fotos muestran a Bettie y a otra de las chicas de Klaw atadas o simulando golpes, con cara de mujeres perversas, a veces, y en otras, de niñas sorprendidas en un juego sexual peligroso.
“Nunca me sentí incómoda ni explotada”, ha dicho Bettie. “Las demás modelos y yo disfrutábamos con las locuras que se inventaban Irving y Paula. Nos reíamos de ellas. Jamás tuvimos miedo por atarnos o pegarnos”.
El siguiente paso de Klaw fue filmar cortos de 8 mm. Donde pidió a sus mismas modelos de revistas que bailaran ataviadas con su lencería negra y sus tacos altos. Así, junto a strippers famosas como Tempest Storm y Lili St. Cyr, Bettie “actuó” en decenas de estas películas, hoy convertidas también en objeto de colección. Después, su éxito impulsó a Mr. Klaw a atreverse con largometrajes. Aunque en 16 mm. Y sin mayores avances argumentales que una sucesión de números de baile estilo strip tease, con uno que otro sketches. Primero fue Strip-O-Rama. Y luego vendrían Varietease y Teaserama. Sus curvas en una escena de baño con burbujas, una fantasía árabe y no mucho más. Una que otra invitación a programas de tevé y no mucho más. Claro que para 1954 ella era la “top model” del estudio de los Klaws. Cobraba el doble que las demás chicas y trabajaba en todas las sesiones y para todos los formatos.
Un posterior viaje a Miami la puso en contacto con otro nombre clave en su carrera: la ex pin-up y luego fotógrafa Bunny Yeager. Así, la imagen de Betty salió de las piezas de sillones de cuero de Klaw y fue expuesta a plena luz del sol, entre playas de arenas doradas y exóticas vegetaciones que dieron vida a una serie de postales kitsh que han hecho historia. Poco tiempo después, Bunny le sacó una foto navideña para Playboy.
“La coloqué sentada sobre sus pantorrillas, desnuda, solo con un gorro de Santa Claus que yo misma había cosido”, narra la fotógrafa. “Y preparé una improvisada decoración navideña. Luego salí a mirar revistas para hombres a las que pudiera mandar la foto. Vi una que tenía un poster central con una chica a la que llamaban Playmate del mes, era Playboy. Compré un ejemplar para copiar la dirección, y envié directamente las fotos a Hugo Hefner, el editor. A Mr. Hefner le gustó la foto y la compró por 100 dólares para convertirla en la playmate de enero de 1955”.

DESAPARICION Y RESURRECCION
Luego vinieron los malos tiempos. Estes Kefauver, el típico político de chiste y con ansias de llegar a la Casa Blanca, se hizo famoso en los 50 por sus histerias. Este es el payaso que vio en los comics la razón de todos los males de la sociedad de la época y formó parte de una comisión del Senado que descubrió que los personajes de historietas eran los causantes de la delincuencia juvenil. El siguiente paso fue la “pornografía”. Ahí arremetieron contra las girlie-magazines y sus editores. Irving Klaw tenía los días contados. Su material fue calificado de “obsceno” y lo sometieron a juicio. Aquí surge de nuevo la leyenda. Algunos dicen que la mismísima Bettie fue llamada a declarar y que tuvo que presentarse frente al Comité Judicial del Senado. Y tras declarar, habría renegado de todo.
Ella lo desmiente. “Nunca fui al estrado porque a mí no me demandaron, pero tuve que declarar para decirles que Irving Klaw no era responsable de ningún tipo de pornografía. Que ni siquiera hizo desnudos. De hecho, todas posábamos con varios pares de pantis porque le horrorizaba la idea de enseñar cualquier atisbo de vello, o los pezones. Ibamos totalmente cubiertas”.
Después de todo el tumulto, Bettie agarró sus cosas y se marchó a Miami. Era el año 1957. Tenía 34 años, llevaba nueve de carrera y se dio cuenta que sus sueños de ser actriz no tenían forma de prosperar. Fue entonces que decidió desaparecer de la escena del modelaje, y comenzaron a urdirse todo tipo de historias sobre ella.
Se habló de romances tortuosos, de historias llenas de fantasías ligadas a las de otras mujeres como ella, con finales trágicos y tórridos. Durante los ochenta comenzó a despertar su veneración. Aparecieron fanzines dedicados a ella, libros. El dibujante de comics, Dave Stevens se inspiró en ella para un personaje, se rescató su material, sus fotos volvieron a venderse a muy buen precio. Surgieron las historias sobre ella, artículos y reportajes. Playboy encargó retratos. Varios pintores la recrearon. En 1989 la revista Hot talk publicó un reportaje sobre su vida y ofreció una recompensa a quien diera con ella. La revista L.A Weekly también hizo algo similar. Era obvio, la reina del fetichismo, se había vuelto un fetiche en sí misma.
Todo el mundo quería saber qué había pasado con Bettie. No fue hasta 1992 que el programa Estilo de Vida de Ricos y Famosos la encontró. Ella se dio cuenta que a menos que hablara y confirmara que aún estaba viva, nunca dejarían de buscarla y acosarla. Así que accedió a dar una entrevista, aunque sólo telefónica. Tenía casi 70 años y no quería romper la imagen que todos tenían de ella como sensual modelo.
“Dejé de posar porqué pensé que debía dejarlo mientras estuviera arriba. Tenía 34 años cuando me marché de Nueva York y abandoné mi carrera. Me fui a Florida, y justo antes del Año Nuevo de 1959, estaba caminando por una calle de Kay West, y sentí como si alguien me cogiera de la mano y me llevara hacia una pequeña capilla con una cruz de neón blanco que salía de ella. Escuché el sermón, y me costó mucho esperar al domingo siguiente para volver a oír al predicador. Pensé que Dios no quería verme nunca más haciendo nada relacionado con mi anterior vida”, contó ella en esa ocasión.
Y ha seguido así. Alejada del mundo. Se volvió a casar con su ex marido de juventud. Se separó y se casó de nuevo con un tipo divorciado y con tres hijos. Se divorció de él a mediados de los setenta. Luego vivió sola, cuidando el jardín y sobreviviendo apenas hasta comienzo de los 90, los que, según ha dicho, fueron “los peores años de mi vida. Sin dinero ni respeto”.
A pesar de que salió de su ostracismo y contó la verdad de su historia, la locura por ella no acabó. Concursos de dobles, figuras, posters, merchandasing, grupos de fans (es cosa de ver en Internet, donde hay varios), libros sobre su vida y recopilaciones de sus fotos. Personalidades muy diversas se ven atraídas por si figura. Desde Madonna a Liv Tyler (que quería actuar en una película sobre su vida). O el propio Martin Scorsese, que alguna vez pensó en dirigirla, o la cantante uruguaya Natalia Oreiro, fan acérrima y que usó su look en el clip Veneno.
Hoy, le siguen llegando los derechos de imagen de lo que se publica con ella. Pero a pesar de las múltiples ofertas para aparecer en TV o participar en un filme biográfico para el cine o la televisión, ella sigue sin decirle a nadie donde vive. No da ni el teléfono. Terminó el misterio, pero no la leyenda. El mito de Bettie Page está vivo.
La leyenda sexual sigue intacta.

VENUS Y FASAT: AMATEURS PROFESIONALES

2005-10-18T11:56:00.000-03:00

Fasat es el seudónimo del admisntrador de un sitio que no sólo publica fotos íntimas de parejas amateurs, sino que también se dedica a promover el estilo de vida “swinger”, en el que las parejas realizan intercambios sexuales con otras parejas. Junto a su pareja, que se hace llamar Venus, han sido entrevistados tanto en la prensa como en la televisión sobre el tema, y para él, el tema es muy serio. Tanto, que dice estarse querellando con algunos medios que han tergervisado sus declaraciones, y que para él poner estas fotos no es un juego, y explica su complejo “protocolo de seguridad”. Y aunque el sitio que administran, Chileparejas, actualmente se encuentra caído, aseguran que volverá muy pronto en gloria y majestad.

Primero, explica, “para nosotros es muy importante que las fotos que se ponen en nuestro sitio sean verdaderas. Por eso muchas veces no aceptamos las fotos que nos envían y después las vemos en otros sitios. Lo que hacemos en contactarnos por teléfono con la pareja que quiere subir sus fotos en nuestro sitio. La idea es hablar con los dos, para estar seguros que la mujer también quiere participar. No nos basta que nos envien las fotos con una bonita historia, la idea es conocernos después en persona. Si nosotros estamos dispuestos a darnos a conocer, esto debe ser recíproco”.

Al respecto, Fasat asegura que la confianza con la pareja que quiere formar parte de Chileparejas es básica, así como la total confidencialidad dentro del grupo. Como lo suyo no son sólo las fotos amateurs, sino principalmente el estilo de vida swinger, es muy importante, dicen, la seriedad y fiabilidad con los aspirantes. En su grupo, recalca, no puede entrar cualquiera. No hay drogas ni cosas raras. Sólo parejas estables, ojalá con años juntos, jamás gente sola, ni tipos que llegan con prostituas o las contratan para tomarles fotos y hacerlas pasar por amateur. Por eso, desconfían hasta de las “pruebas de autenticidad”, ya que “cualquiera puede contratar una profesional y sacarle una foto con una revista del cable o un diario al lado”. Por eso, explica, tienen que conocer personalmente a la pareja en cuestión, y desconfían de la mayoría de este tipo de sitios por ser poco serios.

Ellos de definen como una pareja normal, con trabajo estable y ocho años de casados. Y este estilo de vida al que adhieren tiene como base la pareja. Hay que pasar diversas etapas de conocimiento, asegura, las que al ir superándose van dejando al descubierto algunos “gustitos”, como el sacarse fotos. Así partieron ellos y al darse cuenta lo poco serios que eran la mayoría de los sitios, decidieron crear el suyo propio, el cual insiste: “tiene un estricto planteamiento y vías de seguridad. Llevamos seis años en esto y cuatro con la página en internet. Nos caracterizamos por la seriedad y la discreción”, y agrega un dato importante, su página cuenta con una advertencia, un cuadro explicativo que internacionalmente es el resguardo para los sitios que tienen contenido adulto y que dan por sentado que aquel que ingresa al sitio, sabe a lo que va, está de acuerdo con el material y acepta los términos. Es un asunto de auoresponsabilidad, afirma Fasat.

AMATEURS CHILENOS (II)

2005-10-14T17:04:00.000-03:00

Lulu (34, años, Pto. Varas)

Para un reportaje publicado en “Las Ultimas Noticias” ubiqué y conversé con algunos de estos modelos “amateurs” chilenos, que suben sus fotos íntimas en la red. Algunos nos dieron sus nombres y apellidos, pero pidieron reserva de ellos al momento de publicar el artículo. Aquí nos cuentan por qué se toman fotos desnudos o en pleno acto sexual, y por qué disfrutan compartiéndolas en internet.

Lulú y Pepe son de Puerto Varas. Ella tiene 34 años y él 39, ambos son profesionales (ella psicopedagoga, él ingeniero en pesca), llevan 10 años de matrimonio y tiene dos hijos, de 8 y 4 años.
“Somos un matrimonio consolidado”, explica Lulú. “Lo de publicar las fotos en Internet nació como una forma de conocer otras personas deshinbidas y por supuesto es una forma de agregar algo de condimento a nuestra vida sexual”.

“Somos una pareja normal, casados, con hijos, trabajos estables, con los mismos problemas de todo el mundo.Creo que nos amamos profundamente y de ahí precisamente nace esta especie de "complicidad" para publicar nuestras fotos”, agrega esta mujer sureña. “Es excitante recibir tanto comentario con elogios y propuestas de todo tipo. Algunas veces intercambiamos fotos, pero ese no es el fin último de esto. Sólo lo hacemos por el morbo de ver nuestros cuerpos desnudos en Internet. Las fotos son sin rostro, ya que por respeto a nuestros hijos y a nosotros mismos guardamos con celo nuestra identidad. Creo que para algunas personas esto resultará chocante y hasta desviado, pero nosotros somos amplios de mente y disfrutamos a concho nuestra sexualidad”.

