MARA TIENE 4

Y está más grande. Más rica. Más despierta...
Te amo, hija. Te veías tan contenta jugando, corriendo y bailando con tus amigos.
En esos momentos, nada más importa.

ENFRENTANDO LOS PREJUICIOS

Foto:
Pablo Larraín, Joan Littin (dir. de fotografía), Gastón Pauls, Benjamín Vicuña.
Crédito: FABULA PROD.

PABLO LARRAIN, DIRECTOR DE "FUGA"
Hijo del senador de la UDI, debuta en el cine con el que será también el primer estreno nacional del año. Protagonizado por Benjamín Vicuña y Gastón Pauls, la película es un drama sobre la música, y la creación como algo oscuro y doloroso.

Resulta curioso, pero Pablo Larraín (29), director de “Fuga”, primera película chilena del año tiene más de algo en común con Nicolás López, el joven realizador de “Promedio rojo”. Aunque el primero estrenará el 30 de marzo una drama ambientado en el mundo de la música docta y el segundo prepara una comedia de súper héroes, ambos tienen entre sus referentes que los hizo convertirse en cineastas la película “Volver al futuro”.

Claro, después vendría el descubrimiento del cine alemán, de los delirios de Werner Herzog, específicamente y el impulso de no seguir la tradición familiar de estudiar leyes. Pero los típicos prejuicios chilenos no asocian a un director que hace una tragedia sobre la pasión y la locura, en un contexto de música clásica y el Teatro Municipal, con películas de adolescentes que viajan por el tiempo.

Pablo Larraín es hijo del senador de la UDI, Hernán Larraín, y sabe de prejuicios. “Lo que más molesta personalmente, es que tu de entrada eres momio. Y yo, la verdad, es que no lo soy. Es un estigma, pero al final uno aprende a tener cuero de chancho y esas cosas te dan lo mismo”, dice.

“Hay que enfrentarse a los prejuicios, pero pasa que uno termina concentrándose en el trabajo”, agrega. “Te das cuenta que todo es completamente realizable, que los prejuicios existen pero a la hora de hacerse realidad, son bastante menores”.

- Siendo Larraín, e hijo de una figura política de derecha, un prejuicio sería pensar que eso te puede ayudar a encontrar inversionistas, pero te puede cerrar puertas en el mundo de la cultura...
- Esa huevada es un prejuicio enorme. La película cuenta con un equipo de artistas bastante interesante, y es súper transversal. Yo descubrí que un buen contacto te puede ayudar en muchas cosas. Pero de ahí en adelante no sirve de nada. Porque un buen contacto te permite llegar a ciertos lugares, pero eso no te garantiza que vas a obtener el resultado que quieres”.

Larraín también estudió periodismo, trabajó de fotógrafo, fue asistente de Miguel Littin en “Tierra del Fuego” y recorrió Europa como asistente de un fotógrafo italiano. Trabajó en un programa de documentales en ABTV y desde hace 3 años se dedica duro a la publicidad.

-¿De dónde salió el tema? ¿Esa pasión por la música que hay en la película es por que tú eres un melómano?
- “Entre melómano y frustrado, de haber sido músico yo. Uno mete en los personajes, frustraciones, ambiciones, rollos. De alguna manera la idea fue conectar la música estéticamente no solamente desde lo sonoro. Y por otro lado, está la idea de conectar la música como un elemento narrativo, como un objeto de deseo, en este caso. Y en tercer lugar, conectar la música con un espacio de creación, pero la creación como un lugar oscuro, doloroso”.

“Comencé a escribir un guión y después trabajé con Mateo Iribarren , lo presentamos al Fondart, y lo ganamos, después obtuvimos el apoyo de Ibermedia, y le presenté el proyecto a mis hermanos. Nos demoramos 2 años en conseguir la plata”, cuenta el realizador. “De repente pasó, era real. El cine tiene eso, partí solo, muy solo, y de repente se va sumando gente y más gente”.

-A propósito de tus hermanos. Ellos son abogados, ¿cómo entraron en el proyecto?
- “Hernán es abogado de la Escuela de Gobierno de la Universidad Adolfo Ibáñez y Juan, abogado pero no ejerce, y es empresario, tiene restaurantes como el Opera Catedral, y tenía experiencia en producción. Pero más que nada se interesaron en la aventura de hacer esto, y también les gustaba el guión. Tuve la suerte de hacer un guión que convocara gente. Y digo suerte, porque resultó ser un tema que produjo atracción por lo menos al realizarlo –ya veremos si produce a la hora verlo-, pero sí al hacerlo, porque la gente se calentaba”.

LA MINISTRA EN PANTALLA

Protagonizada por Benjamín Vicuña y el argentino Gastón Pauls (“Nueve reinas”), también tiene en su elenco a Alfredo Castro, Francisca Imboden, Héctor Noguera, María Izquierdo, Willy Semler, Alejandro Trejo, Luis Dubbó, Mateo Iribarren y Paulina Urrutia, quien ha tenido pequeños roles en filmes como “Johnny cien pesos” (y su ya clásico “Le cortó tóa la mano a mi papi”), “Cachimba” y “Play”.

La ahora ministra de Cultura está excelente como parte de un grupo de músicos decadentes, y en un momento del film, aparece “jalando” cocaína, en una escena ya ha llamado la atención de más de alguien.

“Cuando salió la nómina de ministros, la película ya estaba en el laboratorio”, dice Larraín. “Yo estudié periodismo y sé que hay una noticia allí, evidentemente. Algo va a pasar, pero no sé qué”.

“Lo único que hay que decir sobre esto, por lo menos de mi parte, es que la considero una gran artista, que además sea una gran política, maravilloso. Pero ella es un actriz de tremenda trayectoria y está actuando. No he hablado con ella del tema, pero hay una sola forma de afrontarlo: es un trabajo profesional”.

MUTANTE DE MENTE

Uno de los cineastas más originales e inquietantes, vuelve a la pantalla con “Una historia de violencia”, a estrenarse el 16 de marzo, una de las mejores películas del último tiempo y casi ignorada para los Oscar. Encasillado como director de films de horror, lo suyo es el escudriñar las zonas oscuras de la mente, el alma y el cuerpo humano.

Para David Cronenberg, todos somos mutantes. La especia humana parece estar en constante transformación o quizás, degeneración, a causa de una serie de estímulos y contextos que afligen al hombre contemporáneo. El sexo y la violencia, la corrupción del cuerpo como somatización de la degradación espiritual o la enajenación mental, han sido algunos de los motivos que han inspirado su cine.

Por eso se ha convertido en un cineasta de culto. Encasillado como director de films de horror, lo suyo va más por escudriñar las zonas más oscuras de la mente, el alma y el cuerpo humano. Claro, que a veces lo haya hecho en películas donde a los protagonistas le estallan las cabezas o se metamorfosean en insecto, ha contribuido a su fama de maestro del cine fantástico.

Pero los horrores que le interesan a Cronenberg son más profundos. Y la mayoría de las veces, vienen desde el interior de nosotros mismos. En su más reciente película, estrenada con éxito en el pasado Festival de Cannes, el realizador de “Scanners” y “La mosca”, vuelve a dejar de lado el cine fantástico para contarnos “Una historia de violencia”, que se estrena el jueves 16 de marzo.

Quizás una de las mejores películas del año pasado, merecía estar en la nómina de mejor película y mejor director, pero claro, no es sorpresa que haya sido ninguneada por los Oscar (sólo postula a guión adaptado y actor de reparto por William Hurt). El film eEstá protagonizado por Viggo Mortensen (“El señor de los anillos”), quien encarna al dueño de una fuente de soda de un pequeño pueblo que parece tener una vida de los más integrada y tranquila. Todo hasta que un par criminales entra a su local y pon en riesgo a lo suyos. Entonces, este padre de familia empujado por el instinto de la defensa propia, elimina diestramente a los dos tipos.

Esto lo convierte en una suerte de héroe de la comunidad y rápidamente en una celebridad no sólo local. Y ahí empiezan los problemas de verdad, porque esta notoriedad trae de vuelta un pasado que no quiere revivir. La cinta, en que también actúan Maria Bello y Ed Harris, está basada en un comic de John Wagner y Vince Locke.

"Detrás del tema principal del robo que acaba en heroica defensa, hay cosas inquietantes. Es un "thriller" interesante porque tiene mucho de atípico. Admite diferentes lecturas, y la trama principal es sólo una de ellas", ha dicho Cronenberg.

SEXO Y VIOLENCIA
De origen canadiense, Croneberg pasó de la bioquímica al la literatura y de ahí al cine, comenzando en la realización de cortos que ya develaban sus intereses y obsesiones. La fantasía, las mutaciones, el sexo y la violencia, además de una postura no muy optimista que digamos sobre la condición humana, marcaron desde el inicio la temática de sus trabajos.

Tras sus dos primeros largometrajes, “Shivers” y “Rabia”, que tenían en común el tema del contagio biológico de pulsiones básicas, con un tono de película de terror de cine B y con la ya habitual mezcla de sexo y sangre, Cronenberg realizó su primera gran película “El engendro del diablo” (“The brood”, 1979), donde una mujer somatiza su rabia en pequeñas criaturas que asesinan a quienes la rodean.

La escena final, donde se ve como gesta a uno de estos seres desde una placenta adherida a su piel y corta con sus dientes un remedio de cordón umbilical, y que remata con el estrangulamiento de la mujer enloquecida a manos de su ex marido, es de antología. Más aún si se tiene el antecedente que el director la filmó como terapia para su propio divorcio. “Es mi guión más autobiográfico, su escritura fue muy compulsiva y es mi versión personal de “Kramer vs Kramer”, aunque mucho más realista”, ha comentado su realizador.

Luego vendría la consagración internacional con “Scanners” (1980), uno de sus mayores éxitos, seguida de dos de sus películas más inquietantes. “Videodrome” (1982), con James Wood como un ejecutivo de televisión que se ve envuelto en una asfixiante trama de películas snuff y realidad virtual. Y “La zona muerta” (1983), adaptación de una novela de Stepehen Kina, con Christopher Walken –excelente- como un hombre con la maldición de predecir el futuro.

En 1986 entra al establishment hollywoodense con un film por encargo de Mel Brooks: un remake del clásico de terror de los años 50, “La mosca”, que Cronenberg supo hacer suyo y convertir en una metáfora del envejecimiento a través de la historia de un científico y su paulatina transformación en insecto. Esta película fue su mayor éxito de taquilla, ganó un Oscar por el. Pero Cronenberg seguía fiel a sus obsesiones y rechazó la secuela así como había rechazado varios proyectos ofrecidos no muy afines a sus intereses (dentro del anecdotario figura desde “El regreso del Jedi” a “Alien IV”, pasando por “Top gun”, “Testigo en peligro”, “Flashdance, “El Vengador del futuro”, “Un detective suelto en Hollywood” y una versión de Frankenstein).

SALVAJE Y COMPASIVO
Fue entonces que tras un par de años de muchos problemas y varios intentos, logró realizar la que sería su obra maestra. “Mortalmente parecidos” (“Dead ringers”, 1988), con Jeremy Irons en el doble papel de los gemelos Beverly y Elliot Mantle. Basada en un caso real, contaba la historia de estos dos hermanos ginecólogos, obsesionados con el sexo desde pequeños pero de personalidades muy distintas, y que al enamorarse de una misma mujer hacen estallar los conflictos que han arrastrado toda su vida.

Posteriormente, ha continuado explorando con perseverancia aquellos rincones oscuros que nadie más desea ver. Algunas veces con más éxito que otras. Pero consecuente con su línea artística de experimentación. Haciendo adaptaciones de obras inadaptables como “El almuerzo desnudo”, de William Burroghs (1991) o “Crash” (1996), de Ballard. Y aunque en el último tiempo sus películas no han tenido gran repercusión y ni siquiera se han estrenado en Chile (como “eXistenZ” y “Spider”), “Una historia de violencia” lo vuelve al sitial que le corresponde, con su mayor logro desde “Mortalmente parecidos”.

“Hay una belleza verdadera en lo que algunos consideran repulsivo”, ha dicho Cronenberg, en una suerte de declaración de principios. “Es mi forma de verlo, y a veces se me hace difícil expresarlo. Por encima de todo, quiero ser honesto (...) Yo no me mantengo firme ante ninguna regla o principio, tomo las cosas tal y como van llegando”.

Admirado por muchos de sus colegas, entre ellos John Carpenter que ha dicho que Cronenberg es mejor que toda su generación de cineastas junta, incluso ha actuado en pequeños roles para otros directores que son parte de su fan club, como Clive Barker y John Landis.

Martin Scorsese, nada menos, ha dicho de él: “Las mejores películas de Cronenberg aún conservan la capacidad de causar una especie de shock cultural jungiano, como las de Buñuel, o las obras de Francis Bacon. Son ingeniosas y traumáticas, salvajes y compasivas. Dentro de un género que mucha gente considera limitado, él ha sabido florecer con una visión genuinamente original: metáforas internas y horror externo. Pienso mucho sobre sus películas. Y desearía no hacerlo”. Somos dos.

OBSESIONES FUTURAS
A punto de cumplir 63 David Cronenberg está más activo que nunca, y tiene varios proyectos en carpeta. Su próxima película parece ser "Eastern Promises", un thriller ambientado en Londres, sobre una joven mujer casada que inicia una investigación acerca de una misteriosa chica rusa, que falleció al dar a luz en vísperas de la Navidad en el lugar donde trabaja como enfermera. Las cosas se tornarán trágicas cuando descubra la conexión entre la muchacha y una mafia que trafica mujeres para utilizarlas como esclavas sexuales.

Además, el realizador tiene en carpeta "Maps to the Stars", sobre la vida de una joven estrella de la televisión estadounidense, que es adicto a la heroína y "London Fields" una postergada adaptación del libro de Martin Amis.

Esta historia se centra en la promiscua vida una joven, quien presiente que puede ser asesinada por uno de los hombres que conoció en un bar londinense; por ello decide humillar a ambos, haciéndolos caer en una red de auto-destrucción.

En el camino quedó otro proyecto que trabajó algún tiempo: el thriller de ciencia-ficción "Painkillers", que narraba una historia futurista sobre un detective que debía salvar a la humanidad, sumergida en un mundo donde la cirugía es la nueva forma de sexo y el dolor, un placer prohibido. Sonaba bien.

SE NOS FUE JACK WILD

Quizás algunos ni lo recuerden.
Era el chico con cara de pillo de "Oliver!", y fue incluso nominado al Oscar por su papel en la versión musical de la obra de Dickens.
Ahí aparecía con su compadre Mark Lester (el rubio) otro que fue estrella adolescente y nunca más se supo. Ambos trabjaron en esa cinta de culto con música de los Bee Gees que es "Melody", por la que tantas veces me han preguntado. Sé de gente que ha buscado una copia por cielo, mar y tierra.
Jack también fue el protagonista de "La flauta mágica", serue freak de culto para niños con personas disfrazadas de muñecos conocida como "Pufnstuf". Esa del dragón cabezón que vivía en una isla mágica y una bruja los perseguía. Es muuy vieja.
Que más. Jack estuvo en una versión del "Flautista de Hamelin" , y poco más hizo. A lo más estuvo por ahí en un papel chico en "Robin Hood", la de Kevin Costner. De adulto casi no actuó, debido a una de esas típicas vidas de exceso y copete que caga a tantos actores. El año pasado dijo en una entrevista a la BBC: ""What I learned very quickly was that my lifestyle had made me a walking time bomb. I was a heavy smoker and an even heavier drinker and apparently together they are a deadly mixture."
Falleció la semana pasada de un cáncer a la boca. Vaya el recuerdo entonces...

MONOS EN CELO

Mujeres exuberantes y potentes ejemplares masculinos, delineados por el magistral uso del aerógrafo, hacen fantasear a millones de seguidores del Noveno Arte. De vocación intransigentemente contestataria, los autores del cómic erótico defienden sus trazos y se oponen a la tijera y a la censura. Aquí proponemos una pequeña guía para no perderse en este laberinto de viñetas rebosantes de sensualidad.

Aunque para muchos sigue siendo cosa de niños, hace rato ya que la historieta ganó la mayoría de edad, entregando a la posteridad grandes obras de destacados maestros. Aun así, el mal llamado “cómic para adultos” suele ser identificado en forma simplista con pura pornografía, cuando entre sus diversas manifestaciones incluye desde el género policial al histórico, pasando por la ciencia ficción, el cómic de autor, el experimental, las adaptaciones literarias y un sinfín de expresiones creativas.

El erotismo, omnipresente en todas las artes, no podía quedar fuera del cómic. Y es que el cómic erótico existe y tiene a su haber artistas y trabajos importantes, alejados de la poco creativa pornografía, entendida como aquellas historietas sin contenido o audacia formal, que -al igual que su bastarda parienta cinematográfica-, se dedican solamente a la exhibición de miembros erectos, vulvas hambrientas y coitos constantes sin ninguna justificación narrativa.

Mujeres exuberantes y potentes ejemplares masculinos han desfilado en los cuadritos de múltiples historietas, llenándolas de sensualidad, pero, a la vez, de un aporte a la madurez del llamado Noveno Arte. Ya en los años ‘40, cuando la aventura comenzó a proliferar en el trabajo editorial, aparecieron gallardos galanes y audaces heroínas que sugerían la vieja e inevitable atracción entre los sexos. Pero el férreo control impuesto por los syndicates (las empresas que distribuían las historietas en los periódicos) mantenía a Eros a raya. A lo más se insinuaban curvas turgentes bajo los trapos selváticos o los ropajes futuristas. Jane, la compañera de Tarzán, o Dale Arden, la pareja de Flash Gordon, eran las bellas en peligro que los héroes debían rescatar, pero también podían aparecer como mujeres de armas tomar, que luchaban por sus hombres. Claro que en algunos países, debido a la férrea fiscalización de la moral a cargo de gobiernos opresivos, estas voluptuosas chicas de las historietas eran censuradas y simple y llanamente, se les “borraban” –literalmente- las curvas, para dejarlas planas y castas.

BARBARELLA Y VALENTINA

No fue hasta los años ’60, gracias a los vientos renovadores de la contracultura, la revolución sexual y los aires libertarios que recorrieron la sociedad entera, que el cómic también se destapó. Fue el tiempo en que recién el cómic era tomado en serio y se veía como un arte incipiente del gusto del público adulto. Uno de los primeros en demostrarlo fue el francés Jean Claude Forrest, el autor de la ya mítica “Barbarella”.

Heroína feminista intergaláctica (encarnada en el cine por Jane Fonda), Barbarella vivía peligrosas aventuras en el espacio a la vez que desprejuiciadas odiseas sexuales con los más diversos y extraños personajes. Inspirada en Briggite Bardot, fue “una puesta al día de la ingenua libertina, de Colette”, al decir del destacado especialista Roman Gubern, “con su desenvuelta y desinhibida sexualidad fruto de una candorosa moral más allá del bien y el mal, acorde con las propuestas mitológicas del arquetipo femme-enfant en la cultura de masas”.

La vanguardia del cómic europeo, donde primero se consolidó la idea de autor, dio cabida a grandes guionistas y dibujantes, como el español Enric Sió con “Mara” y el italiano Guido Crepax y su creación “Valentona”. Según el cineasta Carlos Saura, gran seguidor del trabajo de Enric Sió, “Mara es la plasmación de algo soñado donde un erotismo sadomasoquista campea respetuosamente sobre el limpio diseño y las tenebrosas oscuridades”.

En el libro “Guido Crepax”, suerte de autobiografía del autor francés, se describe así a su magnético personaje: “La encarnación de Louise Brooks, la soñadora masoquista, la fotógrafa dominante, la exhibicionista romántica, la bellísima andrógena, la dulce muchacha con el culo más bello del mundo (como “Justine”). La incomparable Valentina había nacido”.

En Estados Unidos, al calor del movimiento contracultural, avalado a la vez por el surgimiento del Pop Art, surgió un importante movimiento de cómic desprejuiciado, adulto y alejado de las grandes empresas editoriales. Su máximo exponente es el genial Robert Crumb, autor de vocación intransigentemente contestataria, y el creador de todo un símbolo de la lucha contra la hipocresía de su sociedad: “El Gato Fritz”. Felino jaranero, promiscuo y vividor, Fritz vivía aventuras urbanas cargadas de sexo, drogas y alcohol. El gato y sus demás personajes, además de una serie de divertidas y corrosivas historias -muchas de carácter autobiográfico- ilustraron con un estilo satírico y grotesco el fetichismo, las fantasías y frustraciones sexuales de toda una generación.