Un caso similar es el de una pareja que sólo quiere ser identificada como Gata y Lobo. “Somos un matrimonio, casados más de 20 años, la verdad la pasamos bastante felices por la vida. Como esta porquería de pueblo es de lo más siútico y cartucho no te doy el nombre…ponle que somos de provincia no más. Yo soy profesional independiente diseñador gráfico, trabajo en casa, además escribo”.

Sobre su hobbie poco tradicional, “Lobo”, explica: “ Como estudié fotografía siempre me llamó la atención fotografiar desnudos…más adelante con a aparición de las cámaras digitales, definitivamente se me hizo más cómodo y sin duda que mi mejor modelo es mi mujer”.

Laura y Patricio llevan cinco años juntos y hace dos que están casados. Viven en un departamento propio en la comuna de Ñuñoa. El tiene 34 años y es ingeniero informático, ella tiene 25 y es educadora de párvulos. “Desde el 2000, cuando ella tenía 20 años comenzamos a grabarnos, para cumplir ciertas fantasías que tenía ella y que yo compartí inmediatamente. Primero sus bailes striptease sobre la cama de sus padres y en su casa en general, luego comenzamos a grabar nuestras relaciones sexuales y jugar haciendo pequeños cortos. Comenzó a exitarnos el ver videos amateur en internet, y una pareja amiga de españoles nos comentó sobre el sitio klanamateur”.

Cuenta Patricio: “Nos pareció interesante la idea de ver a otras parejas, y sabiendo que nuestros amigos españoles practicaban el swinger lo comentamos con ellos, y vimos que teníamos fantasías similares. Poco a poco fue aumentando la confianza y decidimos a probar un intercambio de parejas, incentivados por ellos, y fue maravilloso. También ellos nos presentaron a parejas amigas de ellos que practicaban lo mismo, y nos fuimos adentrando mas en ese singular mundo. Actualmente somos parte de un grupo privado ya formado de "parejas amigas", con los que también hemos realizado pequeñas producciones en video, sola y exclusivamente para nosotros”.

Con respecto a las fotos, dicen que empezaron hace un par de años, luego de que les prestyaran una cámara digital. “Mandamos algunas de ellas al Klanamateur, para ver el efecto que producía. Intercambiamos fotos con gente de todo el mundo, que nos han conocido sobre todo por klanamateur. Con algunos de ellos también hemos concretado encuentros muy placenteros, realmente no hemos tenido malas experiencias al respecto, pero sabemos de otras parejas que sí, por lo que somos en extremo cuidadosos en eso”.

Sobre si se consideran una pareja normal, replican: “Eso aparentamos, pero realmente pensamos que no. Nuestra relación es muy madura y de mucha confianza, al punto que podemos entregar nuestros cuerpos al placer con otras personas sin llegar a exponer nuestros sentimientos, a tener encuentros sexuales y realizar cosas que la gran mayoría de la gente ni siquiera imagina que existen. No podemos negar que todo partió por fantasías, como un juego. Pero rápidamente fue haciéndose parte nuestras vidas, al punto que ya no podríamos vivir sin eso. Sin duda condimenta nuestra vidas sexual, pero es mucho mas profundo que eso”.

SEXO AMATEUR EN LA RED

2005-10-13T13:44:00.000-03:00

La existencia de internet, su accesibilidad sin restricciones y su ”democratización” en la difusión de textos y fotos ha dado para todo. También para descubrir las inquietudes sexuales de la gente común y corriente. La red está llena de sitios con foros sobre temas sexuales, así como páginas con relatos y fotos de las costumbres, gustos y excentricidades amatorias de un sinnúmero de personas anónimas.

Una de las costumbres más propagadas vía internet ha sido la de las “páginas “ amateurs, donde supuestamente personas “comunes y corrientes”, algún conocido, su vecino, etc. ponen fotografías de desnudos o de actividades tan íntimas como actos sexuales.

No sólo las estrellas eróticas o las modelos del rubro tiene la posibilidad de mostrar sus encantos e intimidades. Miles de personas de todo el mundo aprovechan la red para dar rienda suelta a sus afanes exhibicionistas.

La proliferación de la pornografía de fácil acceso, incluso en sitios gratuitos, banalizó a tal punto lo que antes era prohibido, que se abrío un nuevo nicho: el de las fotos amateurs. Gente común y corriente, como tú o como yo, que también se siente con el derecho de exhibirse en sus afanes amatorios. El desnudo y la fotografía erótica ya no era sólo para modelos guapos y de cuerpos perfectos. También para las parejas maduras o la señoras de cuerpos voluminosos.

Primero la tendencia se dio en el cine porno, donde los videos hechos en su casa por personas comunes y filmados con cámaras caseras, encontaron un apetecido mercado. Ya no era gracia ver la típicas película sporno. Sí había visto una, las había visto todas. Ni mayor presupuesto ni temáticas más explícitas o rebuscadas satisfacían a un consumidor voraz y que no se soprende por nada. Entonces, el morbo de ver a gente normal haciendo cosas que antes eran sólo para “profesionales”.

Y aunque partió como negocio, actualmente existen en todo el mundo sitios dedicados a propagar las fotos íntimas de estos “amateurs”, muchas de las cuales incluso son gratuitas, y que no tiene otro afán que satisfacer el voyerismo de unos y el exhibicionismo de otros.

Vouyerweb, por ejemplo, es una página en inglés que diariamente publica varias series de fotos de amateurs de todo el mundo. Tiene diversas categorías (fotos privadas, desnudos en público, voyeur), realiza concursos y hasta da premios mensuales en dólares para las mejores fotos según el voto de la gente. La mayoría de las fotos son desnudos (con o sin el rostro de la modelo), algunos más explícitos que otros, llegan de todo el mundo y no hay selección de típico físico o edad. Ls puede mandar cualquiera. Claro, hay una sección con fotografías explicítas, pero esa es pagada. Siguiendo el mismo estilo, abundan las páginas amateurs en otros países. De todo el mundo, también de España. México, Brasil, Argentina y Chile.

Aquí una de la más populares es Klanamateur, que lleva varios años subiendo fotos mujeres y parejas nacionales, que con una cámara digital y cero pudor, comparten con los cibernautas algunos de sus momentos más íntimos. Aunque la mayoría de las fotos son de personas de Chile, también hay colaboraciones de Argentina, Perú y otros países.

Algunos, para asegurar que sus fotos son locales, no dudan en poner dentro del encuadre, alguna “prueba de autenticidad”, como le llaman: algún periódico o revista nacional junto al cuerpo desnudo a fotografiar. E incluso, hay quienes posan en frente de la pantalla del computador, con el sitio del Klan de fondo. El sitio nunca más se actualizó. Pero los que gustan de esta práctica siempre encuentran donde exhibirse. Y no es raro ver a algunos compatriotas sacando la cara (y muchas cosas más) por Chile en algún sitio internacional. En una próxima entrega van las entrevistas a algunos cultores del exhibicionismo amateur on line...

SE ARRIENDA

2005-10-07T01:04:00.000-04:00

Pocas veces se puede contar con tanto antecedente previo para analizar el trabajo de un realizador debutante. En ese sentido, la primera película de Alberto Fuguet, “Se arrienda”, es sumamente coherente lo que ha hecho como literato. Parte de la historia y los personajes, incluso, ya habían aparecido o son mencionados en trabajos previos como la novela “Por favor reboninar” o los relatos de “Cortos”.

Periodista, crítico de cine, escritor y guionista (“Dos hermanos”), lo de Fuguet está marcado por una profunda cinefilia. Su trabajo está empapado de los libros que ha leído y de las películas que ha visto, y es de ahí donde sale gran parte de los referentes para su trabajo. Desde el tono y la influencia de los “maestros” franceses, de Truffaut y Rohmer, hasta el cine independiente norteamericano y en especial Richard Linklater y su díptico sobre las relaciones de pareja en “Antes de amanecer” y “Antes del atardecer”, antecedente directo de esta película. Y pasando por una serie de otras fuentes y guiños, que rematan por ejemplo, en un final que cita directamente al de “Manhattan” de Woody Allen.

Como sus libros, la historia principal de “Se arrienda” es sobre ser joven. Y sobre dejar de serlo. Sobre las expectativas, sobre lo que se perdió en el camino entre la adolescencia y la adultez. Sobre como enfrentar las relaciones de pareja, la amistad, y el lazo paterno. Como dice Douglas Coupland en una cita rescatada por Fuguet: “...mi vida no es cómo yo esperaba que fuera cuando era más joven”.

Gastón Fernández (Luciano Cruz Coke) tiene 33 años, es un músico que quiere dedicarse a componer en serio, ser músico de películas. Pero cuando vuelve a Chile después de varios años estudiando en Estados Unidos, se encuentra que sus viejos amigos no son como antes, que todos se han vendido al sistema, mientras trata de sacarle las últimas chispas de un viejo amor y renueva la dependencia con su padre. Hay algo de caprichoso en el conflicto de Gastón. Un chico de buena familia, que depende económicamente de su padre mientras se dedica a criticar a los antiguos camaradas de sueños que se adaptaron al sistema.

Su errático regreso y su conflicto con todo el mundo, vienen de no aceptar venderse él también. En contrapunto para este presente de dudas y frustraciones está marcado por una suerte de prólogo que muestra a Gastón y sus amigos 15 años antes, estudiantes de arte, con ideas de izquierda y ganas de ser íntegros; y además, con las escenas de un cortometraje de culto, “Hormigas asesinas”, donde Gastón hizo la música y es como el leiv motiv (vemos sus imágenes en blanco y negro constantemente) de un lugar ideal al que Gastón quiere aferrarse.

La película está estructurada por secuencias, momentos, por el vagar de Gastón, sus encuentros y desencuentros, por el deambular por un Santiago bellamente iluminado, y donde predominan la atmósfera y por supuesto, los diálogos. Hay escenas –como personajes- más logrados que otros. Así como la primera parte -ambientada en los 80, con el viaje a Mendoza para el concierto de Amnistía Internacional- aparece algo maqueteada y los diálogos forzados; hay otros momentos que consiguen despegar a base de un diálogo potente, como la secuencia de Gastón, Cancino y Julián, caminando y pelando el duro destino de una vieja amiga.

Hay que destacar también el personaje y la actuación de Francisca Lewin, encantadora como la joven que finalmente reconcilia a Gastón con su presente, la música de Andrés Valdivia y Cristián Heyne, la mirada –y la fotografía- de Santiago; y que con sus limitaciones, estamos ante un debut interesante en un camino no siempre logrado que es del paso de un escritor al cine, por lo demás, terreno casi no transitado en Chile.

SE ARRIENDA. Chile, 2005. Dir: Alberto Fuguet. Con: Luciano Cruz Coke, Francisca Lewin, Felipe Braun, Ignacia Allamand, Jaime Vadell, Benjamín Vicuña, Nicolás Saavedra.

LOLITA CINCUENTONA

2005-09-27T18:12:00.000-04:00

La famosa novela de Vladimir Nabokov, que convirtió en tópico el tema de la nínfula seductora, cumple su Bodas de Oro. Aprovechamos de recordar su impacto, el de las versiones cinematográficas y su legado en el imaginario audiovisual.

El tema es delicado. Niños y sexo es, definitivamente, una ecuación explosiva. Abordar este tema en un libro hace 50 años (fue editado en septiembre de 1955) le significó al escritor Vladmir Nabokov toda serie de problemas. Tras años de tenerla en mente (la idea, según contó, le surgió en 1940), debió sufrir el rechazo de múltiples editores. Llegó a pensar en editar el libro en forma anónima, para luego, cuando finalmente salió a la venta, recibir todo tipo de críticas y acusaciones.

El argumento narra la obsesión de Humbert Humbert, un profesor de literatura europea, hacia las ninfas, en especial hacia Dolores o Lolita, una joven estadounidense de 12 años de la que se enamora apasionadamente. El deseo es tal que Humbert llega al punto de casarse con su madre, Charlotte, para estar Cerca de ella. Cuando la mujer muere, él ve la posibilidad de concretar su mórbido sueño, aunque todo terminará, inevitablemente, en tragedia.

Las versiones hechas para el cine del libro no corrieron mejor suerte. El director de cine Stanley Kubrick (La Naranja Mecánica) también tuvo serias limitaciones a causa de la moral de la época para llevar a la pantalla el lado más sórdido de la historia. Antes de filmar la película en 1962 varios famosos rechazaron el papel masculino adjudicado finalmente a James Mason, quien junto a la joven Sue Lyon como Lolita, Shelley Winters y Peter Sellers, completaron el reparto.

En esta versión de Lolita, Sue Lyon representaba bastante más edad de los doce de la novela e incluso de los 14 que tenía. Por supuesto, nunca se explicita la relación entre ella y su padrastro, y Kubrick optó por la comedia negra, por un tono satírico para llevar adelante la historia.

Cuando 35 años después, el director inglés Adrian Lyne (“Nueve Semanas y media”), quiso hacer una nueva adaptación para la pantalla, tuvo incluso más problemas. La paranoia sobre la pedofilia en EE.UU. le cerró innumerables puertas. Y su supuesta versión audaz de la película con Jeremy Irons y una Dominique Swan de 15 años, fue seriamente mutilada y aún así no encontró distribución en Norteamérica.

Aún así, el tema de las ninfas, adolescentes que seducen hombres mayores o que son seducidas por ellos, tiene múltiples ejemplos en el cine, incluyendo cintas norteamericanas, italianas, orientales (“Black Lolita”; “Emmanuelle y Lolita”), que han seguido explotando el nombre del mito creado por Nabokov.

Y es que el autor de origen ruso es quien mejor ha descrito esta prohibida fascinación amorosa en las páginas de Lolita, como demuestra este fragmento del diario escrito en prisión por el sufriente Humbert: "Hay que ser artista y loco (...) y tener una llama de suprema voluptuosidad siempre encendida en su sutil espinazo, para reconocer de inmediato, por signos inefables -el diseño ligeramente felino de un pómulo, la delicadeza de un miembro aterciopelado y otros indicios que la desesperación, la vergüenza y las lágrimas de ternura me prohíben enumerar-, al pequeño demonio mortífero entre el común de las niñas; y allí está, no reconocida e ignorante de su fantástico poder".

GALERIA DE NINFAS

LOLITA (1962). De: Stanley Kubrick. Sue Lyon chupando una paleta, tomando sol en el jardín, haciendo que James Mason le pinte las uñas de los pies. Un clásico.

TAXI DRIVER (1976). De: Martin Scorsese. Jodie Foster como una pequeña ramera capaz de redimir a un sicopático Robert de Niro. Después un loco atentó contra Reagan por culpa de ella.

PRETTY BABY (1977). De: Louis Malle. Brooke Shields se convirtió en símbolo sexual antes de los diez años por este papel de precoz aprendiz de prostituta.

TENTACION PROHIBIDA (Così come sei, 1978). De: Alberto Lattuada. Nastassja, la hija de Klaus, tuvo morbo de chiquita. Aquí seduce a Mastroainni como un señor bastante mayor, que podría ser –literalmente- su propio padre.

LA CHICA (The Girl, 1986). De: Arme Mattson. Bernice Stegers es una colegiala de sólo 14 años, pero tiene los atributos necesarios para volver loco al maduro Franco Nero.

EL AMANTE (The Lover, 1991). De: Jean-Jacques Annaud. Jane March es una jovencita francesa que vive en Indochina y que trata de sacarse el calor del cuerpo con su amante oriental. Se repitió el plato con Bruce Willis en “El Color de la Noche”.

LA VENENOSA (Poison Ivy, 1992). De: Katt Shea Ruben. Drew Barrymore dejó sus tiempos de estrellita infantil y, luego de una temporada de sexo, drogas y alcohol, aprovechó su mala fama para esta cinta sobre una adolescente que seduce a una familia entera, especialmente al papá de su amiguita.

BELLEZA AMERICANA (American Beauty, 1999). De: Sam Mendes. Kevin Spacey es un hombre maduro en crisis, se obsesiona con la rubia y frívola y coqueta condiscípula de su hija adolescente, Mena Suvari.

LA ULTIMA MISION DEL SUPERAGENTE 86

2005-09-27T17:57:00.000-04:00

A los 82 años, de un paro respiratorio, dejó de existir el espía más torpe y famoso de la TV. Donald Yarmy, más conocido como Don Adams, aunque se hiciera famoso como Maxwell Smart. El súper agente 86. Un pésimo espía. Un gran tipo. Un notable comediante.

Se nos fue Don Adams. Uno de los grandes comediantes de la pantalla chica. Uno de los favoritos del público chileno, que lo recuerda con cariño. Y también, uno de mis personajes fetiches de la TV. Cuando hace años atrás inicié la primera columna de recuerdos de la pantalla chica en el suplemento Tercer Tiempo de La Tercera –que duró varios años y terminó con un libro-, su serie El Súper Agente 86 fue la elegida para el debut. Y esa misma serie también fue parte de los espacios de antaño que se incluían en el programa “Onda Retro”, que hace dos años se exhibió en Canal 13 los domingo en la tarde.

Maxwell Smart era el Súper Agente 86, el “temible operario del recontra espionaje” o el agente secreto más famoso, y estúpido de la televisión. Su número era la clave que lo identificaba al interior de C.O.N.T.R.O.L., una agencia dedicada a luchar contra el mal en lo difíciles días de la Guerra Fría.

Sus torpezas hoy ya clásicas fueron emitidas originalmente como “Get Smart!” entre 1965 y 1969 por la cadena NBC y han sido repetidas innumerables veces por nuestras pantallas por más de un canal, siendo el 13 la más reciente.

La serie fue una creación del alguna vez corrosivo Mel Brooks, quien hizo carrera posteriormente en el cine haciendo parodias a todo tipo de géneros (“Frankenstein Jr.”, “Space balls”, “Las locas Aventuras de Robin Hood”). Brooks se asoció con un señor llamado Buck Henry con la idea de crear una ácida contrapartida al éxito de otras series como “El agente de Cipol”, Misión Imposible” y toda la fiebre por programas de espías, que a su vez, fueron la repercusión en los años ’60 de la moda de James Bond.

Brooks dijo lo siguiente: “Nadie ha hecho un programa sobre un idiota antes. Yo decidí ser el primero”. Así que lo hicieron durante 138 capítulos, logrando siete premios Emmy –tres de los cuales fueron para Adams- y una de las comedias para TV más divertidas de todos los tiempos, relatando las absurdas aventuras de este gaznápiro dedicado a defender la libertad del mundo occidental.

Las aventuras de Smart surgen del constante enfrentamiento con K.A.O.S, una organización terrorista con planes de conquistar el mundo. El 86 es apoyado por “El jefe” (el ex cantante de ópera Edward Platt) y secundado por su fiel compañera y luego devota esposa en la serie, Bárbara Feldon (quien, en aquel entonces era la amante de uno de los productores). Ataviado con todo tipo de extraños aparatajes, como su infaltable zapatófono o el detestable “cono del silencio”, Max destacaba por su eficacia para cumplir cada misión, a pesar de su extraordinaria habilidad para hacer todo mal.

Sólo un agente de C.O.N.T.R.O.L. le disputaba el rol de imbécil al pobre Max: Larabee (Robert Kavelas), quien se sumaba a otros insólitos agentes como el ubicuo agente 13 (David Ketchum), que podía aparecer desde un buzón o la taza del baño. Completaba esta galería de seres impredecibles, Jaime (Dick Gautier), un androide algo cuadrado y bastante literal en su comportamiento. Entre los antagonistas pertenecientes a K.A.O.S., destacaba el archienemigo de Max, Siegfried, un siniestro individuo marcado por una cicatriz que era interpretado por Bernie Kopell, quien con el tiempo, cambió de profesión y programa y se convirtió en el doctor del “Crucero del Amor”.

Aunque ese fue el papel que consagró y llevará a la inmortalidad a Don Adams, nunca podré olvidar otro programa que conducía, y que alguna vez exhibió Canal 13, los sábado al mediodía ¿a fines de los 70? En Estados Unidos se llamó “Don Adam´s Screen Test”, y tuvo 24 episodios en 1975. La versión doblada se llamó “¿Te gustaría ser una estrella de cine?”, en un game-show, un espacio de concurso y ponía cada semana a dos personas que habían sido previamente sorteadas a recrear junto algún famoso del cine o la TV de la época (tipo William Shatner) alguna escena famosa del cine. Como “De aquí a la eternidad”, por ejemplo, o “Días sin huella”. El ganador, obtenía la oportunidad de aparecer en un pequeño papel en alguna serie de esos días.

Tras uno que otro papel en alguna serie sin mucha fama, Adams terminó doblando la voz del protagonista de la serie de dibujos animados “El inspector Gadget”. Pero también volvió a repetirse el plato con su principal personaje. En 1980 protagonizó la película para el cine “La bomba que desnuda”, donde hizo una vez más del Súper Agente 86, junto a actores como Vittorio Gassman y Sylvia Kristel.

Nueve años después, se realizó un nuevo intento de resucitarlo en el telefilme “Traigan a Smart otra vez “ (“Get Smart Again!”), que varias veces hemos visto en el cable, y donde aparecen algo más viejitos el 86, la 99, Larrabiee, Jaime y hasta Siegfried. Pero el humor de la serie original de los 60 ya no está presente. Y lo mismo ocurrió el 95, con un postrero intento de revivir la serie, incluso el comediante Andy Dick (“News radio”) hacía de Zach, el hijo del 86 y la 99. La serie fue un fracaso y fue cancelada rápidamente. Sólo pudo revivir su personaje con éxito, en una serie de comerciales iniciados en 1999 para una compañía telefónica canadiense.

Nos quedamos con el recuerdo del torpe Maxwell Smart pasando por un pasillo lleno de puertas secretas que se le cerraban en sus narices, mientras se escuchaba de fondo la inolvidable melodía de Irving Szathmary.

Donald James Yarmy, su nombre real, estuvo en la Segunda Guerra Mundial, peleó el Guadalcanal, donde contrajo la Malaria, razón por la cual fue dado de baja. Comenzó como comediante en locales y teatros, y aunque pocos lo saben, pudo desarrollar su veta más dramática en Broadway. Se casó tres veces y tuvo 7 hijos, dos de las cuales siguieron sus pasos (Cecily y Stacey), sin mucha fortuna.

Aunque ya no está, es difícil imaginarse a otro en su lugar. Habrá que ver como le va al remake para el cine que se prepara para el próximo año de la famosa serie de TV que popularizó. Tras sonar los nombres de Jim Carrey y Will Farrell como el nuevo Súper Agente 86, finalmente ha sido elegido el actor Steve Carell, quien hace del tío Arthur en el remake de “La Hechizada”, es popular en Estados Unidos por la sitcom “The office” y está en los primeros lugares de la taquilla por su comedia “Vírgen a los 40”. Habrá que ver si no le queda grande el zapatófono de Smart.

MUJERES QUE QUIEREN ESTAR CON OTRA MUJER

2005-09-24T20:35:00.000-04:00

La bisexualidad está de moda. En un afiche, en una publicidad, en una película. Quizás por eso se ha vuelto más común que una mujer heterosexual, tenga curiosidad por saber como es estar con otra persona de su mismo sexo. Aquí nos dan su testimonio.

Daniel Olave M.

“FUE UNA GRAN EXPERIENCIA”

Amelia tiene 26 años, estudió psicología, y se define como una chica muy normal. Es heterosexual, sólo ha tenido parejas masculinas, pero dice que siempre ha sido una persona muy curiosa, “en todos los ámbitos, y obviamente en el sexual”. Ella tiene claro que “desde adolescente sentía la curiosidad por cómo sería estar con otra mujer, sin que esto se transformara en una obsesión o en algún motivo para dudar de mi orientación sexual, la que siempre he tenido super clara: me gustan mucho los hombres”.

Esta curiosidad, afirma, tiene más que ver con una cosa sensorial, de querer saber “cómo sería besar a una mujer, tocarla, el tipo de energía que se genera y por sobre todo que me pasaba a mí, a mi cuerpo ante las caricias de otra mujer. Mis ganas de hacerlo nunca fueron por el morbo, como algo sórdido. Ni menos por la moda o por la choreza de la transgreción o decir: ‘mira que soy progre soy capaz de meterme con otra mina’. Para nada, solo eran las ganas de explorar y reafirmar la libertad de mi sexualidad”, afirma.