UNDERGROUND

Cobijados en un principio en el mismo movimiento marginal, surgieron otros dibujantes que se inclinaron por el género de la fantasía heroica, con héroes llenos de músculos y testosterona y heroínas de una sexualidad exagerada que vivían desencantadas aventuras en mundos lejanos y exóticos. Con poca ropa y espada en mano, los caracteres de Fran Frazetta y Richard Corben, por ejemplo, dieron origen a un vasto imaginario que mezclaba el erotismo y la épica. En especial Corben, que con una técnica que privilegiaba el volumen a través del magistral uso del aerógrafo se ha impuesto como todo un maestro, lo que se puede apreciar en sus mejores obras llenas de mutantes, en especial la serie de Den.

Gaetano Liberatore, creador del personaje Ranxerox, describe así los personajes femeninos dibujados por su colega Corben: “Sus mujeres jamás son figuras de diosas abstractas... Son muy reales y encarnan el deseo más primario de todo hombre con sangre en las venas”.

Como explica Dennis Wepman en “Richard V. Corben y el Arte de la Fantasía” (“Historia de los Cómics”, Toutain Ed.), “su obra siempre ha mostrado la figura humana de una forma franca y voluptuosa, pero Corben nunca ha sido pornógrafo; en 1981, cuando le preguntaron si creía que su obra era erótica, se puso pensativo y contestó que “puede que sensual”.

Dentro del auge del manga o cómic japonés, se encuentra una serie de artistas que hacen un magistral uso del sexo para la realización de historietas de diversos géneros. Autores como Wataru Watanabe, Shiyoji Tomo, Kaori Asano y otros muchos, han podido dar cuenta de una irónica libertad en un medio algo restrictivo. Con la única salvedad de no mostrar genitales, hay millones de páginas con las escenas de sexo más duro en las que un espacio en blanco o, al revés, una franja oscura, tapan lo justo y necesario. En enero un juez nipón, invocando un artículo del Código Penal, sentenció a un año de cárcel al editor de una publicación de manga, aduciendo que estas ilustraciones producen influencias nocivas para la moral sexual.

En Europa, son muchos los que han hecho del erotismo uno de los temas clave de su trabajo, llegando a experimentar en zonas más límites del género: el sadomasoquismo, la homosexualidad y el sexo duro. Es el caso de los italianos Eleuteri Serpieri y su saga de ciencia ficción “Druuna”, o Tanino Liberatore y su héroe cyberpunk “Ranxerox”, un androide en que la brutalidad es característica, ya sea en la violencia o el sexo. En Francia, se puede encontrar desde las rotundas mujeres del picaresco Georges Pichard, hasta el sexo como arma intelectual que desarrolló Gerard Lauzier en sus obras llenas de cinismo y desvelamiento social.

En Estados Unidos, la refrescante sexualidad de “Little Annie Fany”, de Harvey Kutzman, convertida en un clásico de Playboy, o los experimentos límites de Howard Chaykin en “Black Kiss”, mezcla de sexo explícito, aventura policial y vampirismo, son dos exponentes del cómic erótico contemporáneo.

Dos de los más destacados artistas del cómic erótico se pueden encontrar a ambos lados del Atlántico. Sacando la cara por el continente sudamericano está el sin par Horacio Altuna, dibujante de mujeres perfectas en su sensualidad y de historias llenas de humor y situaciones donde la libertad sexual y el absurdo van de la mano. Es autor, en conjunto con el guionista Carlos Trillo, de historietas de gran calidad y contenido, donde el humor y el erotismo son una herramienta más de una lograda crítica social, desencantada y certera, como se puede apreciar en “El Loco Chávez” y “El Último Recreo”, entre otras. En el plano intrínsecamente erótico, Altuna tiene un serie de relatos cortos realizados para la revista Playboy y compilados en un par de libros con su lúbrica batería de mujeres despampanantes, activas y desprejuiciadas.

¡CLIC!

Otro de los grandes exponentes del cómic erótico es italiano, y ha logrado componer un universo propio, rico en lecturas y expresividad, donde la aventura interior se mezcla con la exterior. Las protagonistas de sus historietas son casi siempre mujeres, bellas hasta la exasperación, de cuerpos perfectos, cargadas de una sexualidad explosiva y a veces fatalista. Como Claudia, que sólo puede expresar su arrebatador erotismo a través de un aparatito que controla a distancia sus impulsos en las cuatro partes de “¡Clic!”. O la inolvidable Miel, la protagonista de “El Perfume del Invisible” y otras historias, dueña de una sexualidad perturbadora, y que debe su nombre, como ella bien sabe demostrarlo, al peculiar sabor de su sexo.

“El erotismo alevoso, ornamental, juguetón, de Manara, tiene mucho de burla y nada de perversión, como un cuento del Decamerón o las exaltadas hazañas eróticas de Henry Miller”, escribió Juan Sasturain, eminente cómicólogo argentino. Y agrega sobre una de sus obras más exitosas y controvertidas, “¡Clic!”: “Una socarrona ironía recorre el relato lineal, aparatosamente explícito en su intención, disparatado en su mecanismo narrativo -el mágico aparatito- y mucho menos disparatado en su abierto e inteligente final. Reflexión jugosa, directa y divertida sin vueltas sobre la hipocresía y la represión sociales y los oscuros recovecos de la mente frente a la majestad del deseo”.

En el mismo texto, Sasturain agrega una reflexión que se hace extensiva a toda la obra de Manara, y de alguna manera, al cómic erótico en general: “Es claro que el objeto estético privilegiado de Manara, es el hermoso cuerpo femenino en celo, que la intención básica es la reivindicación soberana del deseo y sus derechos tan postergados (...) En ¡Clic! Hace una fiesta blanca con el cuerpo de Claudia, un espectáculo con su hermosa calentura. A su alrededor se escandalizan -nos escandalizamos- los verdaderos monstruos, la aparentemente saludable legión de voyeurs y perversos que conviven dentro de la historieta o vacilan en su lectura”.

EL ETERNO BURDEL DEL CINE CHILENO

Prácticamente no hay película chilena donde no aparezca una prostituta. Desde “Julio Comienza en Julio” hasta "Padre nuestro”, de próximo estreno, las trabajadoras sexuales son protagonistas y una suerte de icono de nuestra cultura audiovisual. Striptiseras, topleteras, cabareteras, chicas de la calle, de saunas o casas de masaje, desfilan asiduamente en las cintas rodadas en nuestro país.

“¿Creí que esto es un paseo? Este es un trabajo como cualquier otro. ¡Y te vai a tener que esmerar por la chucha!...”
(María Izquierdo, “Leila”, en “La Fiebre del Loco”)

por Daniel Olave M.

En 1925 fue creado el primer organismo de censura cinematográfica en Chile bajo el gobierno de Arturo Alessandri, cuya misión era prohibir aquellas películas “contrarias a la moral, a las buenas costumbres y a la seguridad y tranquilidad del Estado”. Al año siguiente, cayó la primera película nacional bajo sus garras. En 1926, el Consejo de Censura se espantó al revisar “La última trasnochada”, el último trabajo de Pedro Sienna (el mismo de “El Húsar de la Muerte”).

En el film, Pablo (Sienna), el protagonista, es un hombre de buena familia dedicado a la bohemia. A pesar de estar enamorado, pierde a la joven por no poder dejar su vida licenciosa. Ella se casa con otro y Pablo cae aún más bajo. En una de las primeras escenas de la película, el protagonista estaba en un cabaret con una bailarina sentada en sus rodillas. Le quitaba a la chica uno de sus zapatos y lo usaba para beber champaña de él. Esa escena tuvo que ser cortada.

Bailarinas de cabaret, putas callejeras y marginales, stripstiseras, topleteras, copetineras, chicas de compañía, sauna o casa de masajes, prostitutas en general han existido siempre en el cine chileno. Y si uno se atiene a las películas de los últimos 30 años, pareciera ser el personaje más recurrente y representativo. Desde “Julio comienza en Julio” a "Padre nuestro", uno de los primeros estrenos del 2006, las trabajadoras sexuales son protagonistas y una suerte de icono de nuestra cultura audiovisual. Una imagen recurrente y que parece ineludible a la hora de mostrar la represión, el abuso de poder y el tan mentado doble estándar, la hipocresía nacional.

No deja de ser curioso que, en los filmes chilenos, la encarnación de la posibilidad de liberación sexual de sus personajes esté representada muchas veces por prostitutas. En un cine plagado de personajes reprimidos o frustrados, la vía de escape preferida e incluso la oportunidad de perder la virginidad, siguen siendo “las mujeres de la vida”. Ya sea en el caso de adolescente hijo de un dueño de fundo en Julio Comienza en Julio de 1976 o el joven de provincia que es llevado por su propio hermano a descartucharse con una profesional en Los Debutantes de casi tres décadas más tarde.

BURDEL, BOITE Y SAUNA

En “El roto”, de Alberto Daiber, estrenada el año pasado, un prostíbulo ocupa un rol principal en la historia. Según la adaptación de la novela de Joaquín Edwards Bello, en esta “casa de putas” típica del Santiago de la primera mitad del siglo pasado, vive la protagonista, Clorinda (María Izquierdo), viuda del hermano de la dueña del burdel, encarnado por la cantante Carmen Prieto. Además, una de las niñas del lugar, Patricia López, es el amor del hijo de la protagonista, en este drama sobre personajes marginales que luchan sin éxito para superar las desgracias de su condición.

En los tiempos del cine mudo, dos años después de la ya citada “La última trasnochada”, una nueva película fue pasto de la censura nacional. En “Vergüenza” de Juan Pérez Berrocal, un pionero del cine chileno con sede en la bullente capital cinematográfica de Antofagasta, el protagonista era un minero que se volvía loco por culpa de la sífilis que contraía en un prostíbulo. Para más remate, su noble esposa, al quedar abandonada, debía trabajar en un burdel para poder sobrevivir. La cinta finalmente fue aprobada, pero no sin la obligación de poner un cartel con la advertencia: “inconveniente para señoritas”.

El cine chileno de los años 40 y 50 con sus comedias ingenuas y populistas no registran este tipo de personajes, que reaparecen merced a los registros con intención realista de fines de los años 60, en trabajos como “Largo Viaje” (1967), de Patricio Kaulen o “Valparaíso Mi amor” (1969), de Aldo Francia.

Pero es en “Julio comienza en Julio” (1976), de Silvio Caiozzi, donde reaparecen en un rol protagónico. Esta es la historia de la poderosa familia de latifundistas los García del Castaño, donde Don Julio (Felipe Rabat) es el autoritario patrón de la comarca y que cuando su hijo Julito (Juan Cristóbal Meza) cumple los 15 años organiza una enorme fiesta donde la atracción principal son las meretrices del pueblo. Julito conoce y se enamora de María (Shlomit Baytelman), la más joven de las prostitutas, sólo para sufrir una dura lección sobre el orden impuesto por la clase a la que pertenece y que le deja claro que hay mujeres de las cuales gente como ellos no se pueden enamorar.

Estrenada en 1979, “Julio...” es prácticamente la única película estrenada en esa década. En los años siguientes tampoco hubo muchos estrenos, pero uno de los pocos y el más exitoso de los años 80 es “Como aman los chilenos”, de Alejo Alvarez. Estrenada en 1984, está basada en un best seller de Jorge Sasía y pretende, de modo torpe, ingenuo y con un estilo sacado del sketche, revelar la hipocresía nacional y las costumbres sexuales de nuestro país. Entre sus innumerables y ridículas secuencias, desfilan gran cantidad de prostitutas que rebelan el licencioso comportamiento del chileno medio.

"Sussi”, de Gonzalo Justiniano (1988) otro gran éxito de taquilla de esos días, también pretendía mostrar algunas características del ser nacional a través de la fábula de Azucena (Marcela Osorio), la ingenua y sensual niña de provincia que llegaba a Santiago en busca de una mejor vida y que terminaba siendo usada por los hombres, pasando de objeto sexual a símbolo nacional a través de una facistoide campaña del gobierno. Sussi encuentra trabajo en un cabaret entre sórdido y existencialista, que da inicio al recurrente escenario que estará en tantas películas chilenas: el cabaret o la boite, con copetineras y bailarinas semidesnudas.

Desde entonces son múltiples las películas donde aparece este tipo de lugar. Como en “¡Viva el novio!”, de Gerardo Cáceres (1990), en que Cristián García Huidobro encarna al Pelao Infante, que tras un escándalo el día de su matrimonio, comienza un pícaro deambular que, por supuesto, incluye el paso por uno de estos infaltables cabarets con sus amistosas acompañantes.

Al año siguiente, nuevamente García Huidobro es uno de los actores de una comedia, donde reaparecen las prostitutas como personajes protagónicos. En “Los Agentes de la KGB también se enamoran”, de Sebastián Alarcón, Sergei Gazarov es Misha, un inútil espía ruso que aterriza en una casa de masajes regentada por Gloria Munchmayer, y donde trabajan varias “niñas”, encarnadas entre otras, por Catalina Guerra y Elvira López. El protagonista se enamora de una de ellas, Paola (Luz Croxatto), que es una buena chica que se prostituye para pagar su departamento. Pareja de un tipo fresco y explotador (García Huidobro), ella será "salvada" por el amor del bonachón un agente ruso.

DE ORNELLA MUTTI A ANITA ALVARADO

Ya en los últimos años, el desfile de prostitutas se hace recurrente y prácticamente inevitable. Las hay en cintas tan disímiles como "Horcón" (2005), de Rodrigo Goncalez; “Hay algo allá afuera” (1990), de Pepe Maldonado ; “El Hombre que Imaginaba” (1998), de Claudio Sapiaín, con Aline Kuppenheim como una rubia prostituta intelectual o “Monos con Navaja” (2000), de Stanley, donde están encarnadas por las únicas mujeres del film, Berta Lasala y Carolina Fadic, como Josefina, que al ser encañonada por unos mafiosos susurra entre lágrimas una frase inolvidable: “Somos putas, pero somos buenas”.

En “Tierra del Fuego” (2000), de Miguel Littin, Ornella Mutti es Armenia, quien encabeza una troupe ambulante de prostitutas que llega a las tierras australes para divertir a colonos y aventureros. Al año siguiente, en “La fiebre del loco”, de Andrés Wood, una vez más aparecen las prostitutas ambulantes que llegan hasta los rincones del sur de Chile para ofrecer sus servicios entre los hombres de una caleta que vive días de abundancia.

El grupo, entre las que se encuentran Patricia López y Mariana Loyola tienen de líder a Leila (María Izquierdo), que se luce con algunos de los mejores textos del film (como el genial: “¡Y te vai a tener que esmerar por la chucha!”), incluyendo un monólogo donde analiza cínicamente las relaciones de pareja, para terminar reivindicando, a pesar de todo, el amor.

Las cortesanas desfilan, entre otras, en cintas como “Last Call”, de Christine Lucas, en la que el estadounidense Peter Coyote realiza una incursión nocturna en el mítico Nautilus, donde las chicas nadan desnudas al interior de unos acuarios. Y también aparecen en “Historias de Sexo”, “Coronación”, “Gringuito” (Alejandra Fosalba) “Paraíso B”, “Subterra” (Berta Lasala) y “Negocio redondo”, de Ricardo Carrasco, donde son personajes protagónicos. Parte importante de la acción transcurre en un prostíbulo, donde uno de los protagonistas, Luis Dubbó, tiene a su novia: Mariana Loyola.

Recientemente, Viviana Rodríguez encarnó a Gloria, una prostituta VIP en “Gente decente”, de Edgardo Viereck. El film gira en torno a Andrés (Luciano Cruz Coke), un abogado exitoso que en su despedida de soltero se enreda con Gloria, quien al ser asesinada, envuelve al protagonista en una turbia aventura criminal. Y en “Be-Happy”, de Gonzalo Justiniano, Cathy (Manuela Martelli), es una adolescente que sufre todo tipo de desgracias, y que finalmente, termina prostituyéndose en las calles de Valparaíso.

De entre las películas de los últimos años destaca “Los debutantes” (2003), de Andrés Waissbluth, cuya trama principal está ambientada en el sórdido mundo de la prostitución. La vida de los protagonistas, dos hermanos, se complica cuando visitan una boite donde baila Gracia (Antonella Ríos) la amante del regente del lugar. El espectáculo de la protagonista totalmente desnuda y sólo cubierta de espuma – además motivo central del afiche del film- se convirtió en un clásico automático del imaginario audiovisual.

Supuestamente inspirado en un show de verdad, se convirtió en un número ofrecido en varios locales santiaguinos y más de una trabajadora sexual se publicita en internet con fotos donde aparece desnuda con espuma, al igual que en la película. Además, en la cinta aparece actuando nada menos que Anita Alvarado, famosa por un pasado de prostitución en Japón y hasta vinculada en una investigación de trata de blancas. La “Geisha chilena” es Solange, la puta encargada de desvirgar a Víctor (Juan Pablo Miranda) en una breve escena donde hace gala de su diestro manejo en estos menesteres, poniéndole un condón con la boca al protagonista. Y de paso, se convirtió en la primera ex prostituta que encarna un personaje similar en la historia del cine chileno.

CHILE VS HOLLYWOOD

Lucio Villegas, haciendo de químico en "Red dragon" (1945), un film de la serie de Charlie Chan.


Evelyn Ankers junto a Lon Chaney Jr., en una escena de la clásica cinta de horror "El hombre lobo".


Malú Gatica junto a Alex Nicol, en la película de espionaje "Target Unknow".

Leonor Varela con Wesley Snipes, su coprotagonista en "Blade 2".

Siempre será tema, el que modestos chilenitos terminen conquistando la capital del mundo del cine. Desde los tiempos de Malú Gatica, esa fantasía colectiva de poder llegar a la ciudad de los sueños, ha sido pasto de todo tipo de comentarios, alabanzas y, por supuesto, "chaqueteo". Faltaba más.

De Malú Gatica (que hizo tres películas en Estados Unidos) a Leonor Varela. De José Bohr a Cristián de la Fuente. Siempre ha habido algún pionero que desafiando la ley de las probabilidades, ha terminado consiguiendo una meta que para muchos, no es más que un sueño.

Han sido más de los que se piensa. Algo sé del tema. Me di la lata de trabajar un par de años en un libro sobre el tema (“Chile vs Hollywood”, 1997. Ed. Grijalbo, a le venta en las mejores librerías... aunque parece que ya no se encuentra). Las historias de Claudio Guzmán, Álvaro Arce o la del señor que dirigió la Profecía IV.

Como mi amigo Alexander Witt, que luego de años de ser el director de segunda unidad de películas más que top (“Máxima Velocidad”, “Twister”, “Gladiador”, “Daredevil” y “La Maldición de la Perla Negra” ...la lista es interminable, chequéenla en http://www.imdb.com), pudo dirigir su primer film: 2Resident Evil: Apocalipsis”, con Milla Jovovich.

En su última visita para adelantar detalles de “Caleuche” de Jorge Olguín, donde será productora ejecutiva Leonor Varela nos contaba de algunos de sus proyectos. Como la secuela de “Gol!”, donde hace de periodista y una cinta donde hará de esposa de John Leguizamo.

Pero de todas las historias insólitas sobre el tema, una que dscubrí (y que lamentablemente quedó fuera de mi libro) es la de Evelyn Ankers, de la cual poco o nada se sabía por aquí. Una descendiente de ingleses nacida en Valparaíso y que comenzó su carrera modelando, luego actuando en Inglaterra, para pasar más tarde a Hollywood, donde hizo más de 50 películas en los años 30 y 40's.

Fue una de las protagonistas de “El Hombre Lobo”, junto a Lon Chaney Jr. Hizo “El Hijo de Drácula”, “El Fantasma de Frankenstein”, “La Venganza del Hombre Invisible”. Actuó junto a Abbot y Costello, hizo filmes de Sherlock Holmes, otro de Tarzán y una serie de filmes de terror, aventuras y hasta westerns.

Es considerada una de las principales Scream Queen's, o sea una de las "reinas del grito", como se llama a las divas del cine clásico de horror. Fue novia de Glenn Ford y luego se casó con el actor Richard Denning (habitual de la serie “Hawai 5-0”). Se retiró junto a él a Hawai, donde murió de cáncer a mediados de los 80.

Casos como el de Mrs. Ankers, desconocidos para la mayoría del público, hay varios. Como José Bohr, famoso director de filmes como “Uno que ha sido Marino” y “El Gran Circo Chamorro”. Pero también fue protagonista de “Sombras de Gloria”, primer filme hecho en español en Hollywood, cuando la llegada del cine sonoro hizo a la industria filmar una misma película en varios idiomas. Él hizo varias allá y también tuvo un papel protagónico en “Rogue of the Rio Grande” (1930), junto a Myrna Loy.

Christina Montt, era una señorita de la sociedad chilena nacida en 1895, que emigró a Los Ángeles y se hizo amiga de grandes figuras de esos tiempos en Hollywood. Apareció en unos 10 filmes, entre 1924 y 1938, la mayoría en papelitos muy pequeños. Fue la Infanta de España en “The Sea Hawk”, de Frank Lloyd; hizo de "la señorita González" en “The Rose of the Golden West”, con Mary Astor; fue "Suzie" en “Madam X”, de Sam Wood y apareció en “Suez”, con Tyrone Power y Loretta Young.