Amelia cuenta con naturalidad que ha vivido esta experiencia en dos ocasiones, una mejor que la otra, dice, pero ambas “placenteras, respetuosas y con ene cuidado por la otra persona. La primera vez fue con una de mis mejores amigas. Siempre hablábamos del tema, pero nunca nos atrevimos hasta que se dio, fue en el contexto de un trío con mi pareja, lo que facilitó el cuento. Fue una gran experiencia, lo pasamos bien y después cero rollo. Somos tan amigas como antes, lo hablamos, no es un tema tabú entre nosotras, nos acordamos siempre... es como haber compartido tu primera borrachera con tu amiga de adolescencia”.

Sobre las consecuencias de estas experiencias es muy tajante: “No las veo ni como traumáticas o algo de lo que me avergüenzo y prefiero borrar. Ni tampoco como tan trascendentales dentro de mi vida. Son solo parte de explorar, de un proceso de autoconocimiento que nunca se acaba y de un ejercicio pleno de mi sexualidad. No quiero decir que todas las chicas deban hacerlo. Para mi estuvo bien, no me cierro a la posibilidad de volver a hacerlo ya sea en un trío o bien sola, y tampoco siento que entré al club de los bi por esto. Sigo tan hetero como siempre o más, porque si algo confirmé es que prefiero mil veces estar con un hombre”, afirma la joven.

“NO ME NIEGO A LA BISEXUALIDAD”

Alejandra Valle es periodista, ha trabajado en “Primer Plano”, “Buenos Días a Todos” y actualmente, en “En Portada”. “Hay pocas cosas más cool que ser bisexual en el siglo XXI”, escribió en una columna en el diario “La Nación”, la cual tuvo curiosos efectos. “Me llamaron hombres y mujeres. Encontré como lógico que me buscaran mujeres, y de hecho tuve algunas ofertas concretas. Además, me llamaron y mandaron mails, hombres que no veía hace mucho tiempo. Parece que la foto les había excitado. O sea, prácticamente pasé a convertirme en sex symbol”, dice sonriendo.

“Lo que pasa es que la homosexualidad femenina no es muy aceptada”, reflexiona sobre el tema. “Socialmente es más aceptada la masculina. Pero estéticamente, es mucho más atractivo ver dos mujeres besándose o juntas. Incluso para las propias mujeres. Pero es distinto si saben que dos mujeres son lesbianas. Ahora eso tiene mucho que ver con la ignorancia y los prejuicios sobre el tema, ya que la mayoría asocia a las lesbianas con la imagen de la mujer “amachotada”, pero también las hay muy femeninas”.

“Yo de verdad creo que ya soy una mujer madura”, dice.”He tenido parejas, tengo un hijo, y actualmente me fijo en las personas, no en el sexo. Si conociera a una mujer que me produjera algo, no me niego para nada a la bisexualidad”.

“Son varias cosas distintas en todo caso”, aclara Alejandra. “Una cosa sería por la pura experiencia sexual, por experimentar. Tiene que ver con la etapa que estoy viviendo y eso es algo que me atrae más. Otra cosa sería una relación con una mujer propiamente tal, aunque no me cierro a esa posibilidad si es que me llegara a enamorar. Pero no lo creo, sinceramente. Me gustan demasiado los hombres. Ahora, si estuviera con una pareja masculina y los dos nos sentimos atraídos por una mujer, también existe la posibilidad del trío. Y eso es algo que he conversado”.

“LAS MUJERES ME PARECEN MUY ATRACTIVAS”

Manuela, al igual que Alejandra, -profesional de rubro audiovisual- tiene la curiosidad y siente que tarde o temprano probará de que se trata. No hay ninguna indefinición sexual en su vida. Tiene las cosas super claras, 28 años y le gustan los hombres. Pero no puede dejar de admirar a otras mujeres si son atractivas.

“Eso me parece super normal. O sea, si uno ve a la Fernanda Urrejola en esos afiches gigantes de la leche, uf”, comenta. Tiene claro también que muchas veces esto del coqueteo entre mujeres es parte de un juego de seducción con los hombres. “De todos los hombres que conozco, más del 85% tiene como principal fantasía erótica estar en un trío con dos mujeres. Esa imagen de dos minas juntas los excitan. Pero no estoy ni ahí con cumplirle la fantasía a ningún huevón machista.”

Por eso, dice, si se llegar a dar la posibilidad de un encuentro sexual con otra mujer, “sería las dos a solas, sino no serviría de nada. No buscaría experimentar, sino más bien enfrentar la realidad: las mujeres me parecen sumamente atractivas y me excita ver a dos mujeres en una película porno, por ejemplo. Yo creo que muy pocas mujeres hetero se atreven a asumir esa realidad, por que les da susto, creen -al igual que la mayoría de los hombres-, que porque algo en el sexo opuesto les atrae, son homosexuales. Yo creo que una cosa no tiene que ver con la otra. Simplemente tengo una necesidad de vivir a plenitud mi sexualidad y eso no me convierte en lesbiana”, explica Manuela.

Según dice, es algo que ha conversado muchas veces con sus amigas y hay varias que opinan igual. Incluso, alguna vez, ya adulta, se besó con alguna amiga. “Y no estuvo nada de mal”, afirma.

Amaya Forch
“NO ME ATRAE ESTAR CON OTRA MUJER”

La actriz Amaya Forch fue la protagonista del telefilme “Amigas en Bach”, dirigido por Marcelo Ferrari (“Subterra”) para la serie “Cuentos Chilenos” de TVN a partir de un relato de la escritora Pía Barros. Allí encarnó a una mujer, cuyo esposo (Luciano Cruz Coke) intenta seducir a una amiga de ella (Romina Mena), sin saber que ésta es lesbiana. En venganza, el personaje de Amaya tiene un affaire con su amiga.

“El tema ha existido toda la vida, pero nos hemos hecho los ciegos un poco”, dice Amaya sobre la supuesta moda de la bisexualidad. ”Es algo que está super vetado y escondido y las que viven esa sexualidad están marginadas. Ahora hay una especie de destape, y sí creo que más que en los adultos hay una moda entre los jóvenes de la bisexualidad. Hay una cosa medio taquillera, y es que como no tienen a quien admirar, admiran a los rockeros y si sale Madonna besándose con Britney Spears, dicen ‘por qué no?. Y no se si es moda, pero sí es algo que se muestra más. Es una cosa netamente efectista y comercial, pero sí causa efectos.

La actriz agrega que a través de cosas que se conversan ha captado que hay una especie de “pequeño destape”, al respecto, “pero es un destape superficial”, acota. “Creo que para las mujeres que son lesbianas, esto es algo mucho más profundo que tener una relación sexual con una mujer. Eso de probar por probar, esa calentura de choreza, o decir ‘hay que loco que soy’, es algo muy superficial”.

“Todo es legítimo en el plano sexual, mientras no le hagas daño a otra persona ni involucres a menores de edad”, dice la actriz, sobre las mujeres dispuestas a experimentar en este campo. “Entre parejas o adultos con ganas de experimentar, cada uno puede hacer lo que quiera. Pero me refiero a esto de la moda. Si sale en la tele, es choro y entretenido”.

“Sobre el tema de si a mí me atrae la idea de estar con otra mujer”, dice Amaya, “no es algo que me llame la atención. Y menos por moda. No lo haría nunca. Soy rebelde, así que si algo está de moda, yo hago lo contrario. Una vez una pareja me ofreció hacer un trío con una amiga mía y le dije que no. Específicamente porque yo no tenia ninguna ganas de coquetear con mi amiga para que él se excitara. Y porque para mi tampoco iba a ser agradable verlo con ella. No estaba dispuesta a exponerme emocionalmente en una situación que no sabía si podía terminar doliéndome mucho”.

EL CINE CHILENO QUE VIENE

2005-09-22T15:53:00.001-04:00

TODOS QUIEREN ESTRENAR
En lo que queda del año hay una alrededor de una decena de películas nacionales pujando por su lugar en la cartelera. Desde "Se Arrienda", la ópera prima de Fuguet, hasta el primer filme de monstruos. Cintas experimentales y políticas y una serie de producciones que luchan por su espacio y estrenar antes que se acabe el año.

Daniel Olave M.

JUEGOS DE VERANO
La tercera película surgida de la Escuela de Cine (tras "Historias de Sexo" y "Fragmentos urbanos") no es una serie de cortos, sino una sola historia codirigida a ocho manos. Fernanda Aljaro, Daniela González, Andrea Wassaf y Matías Bize (que se repite el plato con "En la Cama"), realizan esta película sobre un grupo de jóvenes que gustan de vivir situaciones límites. Con Benjamín Vicuña, Siboney Lo, Sebastián Layseca y Fernando Gómez Rovira. Estreno 29 de septiembre.

SE ARRIENDA
De Alberto Fuguet. El ex crítico de cine y destacado escritor y guionista ("En un lugar de la noche"), debuta en la realización con la historia de un músico que quiere dedicarse al cine y trata de sobrevivir en una sociedad que parece obligar a todo el mundo a venderse. De los 80 y sus ideales a un presente donde él parece ser el único está a la deriva por luchar por sus principios. Con Luciano Cruz Coke, Francisca Lewin, Jaime Vadell, Felipe Braun, Ignacia Allamand. Estreno: 6 de octubre.

HORCON
De Rodrigo Gonçálvez. Documentalista y pintor, este realizador plasmó en su primer largometraje de ficción una historia basada en hechos reales, pero filtrada por una mirada a ratos surrealista y otros definitivamente esperpéntica. Una joven alemana viaja hasta el balneario de Horcón para descubrir la verdad sobre el pasado de su padre chileno. Un abordaje poético a la parte más oscura de nuestro reciente pasado. Con Julia Beerhold, Alejandro Castillo, Juan Pablo Sáez. Estreno: 13 de octubre.

LAS MUJERES NO VAN AL CIELO
El primer desnudo cinematográfico de Tatiana Merino (que debutó en el cine con la coproducción entre Brasil y Chile: "Garrincha"), es parte de la oferta de esta cinta, la primera como director de José Valdebenito. En la cinta, que ha sido definida como una comedia policial, también actúan Soledad Pérez, Romeo Singer, Carmina Riego, Agustín Moya y Daniel Alcaíno. La película narra las aventuras de dos empleadas de un banco que se convierten en estafadoras sólo para darle emoción a sus vidas. Estreno 20 de noviembre.

EL BAÑO
De Gregory Cohen. Actor, dramaturgo, escritor y guionista, Cohen usa su mirada llena de humor negro para hacer un ajuste de cuentas con la historia de Chile en el período que va desde 1968 a 1988 en su personal mirada. Todo ocurre en el baño de una casa y con la cámara con el mismo punto de vista. Frente a ella desfilan personajes y conflictos a veces tiernos y otras espeluznantes. Con un extenso elenco que incluye a Pablo Macaya, Alex Zisis y Aline Kuppenheim, entre otros. Estreno: 3 de noviembre.

EL HUESPED
De Coke Hidalgo. Otro debut es el de este director que prueba suerte en el género de terror poco desarrollado en nuestro país. En un hospital, un grupo de jóvenes directores debe enfrentarse a una serie de misteriosa muertes. Un extraño experimento genético ha creado un monstruo cuyos crímenes se trata de ocultar debido a intereses comerciales. Atmósfera y la primera criatura del cien chileno merced a los efectos digitales. Con Iñigo Urrutia, Guido Vecchiola, Erto Pantoja, Jaime Vadell, Marcela Espinoza, Loreto Valenzuela. Estreno 10 de noviembre.

EL REY DE SAN GREGORIO
De Alfonso Gacitúa. Tras su experiencia real de casi una década con un grupo de discapacitados en la población San Gregorio, el director entrecruza el documental con la ficción, al recrear la historia de amor de un joven discapacitado de nombre Pedro Vargas (interpretado por él mismo). Las dificultades de este amor, las presiones familiares y los que intentan ayudarlos en una historia emotiva y verídica. Con Pedro Vargas, Gloria Munchmayer, Andrés Rillón. Estreno: octubre o noviembre.