Un caso parecido es el de Lucio Villegas, nacido en la ahora cinematográfica ciudad de Lota, el 25 de febrero, de 1883; y fallecido el 20 de julio de 1968, en Los Ángeles, Estados Unidos. Apareció en más de 40 películas hechas en Estados Unidos.

Al igual que Christina Montt, tuvo también roles breves (la mayoría no acreditados), en producciones en inglés, algunas tan famosas como “La Novia de Frankenstein”, de James Whale, protagonizada por Boris Karloff; “Solo los Ángeles tienen Ala”s, de Howard Hawks, protagonizada por Cary Grant; “La Marca del Zorro”, con Tyrone Power y en la comedia musical “The Devil on Horseback”, donde tenía un papel mucho más protagónico, un señor que aparece en los créditos como Del Campo, que no es otro que el chileno Francisco Flores del Campo, el mismo de”La Pérgola de las Flores”.

Ah, y el señor de la “Profecía IV” se llama Jorge Montesi. Este filme no tiene mucho que ver con la trilogía original, se hizo como telefilme, pero en Chile se dio en cine. Montesi ha hecho una larga carrera en Estados Unidos, dirigiendo sobre todo series de TV, como “Comando Especial”, “Highlander”, “Martes 13”, “Kung Fu: el Regreso”, “Policía de Nueva York”, “Relic Hunter”, “Andrómeda y “Mutant X”, entre muchas otras. También dirigió “Queen of Swords” (inédita en Chile), una serie tipo “El Zorro”, pero femenina, donde Paulina Gálvez (la misma de “Sub-Terra”) era la ayudante de la protagonista.

Y DALE CON LOS FANTASMAS

Nadie puede. Acaban de poner en el sitio de "Terra" una galería con supuestas fotos de fantasmas. Todo bien, igual el tema es divertido. Pero dan por verdaderas un montón de fotos, de las cuales no vale la pena ponerse a averiguar si es verdad que fueron analizadas, etc. Es típico de los sitios de internet poner galerías con fotos de sucesos extraños, como extraterrestres, etc.

Pero lo que nadie puede, es seguir insistiendo con la historia del supuesto "fantasma" de la película "Tres hombres y un bebé". Aparte de vieja, la historia es archi conocida como uno de los inventos más chantas de historias de supuestos fantasmas. Bueno, hay que reconocer que en su momento hasta en "El Mercurio" picaron con el mito urbano.

Se hablaba, mínimo, de algo extraordinario e inexplicable. La imagen de un niño que nadie habría visto en el momento del rodaje, aparecía misteriosamente en una escena. Se echó a correr la leyenda de que era el hijo de los dueños de la casa arrendada para la filmación. Un niño que se habría suicidado. Y que los padres se dieron cuenta años después al ver la película (que no habían visto al tiempo de su estreno por que aparecía su casa y eso era muy doloroso) y bla bla bla...

Y en Terra en febrero del 2006, siguen poniendo la misma lesera. No hay salud. La película NO se filmó en ninguna casa ni nada. Fue en un estudio en Canadá. Y no hay nada sobrenatural, ni siquiera misterioso. Por favor. Simplemente se trata de un subplot de la trama que quedó fuera de la edición final. Según recordarán los que hayan visto la película, el personaje de Ted Danson era actor. En una parte de la historia (que después se sacó del montaje final), el hacía un comercial de comida para perros vestido de frac. Y es una figura de cartón con ese anuncio lo que tiene en su casa al lado de la ventana. Y eso es todo. Todo lo otro es cuento. Lo fantástico es la cantidad de gente que agarró papa y que tantos años después se siga con la misma lesera.

En las fotos aparece la típica imágen del supuesto "fantasma". Pero además hay otros fotos más de la secuencia descartada, donde se ve con detalle la figura de cartón de tamaño natural de Ted Danson en traje de etiqueta.

Para más detalles:
http://www.snopes.com/movies/films/3menbaby.htm
http://charlatanes.blogspot.com/2004/04/ocultistas-necios-nubes-lenticulares-y.html

Eso sería.

AMOR A LA MALA

Si el cine nos dice cosas sobre nosotros mismos, ¿qué nos dice sobre nuestra vida sexual? El cine chileno da cuenta un erotismo oculto, oscuro, problemático, poco gozoso, ilegítimo y marginal. Siempre interesará a los realizadores y atraerá al público, pero lo que refleja de nosotros mismos deja mucho que desear.

"Amor a la mala: Sexo en el cine chileno" es el título del trabajo resultante de una idea que me ronda desde hace años. Pasó de artícul o periodístico a capítulo de un libro que nunca escribí y que derivó en este documental realizado en conjunto a Alfredo Silva y los amigos de Urbanart (www.urbanart.cl).

A través de más de una veintena de entrevistas a realizadores y actores, y una selección de escenas de diversas películas nacionales, este trabajo pretende dar cuenta de cómo el imaginario del audiovisual chileno ha abordado el tema del erotismo y la sexualidad.

No se trata de las anécdotas del rodaje, que se han vuelto un lugar común en los medios al tratar el tema (¿fue difícil rodar tal escena? ¿fue complicado desnudarse en tal otra?), sino de acercarse desde una perspectiva sociológica a las motivaciones detrás de una determinada forma de mostrar la sexualidad en las películas chilenas. Y si esto tiene o no, relación con la conducta erótica de nuestra sociedad.

Desde la mirada ingenua del romanticismo del cine mudo chileno hasta los años sesenta. La creciente aparición del tema en el cine de los últimos treinta años, terminando con el “boom” del último periodo, con hitos como "El chacotero sentomental" y las dos películas del año 2003 anunciadas como “eróticas” (“Sexo con Amor” y “Los Debutantes”), hasta la más reciente "En la cama".

Este documental pretende, por una parte, acercarse de una manera diferente al cine chileno, en especial al más reciente, y al trabajo de sus realizadores. Y además, a través de una temática de interés general, dar cuenta del creciente progreso del cine chileno actual y al mismo tiempo, propiciar la discusión de un tema que sigue siendo tabú en ciertos ámbitos de nuestra sociedad.

En el documental aparecen Marcela Osorio, Gloria Laso, Shlomit Baytelman, Leonor Varela, Lorene Prieto, Tamara Acosta, Mariana Loyola, Patricia López, Blanca Lewin, Antonella Ríos, Adela Secall, Manuela Martelli, Daniel Muñoz, Benjamín Vicuña, Néstor Cantillana, Boris Quercia, Cristián Galaz, Silvio Caiozzi, Gonzalo Justiniano, Ricardo Larraín, Andrés Wood, Pepe Maldonado, entre otros. Todos ellos hablan de sus películas, del erotismo en el cine nacional y de los rollos de los chilenos con el sexo.

Pronto. En algún cine por ahí.

LEBU FILM FESTIVAL

Lebu. A dos horas de Conce. Ahí se realiza uno de los festivales de cines más locos del mundo. Sin duda. Más de mil personas dentro de una caverna natural viendo películas chilenas a la orilla del mar. La cagó. La experiencia es loquísima. Lebu es una localidad pequeña, minera, no tiene cine por supuesto. Así que es la gran oportunidad para la gente de ver películas chilenas del último año.
Me habían hablado del festival. Jorge Olguín, por ejemplo, que mostró "Sangre eterna" con murciélagos de verdad rondando. Todo se debe al esfuerzo y la locura de Claudia Pino, que es de allá, estudió cine y concretó un sueño creando este festival que va en su sexta versión y ya tiene carácter latinoamericano e invitados internacionales.
Claro, yo que ando con mala racha sufrí un robo bajándome del tren en Conce. En fin. Estoy chato con el tema, pero perdí muchas cosas. Pero gané otras también con el viaje. La gente: la raja. Eramos un lote en una cabaña junto al mar. Asados hasta tarde, buena conversa y hasta proyectos.
Bonita experiencia.
Grande Lebu.

FELIZ NAVIDAD Y AÑO NUEVO

SE VIENE MARTIN

MARTIN es un proyecto.
Ronda desde hace tiempo. Pero ahora, gracias a la colaboración de mi socia y el gentil auspicio del Fondo de Fomento Audiovisual, el guión se hará realidad.
Así es. Sacamos un Fondo para el desarrollo de un guión de largometraje de ficción.

La idea parece simple. Va más o menos así: Adaptar el clásico de Alberto Blest Gana, "Martín Rivas", que debe ser una de las obras de ficción más populares y más presentes en la memoria colectiva nacional, y ambientarlo en los años 80.

MARTIN es un joven del norte, que luego de perder a su padre, se viene a vivir a Santiago para estudiar Derecho y hacer poder sacar adelante a su familia. Corren mediados de los 80, y sus intenciones de dedicarse sólo a estudiar, se verán alteradas.
Primero, por conocer a Leonor, una joven estudiante de periodismo, hija de un viejo amigo de su padre que lo ayudó a entrar a la Universidad.
Y luego, por su amistad con Rafael, un joven algo mayor, que está metido en el movimiento estudiantil, y que terminará involucrando a Martín mucho más de lo que nunca imaginó.

Hay una adaptación que mantiene las ideas centrales de la novela. Me gusta la idea de que hay cosas que no han cambiado. Que existían en 1850, en 1985 y ahora también. El arribismo, las diferencias sociales, las dificultades de un amor entre clases sociales distintas (sí, claes sociales, que susto, todavía existen), la necesidad o inevitabilidad del compromiso, la adaptación, el idealismo. En fin.

Eso es. Hay mucho que hacer todavía.

MARTIN : "Hay cosas por las que vale la pena luchar"...

EL VERDADERO KING KONG

Puede que el mito tenga algo de verdad. Quizás las leyendas de gorilas gigantes que inspiraron el mono más famoso del cine, tengan relación con un ser que midió casi 4 metros de lato y pesaba media tonelada. Se trata del Gigantophithecus, que convivió con los primero habitantes de la actual China hace casi un millón de años.

Aunque las primeras pruebas de su existencia datan de 1935 (cuando el paleontólogo holandés G.H. Von Koenigswald descubrió una muela amarillenta entre los “huesos del dragón” que se vendían en una farmacia de Hong Kong), hace poco se pudo determinar la fecha de los fósiles según informó el doctor Jack Rink, de la Universidad McMaster, de Ontario (Canadá).