PADRE NUESTRO
De Rodrigo Sepúlveda. De vasta experiencia televisiva ("Los Simuladores") y un largometraje ya estrenado ("Un ladrón y su mujer"), el realizador se basa en una experiencia autobiográfica para contar el viaje de tres hermanos de Santiago a Viña del Mar para reencontrarse con su padre moribundo. Una historia íntima y con grandes actuaciones, que matiza el drama con el humor negro. Con un tremendo Jaime Vadell, la argentina Cecilia Roth, Francisco Pérez Bannen, Amparo Noguera, Luis Gnecco, Coca Guazzini. Estreno: octubre.

EN LA CAMA
De Matías Bize. Uno de los realizadores más jóvenes de la temporada, pero ya estrena una segunda película. Luego del éxito internacional de "Sábado", su primer filme, ahora relata la historia íntima de sólo dos personajes en una sola locación. Una joven pareja que se acaba de conocer pasa la noche en un motel con la idea de tener sexo casual. Con las horas surge la interrogante, de si es posible vincularse físicamente sin comprometer las emociones y los sentimientos. Con Blanca Lewin y Gonzalo Valenzuela. Estreno: 24 de noviembre.

PURO AMOR PROPIO

2005-09-09T00:28:00.000-04:00

Testimonios de primera mano sobre la masturbación

A estas alturas debiera ser innecesario insistir en que la masturbación es normal. Que es parte de la vida sexual de hombres y mujeres, y que no produce ningún problema en la salud mental ni física de quienes la practican. Ni siquiera “en exceso”. Pero así y todo, hay quienes la ven como signo de inmadurez en la edad adulta. No nuestros entrevistados.

Por Daniel Olave

“Masturbarse es hacer el amor con la persona que más quieres “
Woody Allen

“Contar anécdotas de masturbación y hacer chistes sobre el tema, está bien, siempre y cuando se remitan a la adolescencia. Pero son pocos los que reconocen que la actividad continúa cuando eres mayor”, dice de entrada Miguel, publicista de 33 años. “Yo no tengo problema con eso. Y creo que la mayoría lo sigue haciendo, aunque no lo reconozca”.
En un país poco asumido en los temas sexuales, donde el desnudo todavía es noticia, la masturbación adulta sigue siendo tabú. Está bien si se es un adolescente despertando al erotismo y siempre habrá un facultativo abierto o un sicólogo moderno diciendo que es normal que niños y niñas lo hagan. Y que si es mucho, que mejor hagan deporte o piensen en otras cosas.
Pero ya nadie se atreve a asustar a los adolescentes con historias de pecado, pelos en las manos, retardo mental u otro argumento típico de las viejas campañas del terror. Aunque otra cosa es aceptar que hombres y mujeres adultos, con pareja estable, continúan con las prácticas onanistas, muchas veces, a lo largo de toda su vida.
“Lo tengo súper asumido. Es una forma de darse placer sin depender de nadie más. Y aunque desde que empecé mi vida sexual regular a los 18 años, casi siempre he estado emparejado, eso no me ha quitado lo pajero”, explica Miguel.
Antonio, otro profesional de 30 años, dice que pasó por una época de cuestionarse o arrastrar algo de culpa. “Cuando era más chico, era por una cosa religiosa. Y ya grande, porque me hacía sentir pendejo. Como que no podía ser que anduviera siempre con ganas de masturbarme si tenía pareja estable. Si vivía con alguien y menos si estaba casado”.
A diferencia del personaje de Boris Quercia en “Sexo con Amor”, a Antonio su propia pareja lo ayudó a superar ese rollo. “Un día llegó de improviso del trabajo y yo estaba tirado en la cama, masturbándome. Como estaba en pelotas, me fue imposible hacerme el loco, vestirme y todo eso. Simplemente mi mujer me pilló ‘con las manos en la masa’, literalmente. Me hice el cool, y la esperé. Y nada. Se rió, se sacó la ropa y se unió al baile. Y es que es una expresión de mi sexualidad. Nada más, ni nada menos”.
Claro que hay mujeres que no piensan así. Las hay que se molestan si saben que su pareja se masturba. “A veces lo he hablado con algunas amigas”, dice Macarena, de 22 años. “Y ellas dicen que si el pololo se masturba es porque ellas no lo satisfacen. Es como si les fueran infieles. Y yo creo que no tiene nada que ver. Es algo aparte”.
Eso, a pesar que esta chica, estudiante de comunicación, no practica el autoerotismo. “Tengo una vida sexual normal. Tengo pareja y no creo tener una tranca al respecto. Alguna vez lo intenté cuando chica y no pasó nada. Desde que estoy con mi actual pareja hace tres años, nunca he sentido la necesidad. Pero no lo veo como algo malo o sucio. Me parece más como una variante sexual, algo que nunca he hecho. Supongo que algún día le descubriré el gusto”.

AMAR AL PROPIO CUERPO

En una situación distinta está Mariela, de 24 años. Es virgen, pero se masturba. “Desde niños buscamos placer. En mi caso, se hizo más evidente desde los 14 ó 15 años, cuándo mi cuerpo comenzó a cambiar. La curiosidad comenzó a crecer y la necesidad de sensaciones nuevas se hizo cada vez más fuerte. Pero con el tiempo se ha transformado en una relación de amor con mi cuerpo. Conocerlo, quererlo, descubrirlo y sentir la capacidad de brindarme placer sin otro, que siempre es necesario pero no imprescindible”.
Según ella, “la masturbación no es un sustituto de algo que falta, que otro me tiene que dar y como ese otro no está me veo ‘obligada’ a dármelo yo misma. No es eso, es otra ‘relación’, y en el caso de tener una pareja, no voy a dejar de lado porque son espacios complementarios”.
“Cuando era más pendeja a veces me avergonzaba hacerlo y no se lo contaba a nadie”, continúa explicando Mariela. “Pero con el tiempo he ido sintiendo que es muy inherente a nosotros y no tengo problema en contarlo. El problema lo tienen los otros al escucharlo, porque para muchos la masturbación todavía es un tema masculino, como la sexualidad en general, o de mujeres muy urgidas. Pero filo, yo persisto y me ha ayudado a conocer mi cuerpo, quererlo, respetarlo y estar en comunión con él”.
Miguel es de los que piensa igual. “Incluso, podría decir que cuando estoy más sexualmente activo es cuando más me masturbo. Es como si estuvieras en un estado más erótico. Incluso, a veces, puedo tener ganas de masturbarme después de tirar, y no porque me quedé con las ganas. Es que simplemente es algo distinto. Una cosa personal. Una forma de estar bien con uno mismo.”.
Pero no todos parecen asumirlo con la misma naturalidad. Aunque les pasa lo mismo, más bien han tenido que rendirse a la evidencia. Como Pablo, un periodista treintón: “Es cierto que siempre pensé que la paja se pasaba con el tiempo. La tranquilidad ante esa vana esperanza se me fue cuando estaba viendo Belleza Americana y el personaje principal reconocía que empezaba el día con una paja. Después encontré a Houllebecq en Plataforma, que tenía un personaje que se ahogaba a pajas. Todavía, y ahora que se aborda el tema, sólo puedo suponer que las pajas de adulto son pajas normales. Me queda claro que de adolescente no se puede vivir sin ellas. Pero de grande me pregunto qué se puede hacer si Marlene Olivari, la Sita Jeanette o las minas de Mekano andan todo el día mostrando su jugosa carnalidad”.
Xavier, un contador de 35 años, se confiesa: “Una vez un amigo me dijo que lo superaría al casarme, ya que el sexo con mi pareja sería el medio para superar tal impasse. Pero la verdad, no ayudo de mucho. Puedo tener sexo e igual tener deseos de masturbarme de vez en cuando. Siempre he pensado que soy paja-adicto”.
Los inicios de Xavier en el arte de la autoestimulación resumen una experiencia que tiene muchas coincidencias con la de varios entrevistados: “Comencé mi interés por tan loable deporte, desde que tenia 12 años, cuando me toco ver una competencia de pajas, en mi población natal. Se ponían cuatro giles a masturbarse y se apostaba quien llegaba más lejos. Traté de convertirme en un buen lanzador, pero era tan incontrolable el placer, que disparaba para cualquier lado”. Y remata diciendo: “He disfrutado de tan sublime placer los últimos 23 años. Pasé por etapas de remordimiento moral, el pecado y eso, pero la paja es más fuerte”.

EL ARTE SOLITARIO

La masturbación grupal o la competencia de pajas es una forma bastante común de iniciarse en el autoplacer. “La primera vez que vi lo que era masturbarse fue en una competencia en la que pude advertir que el desarrollo de otros dos compañeros ya había llegado. Eramos cinco y los otros tres no tuvimos otra que cagarnos de la risa, asombrados con el chorro ajeno. Fue la primera y última paja en grupo”, comenta Pablo, quien, con el tiempo, ha elaborado su propia teoría sobre la autoestimulación.
“Hay que reconocer en esta variante un espacio tremendamente creativo. Porque no es llegar y correrse una paja, ¡no señor! En cada una de ellas se condensa lo mejor del relato y la narración: presentación, acción y conclusión. Nadie se va de paja sin imaginarse un gesto, una palabra sutil, un momento clave o una transgresión. Insisto, hoy más que nunca uno es carne de paja. Se vive en un mundo virtual donde las respuestas deben ser inmediatas, y ante la calentura permanente a la que estamos sometidos, como bichitos de una sala de experimentos, como neurotransmisores dependientes de la señal, qué podría ser más eficaz para la angustia y la ansiedad”.
Curiosamente, las mujeres que accedieron a dar sus testimonios para este reportaje, tienen más resuelto el conflicto, superadas las culpas y asumida la naturalidad del asunto que tienen entre manos. Juanita, parvularia de 42 años reflexiona en voz alta: “Si la pregunta es si se hace tanto en la adultez como en la adolescencia, la respuesta es un sí franco y absoluto. Creo que la diferencia tiene que ver con la calidad de tus relaciones sexuales o de tu vida en pareja. Para ponerlo de manera más prosaica, si te tienen satisfecha o no... La verdad es que si la frecuencia y el estándar de tus polvos es alto, uno no echa de menos la paja... Así de brutal”.
Y lo dice por experiencia propia: “Me masturbo desde los 4 o cinco años y durante los períodos en que mi vida sexual era un desastre, frustrada o muy discontinua, recurría seguido a la masturbación. Y con muchísima menor frecuencia cuando lo pasaba bien en la cama, como ahora. Pero para mí también es válida durante una relación sexual. Creo que también ayuda a liberar tensiones cuando el stress es galopante y no tienes un polvito ad portas. Relaja y estimula el sistema nervioso. Yo la recomiendo a ojos cerrados”.