"Era la pieza que faltaba en el puzzle, determinar que estos primates realmente coexistieron con humanos en una época en la que éstos estaban viviendo cambios gigantescos", dijo Rink. Los estudios revelan que el Gigantopithecus era un herbívoro, que consumía principalmente bambú. Su ciclo biológico era de entre 20 y 70 años y se habría extinguido hace 500 mil años.

Al probarse la existencia del Gigantopitehcus, han surgido diversas teorías que dice que estos enormes simios del sur de China serían la explicación de mitos como el Yeti (o “Abominable Hombre de las Nieves”) del Himalaya y –tras emigrar a América vía el estrecho de Bering-, también del Sasquatch o “Pie Grande”.

KING KONG

KING KONG

El “King Kong” original es una de las grandes películas de todos los tiempos. Hacer un remake (después de la horrorosa versión de Dino De Laurentis), era una empresa arriesgada. En especial para un director como Peter Jackson que viene de hacer esa epopeya fantástica que consiguió fanatismos, éxito de taquilla, el aplauso de la crítica y premios Oscar a montones. Tras la trilogía de El Señor de los Anillos, parecía difícil lograr mantener el nivel. Y lo hace adaptando una obra mítica del cine fantástico, un icono del cine. Jackson se supera a sí mismo, realizando una película monumental en el amplio sentido de la palabra.

Jackson logra lo más difícil, mantener el halo de romanticismo y magia onírica del film original al que rinde tributo respetuosamente (este es la película que lo convirtió en cineasta), y hacerlo crecer en todas direcciones, profundizando los personajes, magnificando la historia y poniendo además toda la espectacularidad de la técnica actual, sin hacerle perder consistencia.

“King Kong” es un gigante. Un ejemplo de lo grandioso que puede ser el cine como aventura, como espectáculo, como pieza artística y de entretenimiento. No hay desperdicio en las tres horas que dura la saga. Jackson se toma su tiempo y espera más de una hora en hacer aparecer al gorila. Y no molesta. No aburre.

Manteniendo la línea argumental del film original (realizado en 1933 por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack), la cinta esytá ambientada en los años 30, en plena era la Depresión. La cinta abre con un fresco de la época, con la gente durmiendo en la calle y con la protagonista, Ann Darrow (Naomi Watts), como una actriz que queda cesante como una víctima más de la dura crisis económica. El azar hará que sea elegida por el megalómano cineasta Carl Denham (Jack Black) para protagonizar una delirante empresa cinematográfica. Mezcla de Merian C. Cooper y Orson Welles, Denham está obsesionado con ir a filmar a una misteriosa isla de la que tiene un mapa, y lo hace a pesar de la negativa del estudio.
El director aprovecha de desarrollar detenidamente a sus personajes, que incluyen además al guionista Jack Driscoll (Adrian Brody), otro participante forzado de esta aventura, que debe escribir un guión sobre la marcha. Al llegar a la isla Calavera, se toparán con un mundo perdido en el tiempo, donde son atacados por una fiera raza de aborígenes caníbales (en una de las secuencias terroríficas del film) y luego Ann raptada para ser ofrecida como víctima ritual al poderoso rey Kong.
Al igual que en film original, tanto el grupo de rescate como el propio simio, deben enfrentar a una serie de dinosaurios, en un derroche de efectos visuales que dejan a Jurassic Park como circo pobre. En este segundo tercio del film, la acción no tiene respiro, las secuencias son espectaculares, vibrantes y tiene emoción, en especial cuando comienza a desarrollarse la especial conexión entre Ann y Kong, ambos unos sobrevivientes.
La tercera parte, con Kong suelto en Maniatan, no pierde tensión, y aunque no hay la montaña rusa que logra en la isla (la secuencia de la estampida de brontosaurios llega a ser excesiva), tiene momentos poéticos (Kong y Ann en las aguas congeladas de la laguna de Central Park) y un clímax sencillamente sobrecogedor.
En las escenas de Kong siendo atacado sobre la cima del Empire State, el director hace gala de todo su talento al recrear una escena que forma parte del inconsciente colectivo, en un momento único. Y donde a pesar de tener en la pantalla solo elementos creados por computadora (Kong, los biplanos, Nueva York de los años 30), es capaz de mantener el suspenso, el dramatismo y la emoción en todo momento.
Peter Jackson ha realizado una obra maestra del cine espectáculo. Una poderosa pieza visual, inspiradísima, que trasciende más allá de sus referentes originales o de género, de su contexto comercial y de los elementos de marketing que nos tendrán saturados con tanto gorila. Y que lo sitúa a la cabeza de los grandes contadores de historias del cine actual.

KING KONG. Estados Unidos, 2005. Dir: Peter Jackson. Con: Naomi watts, Adrian Brody, Jack Black, Jamie Bell, Andy Serkis.

PAPA MONO

King Kong, hoy resucitado en plan de titánica súper producción por Peter Jackson, es uno de los mitos más poderosos del cine. La bestia que rapta a la bella y huye por los rascacielos de Nueva York es uno de esos momentos epifánicos de la pantalla grande. Y aunque todos saben que el gorila gigante muere tirado en pleno Manhattan, está más vivo que nunca.


Son muchos los teóricos del cine que a lo largo de la historia del Séptimo Arte han destacado la analogía entre el cine y los sueños. Y el estudioso de la cultura de masas, Roman Gubern hace hincapié que de ahí que en la pantalla, como en la experiencia onírica, lo insólito, lo ilógico y la violación de las leyes naturales resulten perfectamente aceptables. Sólo por eso, “nadie cuestiona en una sala de cine la aberración zoológica llamada King Kong ni el que, entre millones de ventanas que hay en Nueva York, el gorila gigante acierte sin esfuerzo a localizar aquélla de la habitación en que se haya su amada”.

Y el crítico argentino Diego Curubeto en su libro “Cine Bizarro” dice que “la imagen de la diminuta Fay Wray siendo atrapada, desvestida y olfateada por el simio gigante es una de las más bizarras pasiones jamás imaginada: la idea del mono monstruoso enamorado de la rubia gigante es absolutamente absurda, pero evidentemente logró tocar algún resorte oculto en la mente de millones de espectadores, convirtiendo a King Kong en una de las películas más famosas de la historia del cine”.

Como sea. Aquella película de 1933, que hoy recrea fastuosamente Peter Jackson, como si hacer la trilogía de “El señor de los anillos” no fuera suficiente, es uno de los grandes iconos del cine mundial. Un clásico convertido en pedazo de cultura pop. En un mito que trasciende la pantalla y se posiciona en recónditos terrenos entre el sueño, el inconsciente y la memoria colectiva, provocando temor, excitación y otros múltiples estímulos sicológicos.

LA BESTIA SUELTA

Algo hay en la presencia de estos animales fascinantes, tan semejantes al ser humano. Antes de su descubrimiento (relativamente reciente para la zoología, en 1902), cundían los terribles relatos y las leyendas sobre un ser medio hombre y medio simio que raptaba mujeres en la profundidades de Africa. Y otros mitos orientales hablan de un mono gigante que habría dado origen a la historia de King Kong y que han resultado tener un origen científico (ver recuadro). Como sea, la fascinación y el temor del animal más parecido al hombre, están conectados a la idea del salvajismo que hace tan poco abandonamos (¿lo hicimos?), cuando definitivamente nos bajamos de los árboles y comenzamos a caminar erguidos hace unos cuantos millones de años.

El escritor cubano Guillermo Cabrera Infante dice que Kina Kong es “una de las películas más fascinantes, inolvidables y bellas de la historia del cine”, y que junto con el cuento de Edgar Allan Poe “Los crímenes de la calle Morgue”, es la “creadora del mito del animal poderoso y cercano al hombre que viene de la selva a poblar las pesadillas de una gran ciudad”.

Esas conexiones son las que debe haber tocado el film realizado en 1933 por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedesack, que en plena Gran Depresión hizo al público aterrorizarse y encantarse, en una aventura colosal, llena de acción y hoy inolvidable gracias a la criatura que cobró vida merced al genio de Willis O’Brien. Merian C. Cooper, era un documentalista que aprovechó un viaje al África como consultor en el rodaje de una película, para dedicarse a la observación de la vida de estos grandes simios en 1929. Cuando es llamado por su amigo, el poderoso productor de Hollywood, David O. Selznick a los estudios RKO, Cooper comenzó a desarrollar su máximo proyecto.

La idea de Cooper fue desarrollada a nivel visual por una serie de ilustraciones de Willis O’Brien, un experto en animaciones que ya había hecho en 1925 los dinosaurios del filme “The Lost World”. O’Brien, junto al escultor Marcel Delgado, realizó los complejos modelos a escala, con estructura de alambre y forro de piel, que dieron vida al Rey Kong a través del sistema de animación cuadro a cuadro o stop motion. En mayo de 1932 comenzó el rodaje de la cinta “King Kong”, realizada por Cooper junto a Ernest B. Schoedesack, con guión de James Creelman y Ruth Rose, la mujer de Schoedesack.

Un año duró la realización y costó unos 650 mil dólares, pero el resultado fue esa gran película que aún perdura. Un equipo de cineastas viaja hasta Skull Island (Isla Calavera) para rodar una película. Allí hay una tribu de nativos que ofrendan una doncella a un gigantesco gorila que se prenda de la actriz del filme, Fray Wray. Sus compañeros parten al rescate, y en el camino, deben enfrentar a un serie de animales prehistóricos. Una de las escenas más impactantes es la lucha de Kong contra un tiranosaurio en defensa de su bello trofeo. El galán (Bruce Cabot) salva a la chica, y la expedición logra capturar a King y llevarlo a Nueva York para su exhibición. El amor del monstruo por la joven es fuerte, porque escapa, la vuelve a raptar y escapa con ella hasta lo alto del Empire State, donde, en una secuencia inolvidable, es abatido por unos aviones. Los efectos de O’Brien y la música de Max Steiner, han contribuido para convertir a King Kong en una de las mayores expresiones del cine fantástico.

EL MONO PROMORDIAL

La identificación que provoca el cine fantástico y que algunos expertos han determinado corre en dos direcciones: con la víctima y con el monstruo, acá están poderosamente representadas. Porque si bien se sufre por la pobre joven en manos del mino, también se goza con el poder del simio que viene de la selva (lo salvaje, lo antiguo), a destruir la ciudad (lo moderno, lo civilizado). A todos nos gustaría poder rebelarnos contra quienes quieren controlarnos y romper las cadenas como este gorila enojado para romper lo que se le cruce por delante. Sino, ¿por qué su caída desde lo alto del Empire State provoca compasión?

Según Gubern, “la cuestión de la monstruosidad animal requiere cierta atención, porque la relación entre el hombre y el animal ha sido siempre una relación de miedo o de poder (es decir, de violencia), en la cual o el hombre a dominado al animal (por domesticación o amaestramiento), o bien el hombre ha sido presa y víctima potencial de animales en estado salvaje. (...) El género terrorífico ha preferido contemplar la animalidad como pérdida de identidad, o bien como amenazadora monstruosidad de la naturaleza”.

El productor Dino De Laurentis, aprovechó la nueva ola de películas de animales y catástrofes de fines de la década del 70, para lanzarse en la producción de una versión moderna de “King Kong”. En 1976 John Guillermin firmó esta adaptación, en la que Carlo Rambaldi, creador de “ET “entre otros trabajos, realizó un enorme modelo de un gorila mecánico para algunas secuencias, aunque el personaje principal fue nada menos que el especialista en maquillaje y efectos especiales Rick Baker enfundado en un traje de mono. Jeff Bridges y Jessica Lange fueron la nueva pareja protagónica. Desaparecieron los dinosaurios, aunque se mantuvo una escena de lucha entre Kong y una serpiente gigante y en vez de un clímax en el Empire State, Kong sucumbió arriba de las ya extintas Torres Gemelas.

La versión actual, protagonizada por Jack Black, Naomi Watts y Adrian Brody, se apega bastante fielmente a la historia original. Mantiene la época y la isla llena de dinosaurios. Pero es un trabajo fastuosos, de técnica impecable, de brillante desempeño audiovisual y con una carga romántica de otra época, a pesar de los espectaculares efectos especiales. Además, agrega nuevo material en sus más de 3 horas de duración, pero sobre todo, le otorga un nuevo ángulo a la relación entre la bella y la bestia. Ya no hay aquí las pulsiones zoofílicas de la versiones anteriores. Se trata de una conexión más espiritual entre Naomi Watts y un Kong viejo, lleno de cicatrices, el último de su especie.

Quizás, como anota Gubern en su libro “Las raíces del miedo”, la clave esté en el mismísimo padre de la sicología moderna. “Freud buceó también acerca de la supuesta paternidad animal de la tribu y acerca de las zoofobias infantiles, neurosis edípicas en las que se asimila en animal velludo, feroz y potente (hipervirilizado) a la imagen del padre. Bajo esta luz King Kong se convierte en la más bella alegoría edípica de la historia del cine”. Resulta que después de todo, King Kong, vendría siendo como un padre. Qué tal. Papá mono.

EN LA CAMA Y EL BAÑO

EN LA CAMA

En un año con cerca de una decena de estrenos, ésta película, la segunda del joven realizador Matías Bize, es la mejor. Por varias razones, pero principalmente porque es capaz de alzarse con una voz original, diferente, en un ejercicio dramático difícil de enfrentar, pero que sale airoso por un guión redondo y atrapante a pesar de las limitaciones autoimpuestas, y porque en su puesta en escena potente y naturalista, queda de manifiesto la voz y la mirada de una generación consciente de las dificultades de las relaciones humanas, y que tiene la valentía y la madurez de expresarlas audiovisualmente.

Si en “Sábado”, la dupla del director bisoño (Bize) y el guionista que fue su profesor (Julio Rojas), enfrentaron el desafío experimental de armar una historia en tiempo real, en su segundo trabajo conjunto cambian las coordenadas pero mantienen el espíritu: sólo dos personajes y una pura locación, para un relato que transcurre durante las horas de una noche en que una pareja mantiene sexo casual en la pieza de un motel.

Lo importante es que la intención de crear un escenario espacio-temporal forzado en ambos proyectos no se queda en lo puramente formal, en el ejercicio técnico o en el experimento. Es el marco que permite concentrarse en armar un relato contenido en sí mismo, donde la estructura del guión, el diálogo (y los silencios), los personajes y sus emociones, tengan el espacio adecuado para desarrollarse.

Lo que parte como una limitación es, en definitiva, lo que permite el desarrollo libre y dinámico de las ideas que se quieren exponer. Bruno y Daniela se han topado pocas horas antes en una fiesta y se han ido casi sin conocerse a un motel a pasar unas horas de sexo desprejuiciado. Pero eso lo sabemos después. La película parte con la pareja teniendo sexo bajo las sábanas, y es después, cuando el silencio post coito los obliga a hablar, que empiezan a aparecer nuevos elementos en esta relación que se supone, debía ser circunstancial.

¿Se puede tener sexo sin comprometer emociones o sentimientos? Esa sencilla premisa basta para armar una película que partiendo de una situación específica logra captar el ánimo de una generación. Esa premisa, más actuaciones sólidas y frescas (Lewin está estupenda, Valenzuela sorprende). Un guión que se las ingenia para mantener la tensión, poner humor, ideas interesantes, guiños y clichés inevitables y que es capaz incluso de crear suspenso con sorpresas finales incluidas. Y por supuesto, la sensibilidad del más talentoso director de la actual escena nacional.

EN LA CAMA. Chile, 2005. Dir: Matías Bize. Con Blanca Lewin, Gonzalo Valenzuela. Mayores de 14 años.


EL BAÑO

Imposible no consignar el hecho de que se junten dos cintas chilenas el mismo día, y que además, cada una ocurra –como sus títulos lo indican- en una habitación de la casa. Si “En la cama” es la metáfora de una generación joven que mira al futuro con sus trancas y esperanzas (como dice su tagline: “el lugar donde sueñas, amas, engañas”), “El baño” es el símbolo del lugar que ha ido guardando la mierda de todo un país.
El escritor, actor, dramaturgo y guionista Gregory Cohen debuta en la dirección con un proyecto que lleva años tratando de llevar a la pantalla. El pertenece a otra generación, la que sufrió el Golpe Militar en pleno, la que vio sus sueños truncados por la dictadura, y la que no concibe el futuro sin el ajuste de cuentas con un pasado que cada vez son menos los que quieren admitir, asumir, revisar y exorcizar.
La película además también usa un pie forzado. Una sola locación y un único punto de vista, como una cámara espía, que muestra lo que ocurre en el baño de una casa durante 20 años, entre 1969 y 1988. Por allí desfilan decenas de personajes, desde hippies a torturadores, pasando por miristas y maestros chasquillas, distintos ocupantes de una misma casa (país) que van depositando sus amores, frustraciones, temores, odios y venganzas. Llenando las cañerías con aquello que no queremos ver hasta que la mierda acumulada amenaza con reventar y mancharnos a todos.
Dueño de una mirada aguda, irónica y llena de humor negro, entremezcla la ternura y el horror en una serie de piezas que van armando como un rompecabezas su mirada sobre la realidad chilena y su historia reciente.
Una película inteligente, un experimento radical, una película a ratos fallida, pero sin duda una propuesta audaz y necesaria.

EL BAÑO. Chile, 2002-2005. Dir: Gregory Cohen. Con: Pablo Macaya, Faryde Kaid, Alex Zisis, Ramón Llao y Aline Kuppenheim.Mayores de 14 años.

HAPPY MARA

Andaba tan contenta. Lo pasamos super. Subimos por el funicular hasta el Zoológico. Lo recorrimos todo. Después bajamos a Bellavista y descubrió que el Zoo queda en el barrio de su jardín. El Crucero, "que está a los pies del cerro", como dice la canción que inventamos. Después a almorzar al Off the Record. Y previo coqueteo con el barman, se sentó y le sirvieron especialmente su primer "trago". ¡Salud! Happy Hour para una niña feliz...

BETTY PAGE: LEYENDA SEXUAL

Antes de Marlen Olivari. Antes de Monica Bellucci. Antes incluso de Cindy Crawford o de Madonna, estaba ella.
Bettie Page. Más sensual que todas las otras juntas. Aquellos que la conocen, celebran su sonrisa permanente en ese cuerpo de hembra generosa, repleto de una sensualidad en estado natural. Sin subterfugios, falsedades, rellenos o cirugías. Sin hipocresía. La bomba sexual de un tiempo más inocente.
Una mujer que, a pesar de no ser estrella ni de hacer películas famosas, tuvo su imagen llenando cientos de páginas de revistas y colgó de las paredes de miles de piezas de hombres en Estados Unidos durante los años cincuenta. Hoy, a más de 40 años de desaparecer misteriosamente y dejar su carrera en el momento de mayor fama, sigue siendo un mito erótico, un símbolo sexual rescatado por varias generaciones que la siguen venerando, imitando y homenajeando.
Fue algo así como el reverso de Marilyn Monroe. Su lado moreno. Aunque tuvo un similar inicio como pin-up, posando desnuda o semidesnuda para revistas de hombres, no llegó a Hollywood no alcanzó su nivel de fama y fortuna, pero la verdad, terminó bastante mejor.
Y oportunidades no le faltaron. Pero ella nunca se quiso teñir rubia. Ni aceptar las invitaciones de gordos ejecutivos de los grandes estudios. Ni las proposiciones matrimoniales de tipos de mucho dinero y vidas aburridas. Esta escultural morena, voluptuosa y reina del encaje negro a lo más alcanzó a hacer un par de películas de strippers y apareció en algunos números de Playboy, pero quizás sea debido a su propia reticencia a sucumbir a los falsos brillos de star system, que a la larga se convirtió en un personaje mítico, en una mujer misteriosa. En una poderosa leyenda sexual.