CON PAREJA

Para algunas mujeres, la masturbación está plenamente conectada con su vida en pareja. Ese es el caso de Alicia, productora de treinta y tantos: “Hace casi 20 años que descubrí que masturbarse era ‘heavy’. Toda un sensación, de esas que recorre el cuerpo y te deja extenuada. Con mi pareja nunca hemos dejado de disfrutar lo que la masturbación nos puede brindar. Es una herramienta más del sexo, que para nosotros se ha convertido en una forma de provocarnos, de decir cuanto nos deseamos, de recordarnos, porque cuando hemos estado lejos por distintas razones, masturbarse pensando en el otro es doblemente agradable”.
“¡Pensar que en algún momento me cuestioné el hecho de disfrutar tanto la masturbación!”, se lamenta Alicia. “Un prejuicio estúpido, una tontera, uno no puede negarse al placer”. Aunque la mayoría de los entrevistados reconoce haberse iniciado en estas prácticas desde adolescente e incluso de muy niños, hay otros que han descubierto los potenciales del autoerotismo en forma tardía, aunque no por eso con menos potencia. “Muchas veces me pregunté por qué nunca me había aventurado a darme placer sexual en solitario”, relata Catalina, ingeniero comercial. ”Imagino que pudieron ser trancas con el tema, pero la respuesta consciente siempre era ‘qué fome, esto me gusta de a dos’. Pero a los 35 años me reencontré por mail con un antiguo conocido que ahora vive fuera del país. Llevaba tres años de separada y no había mantenido ninguna relación. Comenzamos a cartearnos, a enviarnos fotos, y un buen día terminamos hablando abiertamente de sexo. Decidimos entonces que tendríamos una relación sexual -porque no era sentimental- a la distancia”.
Según Catalina, ese fue “el verano más ardiente que he vivido. Pedro me escribía dos líneas y yo no podía trabajar... vivía en un estado permanente de excitación, nunca había tenido tanta conciencia de mis genitales. Corría a mi casa en la tarde si él me había anunciado telefonearme, y me preocupaba de estar sola. Él dirigía todos mis movimientos sobre mi cuerpo y me sugirió comprar también un consolador. No había tenido un mal sexo en mi vida, pero ignoraba que las sensaciones autoprovocadas también podían ser casi igual de intensas. La relación terminó, pero me quedó el consolador. No lo he usado más de tres veces en 10 meses, pero la experiencia ha sido siempre muy satisfactoria”.
“Me gusta más que exista otro”, reconoce Catalina, “pero la verdad es que a veces el llamado de la carne es fuerte. Hace unos meses tuve un romance breve que me sirvió para percatarme de que en pleno acto podía yo también ayudar autoestimulándome. De hecho, logré orgasmos que no había conseguido antes, en años, en una posición determinada”.
El sexo no es cosa de niños. No exclusivamente. Nos acompaña durante toda nuestra vida y la masturbación es parte de ella. Y es que en la sexualidad y el erotismo, como en toda actividad humana, uno nunca termina de aprender.

TESTIMONIO: HISTORIA DE AMOR EN SINGULAR

“Nunca fui una niña muy activa en lo sexual, aunque me pasaban cosas como a todo el mundo.Pero la masturbación no estaba entre mis hábitos. Creo que ni siquiera sabía bien cómo se hacía. Recuerdo sí que la calentura y las sensaciones raras en la vulva estaban. O sea, alguna vez me restregué contra el brazo del sofá y fue placentero. Pero de orgasmos, nada de nada todavía. Eso vino más tarde”.
“Las cosas comenzaron, aunque parezca contradictorio, en pareja. Sé que el acto onanista es en sí mismo un placer individual, algo que se hace solito. Pero bueno, a mí me pasó que lo descubrí en pareja. Fue mi primer compañero sexual quien me incentivó en el tema. A él le gustaban los juegos y me introdujo en ellos, algo que agradezco. Así empecé a convertir la masturbación en un juego erótico con él: hacerlo juntos, vernos el uno al otro, hacérnoslo mutuamente. Hacerlo mientras hablábamos por teléfono cada uno en su casa. Muy entretenido”.
“Con el tiempo, me alejé de esa pareja, pero hubo cosas que se quedaron conmigo. La masturbación fue una de ellas. Hoy podría decir con propiedad que para mí masturbarme es un placer que me doy y disfruto plenamente”.
“Me gusta ver televisión y comenzar suavemente a tocarme, casi sin pensar en ello, hasta que se vuelve imperiosa la necesidad del orgasmo y apago la tele, para concentrarme plenamente en mi sexo, mi placer, mis fantasías y acabar una y otra vez. Una cosa que tengo clara es que el placer de masturbarse no tiene directa relación con la falta de sexo, ni con la ausencia de pareja. Puede estar presente teniendo una vida sexual activa y placentera. En otras palabras, el pajero es pajero solo o acompañado”.
“Una infidencia: he de confesar que me gusta poner mi sello en los lugares que visito. Todo comenzó hace hartos años, cuando aún era veinteañera y un día me bajaron las ‘ganas’ en horario laboral. Como estaba prendida y no había forma de remediarlo, partí al baño de mujeres de la oficina y me masturbé sentada en la taza del W.C. Lo hice en silencio, con los ojos cerrados, fantaseando con escenas eróticas poco convencionales. Fue mi primera vez. De ahí en adelante, perdí el pudor y creo que son pocos los baños compartidos que se han salvado. Incluso esos donde hay varias casetas y sólo te separa de las otras mujeres una puerta de lata. Es un juego entretenido, con adrenalina y muy placentero”.
Adelaida, profesional, 36 años.

(Publicado en La Nación Domingo, noviembre del 2003)

SALVADOR ALLENDE

2005-09-05T09:57:00.000-04:00

SALVADOR ALLENDE

Es cuestión de justicia. Primero, porque Patricio Guzmán es el documentalista más importante y reconocido mundialmente que tiene Chile. Pero del que prácticamente no se ha visto nada en nuestro país, al menos no en la cartelera comercial...y de la televisión para que hablar, cuando sus trabajos son habituales de la pantalla chica europea. Gran parte del imaginario audiovisual sobre la Unidad Popular y el Golpe Militar se debe a su trabajo. Que uno de sus más recientes trabajos llegue en 10 copias al circuito comercial de exhibición era imprescindible y un asunto de justicia.
Pero también, y sobre todo, es un asunto de justicia con Salvador Allende, un personaje que aún sigue siendo polémico en Chile, mientras en el resto del mundo es parte del panteón sagrado de las figuras revolucionarias, en una iconografía que a ratos se vuelve pop y que incluye, entre otros, al mismísimo Che Guevara. Parece inconcebible que a 32 años de su muerte, y a pesar de que tanto se ha hablado y tanto se ha escrito, Allende permanezca en una suerte de limbo que se debate entre la caricatura (el tipo mujeriego y de gustos burgueses como el whisky) y la categoría de santón de una parte de la izquierda.
Hacía falta una película sobre él (y aún nos falta la ficción, pero eso ya es otra historia). Y una que, como ésta, buceara en una dimensión humana, social y política, sin pretender la mentada objetividad, la que por alguna extraña razón, algunos insisten en pedirle al documental, que se sabe, no es lo mismo que un reportaje periodístico, el cual tampoco tendría por que ser objetivo.
Pero en su cinta, Guzmán parte dejando en claro el terreno que se pisa. Este es un trabajo personal. Una búsqueda necesaria para con un personaje que el realizador confiesa en off, se hizo cada vez más importante en su vida. Aún más que en esos mismos años, en que arriba de una citroneta y con un equipo reducido, siguió a Allende durante su campaña para registrar el advenimiento de una época, que se adivinaba histórica, pero de la que se desconocía su fatal desenlace.
Guzmán esboza un retrato impresionista de Allende, recreando su vida –aunque en rigor no es un documental biográfico- a través de gente que lo conoció y lo quiso (amiga de la infancia, ex compañeros de la UP, la Payita), pero obviando a los personajes importantes de la política (no hay ex colaboradores hoy destacados políticos) y preocupándose de la gente de la calle. La que vibró con la UP y que como Guzmán, consideran una época de goce, de sueños, de sensaciones de un futuro único y una vivencia colectiva potente e irrepetible. Y también, de personas de hoy, jóvenes, que destacan su legado desde el corazón y las tripas.
Guzmán acude a imágenes que ya había usado incluso en su trilogía de la "Batalla de Chile", y como otros de sus trabajos, parece que "Salvador Allende" fuera parte de una gran obra única, que incluye esos, éste y otros trabajos como "Chile, la memoria obstinada" y "El caso Pinochet".
Hay numeroso material de archivo, pero también algunos momentos notables en las entrevistas actuales. Como la discusión de un grupo de ex militantes de la UP, que tres décadas después no se ponen de acuerdo en lo qué pasó, en lo que habría que haber hecho, en lo que pudo ser. O esa cargada de emoción, donde el relato se articula en doble lectura mientras un ex militante socialista de Valparaíso, relata el desconcierto de las bases en día del golpeñ. De a poco la cámara se desliza apartándose de él, dejando su voz en off, mientras se posa en el rostro de otro de sus compañeros que está en silencio, con la mirada pérdida, y en la que adivinamos su propio recuerdo, lejano, pero aún presente y doloroso.

SALVADOR ALLENDE. Francia, Bélgica, Chile, México, Alemania, España. México, 2004. Dir: Patricio Guzmán. 100 min.
Todo espectador.
(publicado en diario "Siete" jueves 1 de septiembre)

MI MEJOR REGALO

2005-08-24T09:36:00.000-04:00

LO QUE ELLAS QUIEREN

2005-08-22T22:03:00.000-04:00

Eso de que los hombres y las mujeres son iguales es una vil mentira. Somos diferentes, y no estoy hablando de las diferencias obvias del género. Sino de ser mejores o peores.

Las mujeres, no me cabe duda, son lejos mejores que los hombres. No lo estoy diciendo por quedar bien ante ellas. Lo hago porque he llegado al total convencimiento de que es así. Las mujeres son mejores, más maduras, más inteligentes, más prácticas, más útiles, más entretenidas. Y hasta multiorgásmicas, las muy malditas. Puede que cuando Freud decía lo de perversas polimorfas lo hacía en forma peyorativa, pero lo que es a mí, lo repito con envidia.

Desde pequeño me abrumaron y no porque tenga muy desarrollado mi Edipo. Me parecían misteriosas y tan atrayentes como intimidantes. Quizás el hecho de que fuera excesivamente tímido y me pasara muchas horas del día leyendo, haya confabulado en mi contra a la hora de enfrentarme directamente al género femenino. Y es que puede que la Beatriz de la Divina Comedia sea sólo una figura poética, pero algo me decía, a pesar de todas las obvias diferencias, que la musa de Dante no era -después de todo- tan distinta a esa pequeña niñita pelirroja que viajaba en la misma micro que yo cuando iba temprano al colegio, y a la que nunca me atreví a hablarle.

Son cosa seria las mujeres. Y que conste que logré superar, no sin esfuerzo, mi temor ante tamaña raza de criaturas y que no hago estas elucubraciones desde el limbo de la utopía teórica. Hace tiempo ya que pasé a la práctica en el terreno femenino y supe lo que era sentirse arrollado por su presencia corpórea y su química prodigiosa. O sea, barrieron conmigo, pero también me dejaron acercarme y conocerlas.

Soy de naturaleza curiosa. Me imagino que por eso me gustaba tanto ver documentales de animales cuando chico (ah, quien hubiese tenido Animal Planet hace 25 años) y después terminé por hacerme periodista. Y por eso también me dediqué a la observación del bendito animal femenino con la misma dedicación y constancia del ornitólogo apasionado que se puede pasar meses viviendo en medio de los arbustos sólo para presenciar la maravilla del apareamiento de dos buteos fuscescens australis.

No voy a extenderme aquí y parecer más presumido aún de lo que soy enumerando las conclusiones a las que llegué después de años de experimentar en terreno el contacto directo con las hembras de la especie. Pero algún resultado debo haber obtenido. Por algo debe ser que la mayoría de mis amigos, los mejores, son amigas. Y ha sido así desde hace tiempo. Hay más cosas de qué conversar y reírse. Son más abiertas y comunicativas. Qué le vamos a hacer, cuando a uno no le gusta el fútbol y ha decidido quedarse de peatón por principios, cuesta más conversar con un congénere.

Y esto ayuda. Porque las posibilidades de que a alguien le pase lo que a Mel Gibson en esa película con Helen Hunt donde le leía –literalmente- el pensamiento a las mujeres, son nulas. Además de que sería una soberana idiotez. Para saber lo que ellas quieren, nada mejor que dejar que ellas mismas se lo digan a uno. Si alguien quiere escuchar, ahí están las claves para conectarse con ellas, con su sensibilidad, y aprender.

Vaya la recomendación. Puede ser de lo más útil llevar años escuchando confesiones de todo tipo de parte de mujeres inteligentes, divertidas, interesantes, relajadas y asertivas. Esto, claro, partiendo de la base de que se las quiera entender. Yo trato, aunque me sigan asombrando y me parezcan unos seres increíbles y todavía me pase lo que al poeta Bertoni cuando decía: “Para mí, lo más fuerte han sido las mujeres. Puedo ir por la calle y, si veo a un ser de esos que me conmueven sinceramente, siento que pierdo toda la sangre y me caigo al suelo como un abrigo”.