DIOSA DE PAPEL
Hija de una madre con sangre cherokee y de un padre mecánico y mujeriego, nació en Nashville -la capital de la música country- el 22 de abril de 1923. Cuando tenía diez años su madre, Edna, se aburrió de las infidelidades de Roy y se quedó sola con seis hijos. En 1939 tuvo que meter a Bettie y a sus dos hermanas, Joyce y Goldie al orfanato. “Fuimos muy desdichadas, pero sobrevivimos”, contó Bettie. “Mamá venía a vernos todos los domingos. Compraba para nosotros galletas, golosinas o frutas; siempre traía algo”.
Su infancia fue algo dura, sí, y al principio no tuvo muchos éxitos escolares. Pero con el tiempo fue demostrando sus habilidades, participó en una serie de actividades académicas en forma destacada. Escribía para la revista y el diario escolar, sacaba excelentes notas y entró al club de teatro. Se graduó, consiguió una beca y se tituló de profesora de inglés. Nunca ejercería.
Su biografía se enreda un poco aquí: hay varias versiones que hablan de que vivió con su hermana, que se casó muy joven y su marido se fue a la guerra. Que ella ganaba algo como secretaria, hasta que comenzó a posar para fotografías y se fue a Los Angeles.
“Hice una prueba para el cine, pero ellos estaban empeñados en cambiar mi maquillaje y mi pelo, para que me pareciera a Joan Crawford, y no me gustaba imaginarme con la raya en medio y los labios como ella. Sólo quería parecerme a mí misma. También dijeron que tenía un acento sureño demasiado fuerte, y no quisieron intentar nada más”.
Volvió a Nashville. Se reunió con su marido que había vuelto de la guerra. Se divorciaron. Se fue a Haití. Volvió a Estados Unidos y se instaló en Nueva York. Seguía con la idea de ser actriz. Trabajaba como secretaria y estudiaba actuación y danza. “Nunca decidí ser modelo profesional”, ha dicho. Eso fue una casualidad. Fue en el verano de 1950 cuando se topó en la playa de Conney Island con un negro de musculoso cuerpo que hacía ejercicios. Jerry Tibbs era fotógrafo aficionado y policía. No sólo le tomó sus primeras fotos que aparecieron publicadas en revistas, sino que además fue quien le dio un consejo que sería clave en el estilo de Betty Page, el cual es imitado hasta nuestros días: “Me dijo que tenía una frente muy alta y que estaría mucho mejor con un flequillo. Así que me fui a mi casa y me lo corté, y lo he estado llevando desde entonces”.
Siguieron las sesiones fotográficas y algunos concursos de belleza. Conoció a Robert Harrison, editor de revistas como Wink, Eyeful y Tittler. Eran los años en que comenzaba el furor de las girlie-magazines, producto típico de la post guerra: revistas de pin-ups, sólo con fotos de mujeres jóvenes en poses insinuantes, aunque sin llegar al desnudo total. Eso vendría después, con Hugh Hefner y su famoso conejo.
Aunque hay que aclararlo desde ya. A Bettie nunca le molestó posar desnuda. “La primera vez que posé desnuda no me sentí avergonzada. Fue para un club de fotógrafos aficionados. Recuerdo que me sentí como si estuviera trabajando con ropa. Nunca lo vi mal. Después de todo, cuando Dios creó a Adán y Eva, los puso desnudos en el paraíso. Si Eva no hubiera probado la manzana prohibida, seguramente habrían pasado el resto de sus vidas desnudos”.

"NUNCA ME SENTI EXPLOTADA"
Se hizo cada vez más conocida entre el público de aquella revistillas de chicas con poca ropa. Poco a poco comenzaba a convertirse en un símbolo sexual. Y finalmente lo consiguió de la mano de Irving Klaw, quien por esos días ya era conocido como el Rey de las pin-up. Vendía fotos, hacía catálogos y envíos por correo. Bettie aparecería en un montón de ellas.
Irving, que trabajaba junto a su hermana Paula, terminaron de convertir a Bettie en el mito erótico que hoy se venera en todo el mundo. Paula aún comercializa aquellas fotos y ha declarado: “me alegro mucho de que se le reconozca, aunque sea después de tantos años. Tiene gracia que ahora todas las fotos de Bettie Page sean objeto de culto. Nosotros las vendemos a cientos, las enviamos a todos los rincones del país, a todas las partes del mundo. Creo que los más completos son los coleccionistas alemanes y japoneses”.
La particularidad de las fotos de Klaw eran el fetichismo y el bondage, aunque en una variante primigenia, casi inocente, antes que la estética sadomasoquista se explotara desde la pornografía a la fotografía de moda y publicitaria. Aquellas fotos muestran a Bettie y a otra de las chicas de Klaw atadas o simulando golpes, con cara de mujeres perversas, a veces, y en otras, de niñas sorprendidas en un juego sexual peligroso.
“Nunca me sentí incómoda ni explotada”, ha dicho Bettie. “Las demás modelos y yo disfrutábamos con las locuras que se inventaban Irving y Paula. Nos reíamos de ellas. Jamás tuvimos miedo por atarnos o pegarnos”.
El siguiente paso de Klaw fue filmar cortos de 8 mm. Donde pidió a sus mismas modelos de revistas que bailaran ataviadas con su lencería negra y sus tacos altos. Así, junto a strippers famosas como Tempest Storm y Lili St. Cyr, Bettie “actuó” en decenas de estas películas, hoy convertidas también en objeto de colección. Después, su éxito impulsó a Mr. Klaw a atreverse con largometrajes. Aunque en 16 mm. Y sin mayores avances argumentales que una sucesión de números de baile estilo strip tease, con uno que otro sketches. Primero fue Strip-O-Rama. Y luego vendrían Varietease y Teaserama. Sus curvas en una escena de baño con burbujas, una fantasía árabe y no mucho más. Una que otra invitación a programas de tevé y no mucho más. Claro que para 1954 ella era la “top model” del estudio de los Klaws. Cobraba el doble que las demás chicas y trabajaba en todas las sesiones y para todos los formatos.
Un posterior viaje a Miami la puso en contacto con otro nombre clave en su carrera: la ex pin-up y luego fotógrafa Bunny Yeager. Así, la imagen de Betty salió de las piezas de sillones de cuero de Klaw y fue expuesta a plena luz del sol, entre playas de arenas doradas y exóticas vegetaciones que dieron vida a una serie de postales kitsh que han hecho historia. Poco tiempo después, Bunny le sacó una foto navideña para Playboy.
“La coloqué sentada sobre sus pantorrillas, desnuda, solo con un gorro de Santa Claus que yo misma había cosido”, narra la fotógrafa. “Y preparé una improvisada decoración navideña. Luego salí a mirar revistas para hombres a las que pudiera mandar la foto. Vi una que tenía un poster central con una chica a la que llamaban Playmate del mes, era Playboy. Compré un ejemplar para copiar la dirección, y envié directamente las fotos a Hugo Hefner, el editor. A Mr. Hefner le gustó la foto y la compró por 100 dólares para convertirla en la playmate de enero de 1955”.

DESAPARICION Y RESURRECCION
Luego vinieron los malos tiempos. Estes Kefauver, el típico político de chiste y con ansias de llegar a la Casa Blanca, se hizo famoso en los 50 por sus histerias. Este es el payaso que vio en los comics la razón de todos los males de la sociedad de la época y formó parte de una comisión del Senado que descubrió que los personajes de historietas eran los causantes de la delincuencia juvenil. El siguiente paso fue la “pornografía”. Ahí arremetieron contra las girlie-magazines y sus editores. Irving Klaw tenía los días contados. Su material fue calificado de “obsceno” y lo sometieron a juicio. Aquí surge de nuevo la leyenda. Algunos dicen que la mismísima Bettie fue llamada a declarar y que tuvo que presentarse frente al Comité Judicial del Senado. Y tras declarar, habría renegado de todo.
Ella lo desmiente. “Nunca fui al estrado porque a mí no me demandaron, pero tuve que declarar para decirles que Irving Klaw no era responsable de ningún tipo de pornografía. Que ni siquiera hizo desnudos. De hecho, todas posábamos con varios pares de pantis porque le horrorizaba la idea de enseñar cualquier atisbo de vello, o los pezones. Ibamos totalmente cubiertas”.
Después de todo el tumulto, Bettie agarró sus cosas y se marchó a Miami. Era el año 1957. Tenía 34 años, llevaba nueve de carrera y se dio cuenta que sus sueños de ser actriz no tenían forma de prosperar. Fue entonces que decidió desaparecer de la escena del modelaje, y comenzaron a urdirse todo tipo de historias sobre ella.
Se habló de romances tortuosos, de historias llenas de fantasías ligadas a las de otras mujeres como ella, con finales trágicos y tórridos. Durante los ochenta comenzó a despertar su veneración. Aparecieron fanzines dedicados a ella, libros. El dibujante de comics, Dave Stevens se inspiró en ella para un personaje, se rescató su material, sus fotos volvieron a venderse a muy buen precio. Surgieron las historias sobre ella, artículos y reportajes. Playboy encargó retratos. Varios pintores la recrearon. En 1989 la revista Hot talk publicó un reportaje sobre su vida y ofreció una recompensa a quien diera con ella. La revista L.A Weekly también hizo algo similar. Era obvio, la reina del fetichismo, se había vuelto un fetiche en sí misma.
Todo el mundo quería saber qué había pasado con Bettie. No fue hasta 1992 que el programa Estilo de Vida de Ricos y Famosos la encontró. Ella se dio cuenta que a menos que hablara y confirmara que aún estaba viva, nunca dejarían de buscarla y acosarla. Así que accedió a dar una entrevista, aunque sólo telefónica. Tenía casi 70 años y no quería romper la imagen que todos tenían de ella como sensual modelo.
“Dejé de posar porqué pensé que debía dejarlo mientras estuviera arriba. Tenía 34 años cuando me marché de Nueva York y abandoné mi carrera. Me fui a Florida, y justo antes del Año Nuevo de 1959, estaba caminando por una calle de Kay West, y sentí como si alguien me cogiera de la mano y me llevara hacia una pequeña capilla con una cruz de neón blanco que salía de ella. Escuché el sermón, y me costó mucho esperar al domingo siguiente para volver a oír al predicador. Pensé que Dios no quería verme nunca más haciendo nada relacionado con mi anterior vida”, contó ella en esa ocasión.
Y ha seguido así. Alejada del mundo. Se volvió a casar con su ex marido de juventud. Se separó y se casó de nuevo con un tipo divorciado y con tres hijos. Se divorció de él a mediados de los setenta. Luego vivió sola, cuidando el jardín y sobreviviendo apenas hasta comienzo de los 90, los que, según ha dicho, fueron “los peores años de mi vida. Sin dinero ni respeto”.
A pesar de que salió de su ostracismo y contó la verdad de su historia, la locura por ella no acabó. Concursos de dobles, figuras, posters, merchandasing, grupos de fans (es cosa de ver en Internet, donde hay varios), libros sobre su vida y recopilaciones de sus fotos. Personalidades muy diversas se ven atraídas por si figura. Desde Madonna a Liv Tyler (que quería actuar en una película sobre su vida). O el propio Martin Scorsese, que alguna vez pensó en dirigirla, o la cantante uruguaya Natalia Oreiro, fan acérrima y que usó su look en el clip Veneno.
Hoy, le siguen llegando los derechos de imagen de lo que se publica con ella. Pero a pesar de las múltiples ofertas para aparecer en TV o participar en un filme biográfico para el cine o la televisión, ella sigue sin decirle a nadie donde vive. No da ni el teléfono. Terminó el misterio, pero no la leyenda. El mito de Bettie Page está vivo.
La leyenda sexual sigue intacta.