EL ROTO: PERJUDICAME CARIÑO

2005-08-22T12:04:00.000-04:00

EL ROTO, PERJUDICAME CARIÑO
Tras una serie de telefilmes que incluyen varias adaptaciones de textos de escritores chilenos, el médico y realizador Alberto Daiber vuelve a adaptar la novela de un famoso literato nacional, en este caso de Joaquín Edwards Bello. Adaptando el relato original, ambientado en 1920, a la actualidad, cuenta la historia de Fernando, un hombre que se enamora de la viuda de un tipo que le debía un dinero, Clorinda, quien vive y trabaja en un prostíbulo. Tratando de ganarse la vida haciendo el trabajo sucio de un hombre de negocios, se involucra en hechos delictuales que en ves de ayudarlo a surgir, lo envuelven más en una situación turbia y sin futuro posible. Ese parece ser también el destino de los hijos de Clorinda, un chico que quiere ganarse la vida fácilmente en la calle y una chica ingenua enamorada del hombre equivocado.
Filmada originalmente en video para la serie "Cuentos Chilenos" de TVN, la película trasluce constantemente su factura de telefilme, con una narración y montaje más televisivas que cinematográficas. La adaptación de la historia deja cabos sueltos y presenta situaciones extemporáneas (el prostíbulo es de otra época), en una película que a pesar de un elenco atractivo y actuaciones eficaces, se pierde por situaciones que aparecen como ya vistas en el cine y la TV locales. Una película correcta, pero que en el actual contexto del cine chileno, no aparece como un paso adelante.
EL ROTO. Chile, 2005. Dir: Alberto Daiber. Con Francisco Melo, María Izquierdo, Jaime Vadell, Matías Oviedo, Fernanda Urrejola, Benjamín Vicuña, Patricia López.

PULGUITA Y PAPA BALOO

2005-08-14T20:56:00.000-04:00

El sábado me llamó temprano. Quería venir a mi dpto. para que pusiéramos su CD de Tortuga Taruga en el Pc y viéramos los juegos y los videos.
La fui a buscar y nos vinimos caminando. Salió el sol y estaba exquisita.
Pasamos al video club y aunque la tentó uno de Frutillita, finalmente arrendamos el DVD de El Libro de la Selva 2.
Le gustó, aunque claro, le dio un poco de miedo el tigre. Hicimos lo de siempre. Después de ver la película, volver a ver sólo las canciones. Me encanta hacer eso con ella. Especialmente con películas como Canand bajo la lluvia que le gusta mucho. En especial con el número en que Debbie Reynolds sale del pastel y canta y baila "All I Do is Dream of You". El de las "bailarinas" dice.
Le gustó el oso Baloo, que le decía a Mowgli "pulguita". Así que yo era el Papá Ballo, como le dice Mowgli y ella, "Pulguita".
Así que así nos llamábamos cuando nos abrazábamos.
Y nos sacamos fotos. Yo le decía que me diera un beso, pero ella me decía que mejor pusiéramos caras. Me sentía como Hobbes. Ella es Calvin y yo su tigre-de-peluche-amigo-imaginario y nos sacábamos fotos juntos poniendos caras divertidas y nos moríamos de la risa. Ademas ella con la cara pintada. Como Calvin cuando queria ser Tigre.

CRITICA DE LA SEMANA

2005-08-11T17:37:00.000-04:00

PARENTESIS

Se empiezan a respirar aires nuevos en el cine chileno. Más allá de los supuestos boom –con los que hay que tener cuidado que ha habido varios y después nada-, de los éxitos de taquilla y de la mayor producción, local uno de los fenómenos nuevos es el de la generación de relevo del cine nacional. Jóvenes salidos de escuelas de cine, con una gran carga cinéfila y con ganas de contar historias distintas a las que han visto, al menos, en las pantallas chilenas.

A esta generación pertenecen, con sus obvias y respectivas diferencias, Jorge Olguín (“Angel negro”, “Sangre Eterna”), Matías Bize (“Sábado”, “En la cama”), Alicia Scherson (de la futura “Play”) y la dupla de realizadores compuesta por Francisca Schweitzer y Pablo Solís, que además son la primera pareja mixta en codirigir una película en nuestro país.

La cinta, ya había sido exhibida antes en algunos festivales como el de Valdivia y el de Sobras, en Santiago, es un buen ejemplo de lo que se está gestando en parte de la camada más nueva de los cineastas chilenos. Películas que tiene como referente el cine independiente noerteamericano (lo veremos también en “Play” y “Se Arrienda”), una gran carga cinéfila, que busca historias cotidianas, diálogos realistas y que tienen a la ciudad, Santiago para ser más específicos, como un escenario donde no todo es oscuro, deprimente ni marginal.

Los directores han crecido vieno películas. Y por eso hay desde el guiño cariñoso a las comedias musicales de antaño –efectiva y graciosa- , hasta la cita evidente a películas de culto, como “Buffalo 66” de Vincent Gallo. Esta es una película urgente, impetuosa, que habla de la necesidad de expresarse y relatar historias cercanas, comunes, afines a la realidad cotidiana de los realizadores y sus pares.

Camilo es un joven de 28 años insomne, inestable y ansioso. Recibe mesada de sus padres, trabaja de noche en un video club y mantiene una relación con Pola (Sigrid Alegría), que tiene otras ambiciones y necesidades, y que al comienzo de la película le pide una semana de receso en su relación.

Tras el shock y la desesperación inicial, Camilo se topa en la calle con Mikela (Carolina Castro), una chica de 16 años que parece vagar sin rumbo ni preocupaciones y que provocará un quiebre en la vida del protagonista. La chica tiene problemas mentales, pero eso no parece ser un mayor problema. Su personalidad entusiasta y desprejuiciada engancha con la inmadurez de Camilo y se inicia una relación espontánea entre ambos, que nunca se define, pero que lo cambiará a él en más de un sentido mientras dura el paréntesis de su relación amorosa.

Además de algunas reminiscencias del cine francés y la ineludible nouvelle vague (a ratos se cuela un efecto a lo Trauffaut), cuna de todas las nuevas olas; la película transita tiene elementos de comedia romántica “inteligente” y el drama urbano contemporáneo, en un estilo muy cercano a cierta tendencia del cine estadounidense independiente. Como ya lo acotamos, el filme es muy evidente en su devoción cinéfila y va remitiendo a una serie de películas que van desde El Perfecto Asesino a Alta Fidelidad, pasando por Buffalo 66, Beautiful Girls y el cine de Kevin Smith (al que también se homenajea extensamente en Promedio Rojo y se cita en Se Arrienda).

Una cámara enérgica y movediza, un Santiago claro y dinámico y unos personajes amables en su inconsistencia, son parte del encanto de esta primera película que ojalá sirva a sus realizadores para exorcisar parte de su background cinéfilo y les permita más adelante delinear más claramente su propia propuesta, la que se adivina atractiva y refrescante.

(ESTA ES MI CRITICA A LA PELICULA PARENTESIS QUE SE ESTRENA HOY, PUBLICADA EN EL DIARIO SIETE).

PECHOS

2005-08-11T00:04:00.001-04:00

Este es un proyecto muy querido. Pero lamentablemente se ha demorado más de la cuenta en ver la luz. Llevo años en esto. Debiera ser un libro. Está la editorial Planeta que va publicarlo. Pero por un montón de cosas, me ha sido imposible terminarlo. Mis más sinceros agradecimientos a todas las que han participado y mis disculpas por que no ha podido verlo terminado. Algún día. Va a salir. Sí o sí.
Esto es un reportaje que publiqué en La Nación cuando recién empezaba a armarse el proyecto definitivo.

(Fotos, de arriba a abajo: Marcela, Nelly, Magge, Manuela)

Seis mujeres se confiesan a sostén quitado
A PECHO DESCUBIERTO

Ellas nos hablan de sus pechos. De sus rollos, alegrías, obsesiones y placeres. De lo que les agrada y lo que detestan. De la importancia que tienen en sus vidas, en su relación con los hombres y en el plano sexual.

Texto y fotos Daniel Olave M.

Los pechos son una obsesión masculina y femenina a la vez. Las mujeres se los miran, hablan de -y también con- ellos, son fuente de placer y también de cientos de trancas. Es la representación de lo femenino, la quintaesencia de la fertilidad y de la vida, a través de la lactancia; el blanco del fetichismo más desatado y obsesivo. Los senos de la mujer han sido transformados en objetos eróticos y carnada para vender productos, atraer gente al cine o adornar, desde las páginas de un calendario perfectamente producido, el grasiento taller de un mecánico.
Su significado erótico, estético, anatómico, cultural, plástico y médico varía sin cesar de una época a otra, de una cultura a otra, de un país a otro. Lo mismo sucede con su importancia histórica, social y política. Antes, a través del óleo, encarnaba a la virgen que amamantaba al niño Jesús. Hoy, merced a la silicona dura e indeformable, ayuda a las jovencitas que quieren salir en televisión.

EL PODER DE LAS PECHUGAS

Pero ¿qué opinan, piensan y dicen las dueñas de los pechos?. De los normales. Los comunes y corrientes. Los de verdad. Aquellos que deben llevarse día a día y que no necesariamente guardan parecido con la redonda y firme perfección que vemos a diario en los modelos de mujer.
Lo averiguamos en conversaciones con decenas de mujeres que revelaron - aquí en Chile y aunque parezca imposible- inquietudes, complejos y anécdotas relacionadas con sus pechos y luego, generosa y espontáneamente, inmortalizaron su torso desnudo.
La idea era posar sin ninguna preparación, así, tal cual como son en verdad. Sin maquillaje, efectos de luces, sin producción ni glamour. Algo así como un registro documental de sus cuerpos.
Estas entrevistas son parte de un trabajo más extenso que incluye fotos y testimonios de mujeres chilenas entre 20 y 70 años, además de una recopilación de datos, entrevistas, citas literarias, poesía, cine, artículos, ensayos, entre otras múltiples fuentes de información, en torno al tema de los pechos femeninos.

En una selección a azar, aquí adelantamos los testimonios de:
Manuela (21 años). Actriz. Soltera. Talla 38 B.
Maggie (26 años). Profesora. Soltera, un hijo. No tiene idea de su talla.
Andrea (27 años). Periodista. Soltera. No tiene muy claro su talla. “Sé que soy B, pero de mona, porque la niña de la tienda me dice”.
Alejandra (33 años), Profesional universitaria. Soltera, un hijo. Copa B, pero no lo tiene claro.
Marcela (36 años) Funcionaria de gobierno. Separada. Talla 34 B.
Nelly (40 años) Educadora de párvulos. Casada, dos hijos. Copa E.

-¿Se sienten cómodas con sus pechos?
-Manuela: Sí.
-Maggie: Sí, pero a veces me parecen un poco pequeños.
-Andrea: Creo que sí. Es raro, pero hasta que me planteé sacarme la foto no había pensado en el asunto. Creo que tiene que ver con un rollo que arrastré mucho tiempo, quizás demasiado. Es que en la etapa de los 15 hasta los 19 más o menos, mi autoestima era pésima. Creía que los hombres no podían tener un cuento erótico conmigo. Por eso es difícil preguntarme si me siento cómoda con mis pechugas, pero sí, estoy conforme.
-Alejandra: No siempre. A veces la ropa que me pongo exige que mis pechugas fueran más pequeñas y más firmes. Cuando me incomodan es cuando siento que son muy grandes. Me gustaría andar sin sostén, pero no puedo. Con un buen sostén y con la ropa indicada se me ven súper buenas pechugas. Desnuda no me gustan mucho, pero me agrada que a mi pareja le apetezcan. En todo caso, a todas mis parejas les han gustado mucho mis pechugas.
-Marcela: Yo diría que, en general, sí. Me siento cómoda con ellos.
-Nelly: Sí.

-¿Qué nombre les gusta más?
Por unanimidad, a todas les acomoda decirles “pechugas”. Sólo Maggie prefiere “pechos”. Andrea acota: “pechugas le decimos la mayoría de mis amigas. Es como un código, decir pechugas está bien, es lo correcto, lo aceptado. Además suena choro, no es vulgar, pero tampoco tan conservador”.
-¿Y cuál les disgusta?
-Manuela: Busto.
-Maggie: Tetas.
-Andrea: Mamas. Lo encuentro chulo. Tetas suena horrible, picante, es como de película porno. Senos me suena siútico y me da risa, es como una palabra pudorosa. Pechos tampoco me gusta, lo encuentro medio andrógino.
-Alejandra: Gomas.
-Marcela: Tetas, un poco. Lo percibo como despectivo, un poco brutal...
-Nelly: Ninguno.

-¿Cuál es la relación de los hombres con sus pechos?
-Manuela: Pareciera que les gustan, por lo menos no he tenido alegatos al respecto.
-Maggie: La verdad, no sé.
-Andrea: Creo que en este minuto es de atracción. A mi pololo le encantan. Y haciendo memoria, creo que en general, con los tipos que he tenido algún affaire, no tuve reclamos. A veces me divierte mucho cuando con cierto tipo de ropa se me ven grandes y es inevitable darme cuenta que los hombres las miran. Estás conversando y no te miran a los ojos, precisamente. Eso me da una sensación de poder que me gusta mucho. Juego con eso. Pero tampoco todo el tiempo, depende. Hay días que amanezco más coquetona que otros. Además, depende de quien sea, nada me puede dar más asco que los viejos verdes que te miran con cara de babosos.
-Alejandra: A todos les gustan. Me las miran mucho y cuando pueden, me las tocan.
-Marcela: Creo que a ellos siempre les gustan más mis pechos que a mí.
-Nelly: Asombro, curiosidad, juego, placer, apetito, ternura, apego, consuelo, refugio, vínculo.

-¿Qué papel juegan en su vida sexual?
-Manuela: Muy importante.
-Maggie: Son una parte más de mi cuerpo tan sensibles y sensuales como el resto de mi piel.
-Andrea: Son fundamentales. El roce, las caricias, los besos y los juegos con mis pechugas son una parte importante al momento de empezar el juego sexual.
Es como si ellos tomaran vida propia y pidieran a gritos con los pezones en punta, un roce o un apretón. No sé, creo que hasta se mueven por sí mismos, como una extensión del cuerpo que también quiere gozar y pasarlo bien. Creo que una gran imagen son los pechos después de haber hecho el amor, están tan lacios y calmos que tranquilizan. Con mi novio tenemos un código, siempre después del amor, me da un beso a mí y uno a cada una de mis pechugas. Es como el fin del rito.
-Alejandra: Son unas pechugas bien sensibles, bien eróticas. Son un accesorio súper importante en mi vida sexual. Me gusta que me las toquen, que me las chupen, que me las miren. Me excita, me da placer. Me gusta sentirlas en contacto con el cuerpo del otro. Con el pecho especialmente.
-Marcela: Tienen un lugar clave. Son vía segura al placer...
-Nelly: Juegan, pues son fuente de mucho placer y mucha risa, y mucho
contacto...

-¿Se las miran, revisan, palpan, tocan o acarician?
-Manuela: Muy poco.
-Maggie: Frecuentemente me observo desnuda frente al espejo. Los reviso, los controlo con el médico periódicamente, pero me carga usar sostén, salvo que sea estrictamente necesario. También me gusta tomar sol en topless, me siento muy libre y cómoda haciéndolo.
-Andrea: Me los toco, sí, como parte de una rutina masoquista frente al espejo. Cuando me estoy mirando las partes que sobran en la guata, por ejemplo, los tomo y los subo con las manos. Es increíble, pienso, lo que cambiaría si los tuviera más parados, pero luego vuelven a caer y los acaricio como de consuelo.
-Alejandra: Yo me las toco, pero no eróticamente. Me las reviso porque odio que me salgan pelos. Y cuando me acuerdo me hago una revisión médica.
-Marcela: Permanentemente.
-Nelly: Mucho, están absolutamente incorporados a lo cotidiano. Le llevan mucho masaje, cremita, apretuje, cariñito... Incluso, guardo casi todo entre el sostén y las pechugas... cuando me saco el sostén caen monedas, papelitos con teléfonos, tornillos, etc. (asunto que pudimos comprobar en la sesión de fotos).

-¿Alguna anécdota o historia sobre sus pechos que quieran contar?

-Manuela: la verdad es que nunca faltan las tallas divertidas y simpáticas. Y por lo general, los piropos son dichos en relación con mis pechugas. Lo que en ocasiones me hace sentir incómoda, pero nada muy enrollado.
-Maggie: Desde que quedé embarazada mi relación y sensaciones respecto a los pechos comenzó a centrarse en mi maternidad. Desde que mi cuerpo comenzó a prepararse para alojar y recibir a un bebé, las primeras manifestaciones de que algo estaba cambiando fueron mis pechos que crecían, preparándose para alimentarlo. Ahora que el Agustín ya está conmigo, su función más importante al momento de amamantar va más allá del acto físico de alimentarlo. Es conectarme con mi hijo en una relación de amor, entrega y protección. De una comunicación que no necesita palabras, sino más bien miradas que traspasan lo físico. Siento que a través de este acto comenzamos a fusionarnos.
-Andrea: Cuando me compro sostenes me los pruebo harto rato. Me miro al espejo, me pongo para un lado, para el otro y así. Me gusta que me queden paradas, y apretadas. Me cargan los sostenes que dejan ver el peso de la gravedad. Por ejemplo, prefiero que a veces me queden marcas al final del día, pero necesito sentirlas bien en su lugar. De preferencia los uso lisos, pero de colores entretes. Me gusta que en el verano, por ejemplo, se vea el tirante. Lo encuentro de verdad, sexy.
-Alejandra: Hubo una época en que las odiaba, porque tomaba un anticonceptivo que me las hacia crecer y doler. Me dolían al caminar y no tenía postura para dormir. Me daba terror entrar a un lugar donde hubiera mucha gente y me las pasaran a llevar. Era un dolor muy intenso y demasiado angustioso, me duraba las veinticuatro horas del día. Todo el mes.
-Marcela: Tengo una relación muy peculiar con ellos. Me provocan mucho placer, me gusta que se vean, los encuentro sexies. Pero al mismo tiempo, me sentiría mucho mejor si tuvieran mayor volumen.
-Nelly: Tengo muchas. Una vez, en un té familiar, me enderecé un poco a buscar algo del centro de la mesa y se me metió la pechuga en la taza de té caliente. Entre la risa, lo quemante y absurdo, se me adhería la taza como si fuera una ventosa. Mientras amamantaba a mi segundo hijo, debí usar unas cosas para contener la leche entre papa y papa. Se me juntaba tanta leche que la usaba para el café cortado de toda la familia y las visitas... Otra vez, mientras daba pecho a mi primer hijo, le dieron cólicos por algo que comí y dejé de darle. Tuve que sacarme la leche con una maquinita especial que tenía. Al cabo de unas 6 horas tenía tanta leche que no pude ni pensar en botarla... así que hice leche asada para el postre.

AIRE FRESCO

2005-08-10T17:32:00.001-04:00

Se viene mas y mas cine chileno. Son como 10 películas las que quieren estrenarse en el segundo semestre. Digo quieren, porque empiezan los problemas. ¿Hay espacio en la cartelera para tanta película nacional? Y eso que antes nos quejábamos de que habían pocas. O casi no habían.

Es que cada vez las super produciones gringas llegan con más copias. Y es difícil meterse y mantenerse, peor. Y la idea claro, es que no se topen. ya pasó el año pasado con "Mala leche" y "Azul y blanco". Y les fue mal a las dos. Tenían más de alguna cosa en común, se dividieron el público. Ahora estuvo a punto de pasar entre "Paréntesis" y "Play". las dos también tienen cosas re parecidas.

Son de directores jóvenes. Urbanas. Santiago es importante. Y se ve colorido, no triste, oscuro o marginal. Son películas bien cinéfilas. Hay chicas protagónicas que hacen personajes especiales, como "mágicos". Es loco. Pero son bien distintas a la vez. Lo más importante: son frescas. Traen un airecito nuevo. Diferente. Se agradece.

"Paréntesis", de la Fran Schwitzer y Pablo Solís se estrena mañana. "Play", de Alicia Scherson el día 8 de septiembre. Buena gente. Interesante. Películas con onda. Entretenidas. Distintas. Estaban haciendo falta. Bien por ellos. Por todos. Ojalá conecten con el público. Que encuentren su público.

Mi recomendación. Hay que puro verlas. Hacese la propia opinión y empezar a cachar como viene la mano. La cosa promete. Ya no sirve eso de ver cine chileno porque es chileno y esas weas.

Marula Crece

2005-08-08T10:37:00.000-04:00

Esta es Mara. Ya tiene 3 años y cuatro meses. El fin de semana me pidió que le tomara fotos mientras íbamos en radiotaxi a la casa de sus abuelos. Ella también me tomó fotos. En todas las fotos que le tomé, puso caras raras. La amo profundamente. Está exquisita.

EL CINE NO VENDE

2005-08-08T10:00:00.000-04:00

Esta es una columna para la revista "Cinema Paraíso" del mes de julio (una nueva publicación chilena de cine...¿la única? que lleva tres números. En kioscos a sólo $500). A mediados de mes sale la de agosto y viene dedicada a Sin City, la tremenda película de Robert Rodríguez basada en el comic de Frank Miller, además un adelanto con el cine chileno que viene durante el segundo semestre (1o películas +/-!!!). críticas y mucho más...

EL CINE NO VENDE

Qué curioso. Si ahora hasta para vender toallas higiénicas se usa el cine. La cantidad de productos que hacen promociones con entradas para el cine de regalo ha crecido una enormidad. Pero aún escucho que el cine no vende. Que es algo segmentado, muy "cultural" para ser masivo. Por eso no hay revistas de cine, por eso en los diarios el cine tiene un espacio sólo si hay capuchas, y por eso no hay programas de cine en la TV.
Han aumentado las salas de cine en Chile, ha crecido la asistencia promedio del público local y hacía décadas que las películas nacionales no lograban el éxito de taquilla que han tenido en los últimos cinco años. Pero la presencia del periodismo especializado y la crítica ha perdido terreno como nunca en los medios de comunicación.
A pesar de que hay pocos fenómenos más populares y masivos que el cine, por alguna extraña razón entre ejecutivos, directores y otros responsables de los medios, siguen viéndolo como algo muy especializada y los que se dedican a su difusión algo así como sacerdotes de algún culto críptico que quieren aprovecharse de las tribunas disponibles para hablar de algo que sólo a ellos les interesa.
Como si la cultura fuera de por sí algo fome y aburrido. Como si el cine sólo fueran Bergman o Fellini, una suerte de pasatiempo de intelectuales presuntuosos. El cine es fiesta, es masa, es espectáculo. Está inmerso en la cotidaneidad, en el inconsciente colectivo y no hay ser humano sobre la faz de la Tierra que no sepa quien es Chaplin, Marilyn Monroe, Tom Cruise o Darth Vader, aunque nunca hayan visto alguna de sus películas.
El cine arrastra más gente a las salas -pagando su entrada- que cualquier otro espectáculo o entretenimiento en nuestro país. Las películas llevan más gente al cine que el fútbol a los estadios. Pero ¿cuántos programas de TV dedicados al cine hay en nuestra pantalla? Ninguno. ¿y al fútbol? Muchos.
La falta de espacios para el comentario, la reflexión y la crítica cinematográfica, para el periodismos especializado, para la crónica, incluso para la noticia o la anécdota, hacen más falta que nunca. No puedo concebir que no haya un público masivo, interesado, apasionado, que agradecería más espacios para el cine. Un programa. Una revista. Eso no más. No tengo más espacio para continuar esta reflexión. Esta revista tiene pocas páginas, es la única sobre el tema y hay tanto más de que escribir...

Daniel Olave M.

DESPUES DE HORA

2005-08-08T00:03:00.000-04:00

Y aquí estamos.
Vamos a probar que tal es esto de los blogs.
No sé si habrá cosas que sean interesantes de escribir. Pero bueno.
No sé si habrá alguien que las quiera leer.
Pero que va.
Hay que ponerse al ritmo de los tiempos.